Будущий великий художник Рембрандт родился 15 июля 1606 года в благодатную эпоху расцвета всех областей духовной культуры в Голландии. Это время, когда национальная литература, архитектура, живопись и театр развивались особенно бурно. Но ни одна из областей искусства, в этот «золотой век», не создала так много культурных ценностей, признанных на мировом уровне, как живопись.

Изобразительное искусство Голландии созревало в годы революции, освободительной борьбы и послереволюционного подъема. Очевидно, именно поэтому национальная живопись носит такой выраженный демократический характер. Художники Голландии, уже в XVII веке, имели редкую возможность открыто выражать свои идеи и отношение к окружающей действительности. Их произведения отличает смелый реализм в отношении изображения человека и его жизни.

Все творчество Рембрандта пропитано наивысшим воплощением голландского реализма, который был необычайно близок душе самого художника. Его произведения поражают широтой тематического охвата, что является большой редкостью в истории мирового искусства.

Ранние годы

Ранее детство Рембрандта проходило в городе Лейдене (Нидерланды), где его отец держал мельницу на берегу одного из притоков Рейна. Собственно приставка «Ван Рейн» является родовым прозвищем живописца, буквально означающим «который с Рейна».

После окончания латинской гимназии, в 1620 году, мальчик около года провел в Лейденском университете. Именно там впервые проявились его способности к рисованию. Юный художник стал обучаться у местного живописца Якоба ван Сванненбюрха. Но вскоре перебрался в Амстердам, где нашёл более именитого учителя, Питера Ластмана (1583-1633). Новый наставник Рембрандта был представителем группы голландских художников, занимающихся исключительно изображением античных и библейских сюжетов.

Исторические картины Ластмана увлекали зрителей красочными подробностями мизансцен из быта древних народов. Его индивидуальным стилем было изображение сильных эмоций на лицах персонажей. Из-за этого, несмотря на несомненное мастерство исполнения и умение создавать реалистические детали, все его картины отличаются надуманностью и театральностью даже реальных событий. Тем не менее, многие характерные черты живописи Ластмана значительно повлияли на становление стиля Рембрандта, даже не смотря на то, что он провел в его мастерской всего около полугода.

В возрасте девятнадцати лет Рембрандт возвращается в родной Лейден. Здесь он начинает сам практиковаться в искусстве живописи. Все картины «лейденского» периода отличаются аккуратностью, резкими переходами цвета и света и немного строгой суховатой манера письма, что выдает неопытного начинающего художника.

С самого начала Рембрандта привлекал жанр портрета. Заказов было мало, поэтому художник без устали практиковался на самом себе, своих родственниках и близких. В это время он пишет множество автопортретов, изображая себя с различными выражениями лица: смущенным, улыбающимся, смеющимся, раздраженным. Так Рембрандт начал совершенствовать свои возможности реалистичной передачи психологических состояний своих героев. Практически все ранние автопортреты отличаются поверхностностью, и даже грубостью, что объясняется молодостью и неопытностью художника.

Зато, первые опыты живописца в области печатной графики, также относящиеся к лейденскому периоду, гораздо интересней. Данных о том, у кого Рембрандт учился искусству офорта, не сохранилось. Однако, его ранние гравюры уже отличаются большим мастерством исполнения, а также глубоким пониманием рисунка.

Судя по гравюрам Рембрандта, он предпочитал выбирать персонажей для своих произведений, из самых низов голландского общества. Его офорты, посвященные нищим, калекам и бродягам, были настолько искусны, что привлекли к его творчеству общественное внимание. У Рембрандта появилось больше заказов, к нему стали приходить ученики, художнику стали предсказывать большое будущее.

Первое время живописец подписывал свои произведения монограммой собственного сочинения «RHL» — Рембранд Хармен (имя отца) Лейден (родной город). Однако, после переезда в Амстердам в 1631году он стал подписываться одним именем, подобно великим мастерам Рафаэлю и Тициау.

После переезда в Амстердам у живописца наступил один из успешных периодов в его творчестве и жизни. Практически сразу ему достался очень выгодный заказ от гильдии хирургов. В январе 1632 года Рембрандт посещает лекцию выдающегося врача Николаса Питерса, во время которой слушатели были свидетелями вскрытия тела вора. Медики имели право вскрывать трупы тех преступников, которые были приговорены к смертной казни. Случалось это крайне редко, поэтому всегда было настоящим событием. Этот момент и запечатлел художник в своей знаменитой картине «Урок анатомии доктора Николаса Тулпа» (1632 год, Маурицхёйз, Гаага).

В процессе создания этого произведения, автор выступает как глубокий психолог, которому удалось тонко подметить и передать сложную картину личностных взаимоотношений. Группа слушателей – молодых хирургов, на полотне одета в праздничные костюмы. Для Голландии, разновидность портрета, изображающего человека за его любимым делом, была очень распространена. Такая картина требовала широкого использования предметов быта — включёние в сюжет окружающих элементов, характеризующих жизнь портретируемого. Наиболее сложной задачей для художника, было сохранение преобладания портретного образа над бытовым, Рембрандт с этой задачей справился блестяще.

Во взглядах персонажей картины — восхищение от прослушанной лекции, продемонстрировавшей удивительно глубокие познания лектора. Пришедшие хирурги напряжены, сравнивая анатомию вскрытой руки с тем, что изображено в большой книге, лежащей у его ног. На их фоне, сам доктор выглядит очень сдержанно. Как и положено настоящему профессионалу, врач не испытывает ни страх, ни робость, ни смущение. Доктор Тулп уверен в себе, спокоен, его не пугает действительность. Даже слуга врача, принимающий плащ у пришедшего хирурга на заднем плане картины, нисколько не испуган зрелищем.

Картина помогла Рембрандту получить признание амстердамской публики. Ему стали поступать множество заказов на портреты знатных господ, которых он всего за первые два года создал более пятидесяти. Популярность художника росла вместе с его благосостоянием.

Рембрандт был страстным коллекционером. Большую часть заработанных денег он тратил на приобретение произведений искусства, старинных костюмов и антикварных вещей. Во время описи его имущества, среди произведений его обширной коллекции, были картины Рубенса, Рафаэля, Альбрехта Дюрера, Ван-Дейка, Питера Брейгеля и других мастеров.

Успех и личное счастье

Всего через два года своей жизни в Амстердламе, Рембрандт женится. Супругой живописца стала дочь богатых патрициев Саскии ван Эйленборх. Художник очень любил супругу и часто создавал её портреты в самых разных образах: в привычном костюме голландской бюргерши, или в одеждах, преображавших её в героиню библейской или античной мифологии.

В 1634 году Рембранд пишет свою картину «Флора» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), в которой Саския предстает в образе богини всей растительности Флоры. Женщина беременна, её голова украшена венком, в котором явно просматриваются тюльпаны, указывающие на её голландское происхождение. Саския, с веточкой в руках, напоминает сказочную принцессу, гуляющую в лесу. Поражает, с каким мастерством выписана ткань её одежды, вызывающая желание притронуться к холсту, чтобы ощутить нежность атласа. Картина, не смотря на холодную палитру, производит удивительно теплое впечатление. Образ юной Саскии очень трогателен и сильно отличается от царственной женщины, которой она предстает перед нами в картине, написанной годом позже.

Произведение «Софонисба принимает чашу с ядом» (1634 год, Музей Прадо, Мадрид) стало одной из ранних картин на историческую тему. Женщина на картине очень похожа на Саскию. Сюжет картины повествует о Софонисбе, дочери карфагенского полководца, которая жила во время ожесточенной войны Рима с Карфагеном. Отец выдает её за царя Сифакса, погибающего в битве с Масиниссом, который, в свою очередь, захотел взять царицу себе в жены. Но, римляне запрещают этот брак, и тогда Масинисс присылает чашу с ядом Софонисбе, выпитую царицей без раздумий.

Полотно «Автопортрет с Саскией на коленях» (1635-1636 годы, Картинная галерея, Дрезден) показывает нам художника и его жену, светящихся от счастья. Рембрандт в образе жениха, одетый в нарядный костюм, держит на коленях Саскию, также облаченную в старинное платье, купленное художником у антиквара. Художник излучает веселье, передающееся зрителю. Одной рукой он нежно придерживает спутницу за талию, другой – поднимает роскошный бокал, как бы предлагая и зрителю выпить за их семейное счастье, разделив праздник его души. Во всей работе чувствуется нежность и любовь живописца к своей жене.

Религия и мифология

На рубеже 16-17-го веков, Рембрандт был увлечен исторической живописью, к которой по традиции того времени относились и мифологические истории античности, а также библейские сюжеты. Не смотря на то, что во многих работах живописца явно прослеживается влияние его учителя Ластмана, его полотна значительно выделялись на общем фоне расцветшей голландской живописи.

Дело в том, что Рембрандту великолепно удавалась глубоко индивидуальная трактовка каждого образа. Не смотря на схожесть колорита, композиционных приемов и костюмов его героев с полотнами Ластмана, художнику удалось выработать собственный неповторимый стиль, основанный на стремлении передать истинные чувства самого человека такими, какие они могли бы быть в реальности. Оставаясь в рамках традиционных мифологических и библейских сюжетов, картины Рембандта лишены надуманности и театральности.

В полотнах исторической серии, необыкновенно ярко раскрывается талант Рембрандта – рассказчика, его стремление показать противоречивость и двойственность человеческой натуры, в которых, по мнению мастера, лежат мотивы любого поступка.

Большое влияние на творчество живописца оказала философия Паскаля, считавшего, что «человек - нечто прекрасное, хранящее в себе истину, с одной стороны, с другой стороны, - является сосудом неопределенности и ошибок, противоречащем самому себе».

Картина «Снятие с креста» (1634 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) была одной из цикла картин на тему страстей Христовых, заказанных Рембрандту принцем Фридериком Хендриком Оранским. На полотне мы видим, как ночью близкие и родные снимают с креста тело распятого Иисуса. Мощная игра светотени создает очень сильный драматический эффект. Лица персонажей взволнованы и бледны. Единственный источник света вырывает из полумрака фигуру измученного Христа. Непонятно происхождение света — либо он идет, откуда-то сверху, либо исходит от самого Господа. Дева Мария изображена в образе простой женщины. Лицо Богоматери также озарено светом. Ее фигура расположена справа, по обе стороны от нее – люди, которые помогают Марии держаться на ногах, её состояние говорит о глубочайшей скорби. На земле расстелена роскошная ткань, на которую сейчас положат тело Христа.

Рембрандт намеренно изобразил всех участников этого действа простыми людьми, чтобы подчеркнуть, что смерть Сына Божьего является общечеловеческим горем. Эту картину, одну из пяти заказанных принцем, художник позже повторил, но уже в большем масштабе.

Тема убиения и воскрешения Христа продолжается в полотне «Неверие святого Фомы» (1634 год, Музеи изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, Москва). Здесь изображен эпизод, когда воскресший Иисус является апостолам и показывает раны. Ученики Христа рассказывают о чуде Фоме, который, в неверии, заявляет: «Если не увижу на руках раны от гвоздей и не вложу перста моего в раны от гвоздей, и не вложу руки моей в ребра Его, не поверю». Спустя несколько дней, Иисус вновь является апостолам, с которыми был и Фома. Христос подошел к нему и предложил выполнить то, что требовал Фома в качестве доказательства — вложить свои пальцы в раны. Испуганный Фома выполняет просьбу и со стыдом признает Господа.

Картина написана темными красками, и лишь центральная часть композиции освещена ярким светом, излучаемым фигурой Иисуса. Необыкновенная игра света и тени, присущая полотнам мастера, передает внутреннюю динамику эпизода, его волнующий характер.

Следующей работой, посвященной библейскому сюжету, стало полотно «Пир Валтасара» (1635 год, Национальная галерея, Лондон). На картине классическая история, связанная с правлением и смертью Валтасара — последнего вавилонского царя, виновного в падении Вавилона (согласно Книге пророка Даниила).

Когда Вавилон был осажен, в нём хранилось достаточное количество запасов продуктов, с которыми жители могли бы долго не волноваться о пропитании. Но царь Вавилона, Валтасар неожиданно решает устроить по совершенно незначительному поводу роскошное пиршество, пригласив на него почти тысячу вельмож и придворных. На картине кульминационный момент истории, когда в самый разгар пира за спиной царя появляется рука, пишущая некие слова. Царь, фигура которого расположена в центре композиции и занимает практически все её пространство, оборачивается, чтобы понять, что происходит. Справа от него, как опрокидывает на себя вино из драгоценного сосуда, пригнулась в страхе одна из пиршествующих дам.

Согласно Евангелию, придворные мудрецы царя Валтасара не смогли прочитать волшебную надпись. Тогда вавилонский правитель приглашает пророка Даниила, расшифровавшего письмена. Текст на стене дворца гласил: «Бог исчислил царство твое и положил ему конец. Ты взвешен, и вес твой не велик. Разделено царство твое и отдано персам и мидянам». Согласно библейскому повествованию, той же ночью, царь халдейский Валтасар был убит.

Картина «Жертвоприношение Авраама» (1635 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), продолжила серию сюжетов из священной книги. Холст окутан полумраком, лишь три фрагмента выхвачены светом: тело молодого Исаака со связанными за спиной руками, ожидающего согнувшись, смертельный удар; бледное от горя и ужаса лицо Авраама, понимающего, что он вот-вот должен по велению Бога заклать собственного сына; и фигура ангела, словно ворвавшегося в композицию из облаков, чтобы избавить героев от происходящего ужаса.

На протяжении всего творчества, в изображении человека, Рембрандта привлекали эффектные в своем выражении чувства страха, боли, состояния радости, горя, негодования, удивления — все, что видно невооруженным взглядом, а не внутренние переживания, сокрытые глубоко внутри.

Особенно заметно это в крупных, многофигурных произведениях, таких, как например, картина «Ослепление Самсона» (1636 год, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне). В основе полотна один из драматических эпизодов библейских сказаний.

Могучий Самсон попадает в руки врагов, из-за предательства своей возлюбленной – прекрасной и коварной Далилы, предавшей Самсона за вознаграждение. Нападающие ослепляют его, вонзая кинжалы в его глаза. Богатырское тело Самсона, выделенное сияющим ярким светом, согнулось от боли. Динамичная композиция работы насыщена цветовыми контрастами тьмы и яркого света, излучаемого фигурой силача, создающими ощущение тревоги и ужаса. Вокруг все смешалось в жестокой борьбе, а на заднем плане видна стремительно убегающая Далила.

Согласно последним исследованиям, с картиной «Ослепление Самсона» тесно связано другое полотно мастера — «Даная». Анализ холстов показал абсолютно идентичную структуру, возможно, оба они были отрезаны от одного куска. Работы связаны не только основа и размер, но и композиционное построение, которое придает работам монументальность за счет того, что фигуры на них изображены в полный рост. Существует также версия, что художник подарил обе эти работы Константину Хейтенсу — секретарю принца Фридерика Хендрика, благодаря которому у Рембрандта было множество заказов.

Эту догадку подтверждают также письма художника, в которых он извещает Хейтенса, что завершил две картины, которые, в знак благодарности, хотел бы преподнести ему. Их сюжет не указывается, но вероятнее всего, автор имел в виду эти произведения.

Такие тщательные исследования полотна «Даная» (1636 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) не случайны, эта картина стала одним из самых лучших творений мастера, а кроме этого, ещё и гимном его любви к Саскии. Рембрандт датировал полотно 1636 годом, однако знатоки его творчества относят работу к более позднему периоду. Связано это с тем, что для раннего периода творчества мастера ещё не были характерны те сила и глубина, с которыми написана эта работа. В лабораториях Государственного Эрмитажа были проведены тщательные исследования под рентгеновскими лучами, которые развеяли все сомнения: полотно, действительно, написано в 1630-е годы, однако, в последующие десятилетия оно подвергалось значительной авторской переработке.

Композиция полотна основана на сюжете древнегреческого мифа. Аргосский царь, отец Данаи, заключил дочь в башню. Но влюбленный в Данаю верховный бог Зевс все-таки проник к ней, приняв обличие золотого дождя. Со смешанным чувством робости и радости (двойственность человеческой натуры) Даная стремится навстречу золотому сиянию. Рембрандт не стал изображать на картине идеальное женское тело, как это было принято среди других художников. Его Даная далека от идеалов совершенной красоты, но обратите внимание на её лицо, сколько в нём надежды, вдохновения, оно полно любви и веры. Ее поза необычайно женственна, а жесты наполнены трепетом.

Продолжая тему активных дискуссий, ведущихся по поводу картины, надо отметить, что в лице Данаи мало сходства с прекрасно известным обликом Саскии. Проведенная рентгеноскопия разрешила и эту загадку. Дело в том, что полотно не предназначалась для продажи, долгое время оно хранилось в личной мастерской художника, вплоть до его полного банкротства, после которого все его вещи были изъяты и распроданы.

Рембрандт постоянно возвращался к своей любимой работе, переписывая её в соответствии с новым уровнем профессионального живописного видения или в зависимости от состояния души и настроения. Переписывая черты лица Данаи, он то придавал ему характерные особенности Гертьё Диркс, служанки, которая жила в его доме после смерти жены, то придавал сходство с Хендрикьё Стоффелс. В итоге, лицо героини представляет собой сочетание черт близких художнику женщин. Но сходство с Саскией, его первой любовью, все же выступает гораздо яснее.

Судьба картины была не простой, и после смерти Рембрандта. После распродажи имущества художника, она сменила целый ряд частных владельцев, вплоть до 1772 года, когда была куплена Екатериной II. В дальнейшем её поместили в зал Государственного Эрмитажа, где она подверглась нападению маньяка в 1985 году, который нанес полотну два ножевых удара и облил его кислотой. К счастью, реставраторы все-таки спасли шедевр, сохранив его для зрителей.

Во время раннего периода своего творчества, Рембрандт практически не уделял внимания пейзажу. Лишь спустя годы, под тяжким гнетом жизненных обстоятельств, художник обратил свой взор на природу и то утешение, которое она может дать человеку. Тем не менее, в 1638 году живописец создает прекрасную картину «Пейзаж с каменным мостом» (Риксмузеум, Амстердам). Полотно наполнено борьбой света и тени, эмоциональностью композиции и колористического решения и общей динамикой.

Словно бы протискиваясь через густые облака, поток яркого солнечного света струится на два дерева, изображенные в центральной части картины. Все остальное - люди в лодке, спешащие домой испугавшись начинающейся грозы, мост через реку, погружено в полумрак. В единственном фрагменте сюжета, озаренном солнцем, видны очертания покосившегося старого забора, листьев и проходящего мимо человека.

Непризнанный мастер

Как ни печально, время славы и материального благополучия для Рембрандта длилось недолго. Творчество великого мастера сильно отличалось от работ модных голландских художников. А как известно, именно мода диктует свои вкусы буржуазии, бывшей в то время самым многочисленным и успешным классом в Голландии. Рембрандт не желал потакать никаким модным тенденциям, он четко видел свой путь в искусстве, наполненный глубоко индивидуальными чертами. Главной темой творчества живописца всегда был человек, его внешняя жизнь и потаенные желания, жизнь без фантазий и надуманности, такая, какая она есть.

Реалистический стиль творчества художника смущал современников своей голой правдой. Это привело к неминуемому конфликту между мастером и буржуазным обществом. Первое крупное столкновение Рембрандта и общественного мнения случилось из-за крупного заказа на групповой портрет амстердамских стрелковой роты, под предводительством лейтенанта Виллема ван Рейтенберга и капитана Франса Баннинга Кока, над которым художник работал около двух лет.

Масштабное произведение «Выступление стрелков роты капитана Франса Баннинга Кока» (или «Ночной дозор», Риксмузеум, Амстердам), законченное мастером в 1642 году, изображает памятное историческое событие, предположительно, участие амстердамских стрелков в торжественной встрече французской королевы Марии Медичи в 1639 году.

Картина изображает роту капитана Кока, которая выходит из темного пространства на залитый ярким светом передний план. Каждый персонаж занят своим дедом, это создает впечатление, что эпизод выхвачен случайно. Стрелки на картине чистят и разбирают свои пики, кто-то раздает распоряжения, активно жестикулируя, знаменосец разворачивает пестрое полотнище. В правой части картины расположен пожилой мужчина, выбивающий барабанную дробь, возле его ног лает собака. Эти разнородные действия, создающие как бы легкое ощущение хаоса, исполненные шумом и динамикой, оставляют очень живое впечатление.

Общее колористическое решение полотна довольно темное, разбавленное лишь двумя яркими желтыми пятнами: в центре справа — фигурой невысокого мужчины — лейтенанта Виллема ван Рейтенберга, а справа — маленькой девочкой в желтом платье. Стрелки изображены вперемешку с прохожими, что производит впечатление некой неразберихи. Только капитан Кок, опершись о свою трость, абсолютно невозмутимо беседует с кем-то.

Идея Рембрандта изобразить коллектив людей, объединенных единым порывом гражданских чувств, увы, осталась непонятой и не принятой амстердамским обществом. Стрелки, оплатившие заказ, чтобы попасть на полотно, остались недовольны, что в картине присутствуют совершенно посторонние люди. И ещё больше их возмутило то, что лица некоторых заказчиков были заслонены другими фигурами.

Эта картина стала переломным моментом в жизни художника. Пока Рембрандт писал полотно, от туберкулеза скончалась его горячо любимая жена Саския, которой было всего тридцать лет. Возможно, это событие также повлияло на художника, изобразившего на полотне маленькую девочку, лицо которой чем-то напоминает юную жену живописца.

Большой и неоднозначный общественный резонанс по поводу «Ночного дозора» подкосил популярность Рембрандта, которая с тех пор стала только падать. Уменьшалось число заказов, уходили ученики. В жизни мастера наступил очень непростой период.

Растерянный и расстроенный Рембрандт стал искать уединение и утешение в природе. Как следствие, мастер сильно увлекся пейзажем, которому ранее не придавал значения. Душевное состояние живописца можно оценить по тем видам, которые он выбирал для своих полотен — это были вовсе не эффектные виды, а тихие, скромные, уединенные уголки.

Помимо живописи, в огромном наследии Рембрандта значительное место занимают гравюры и рисунки, исполненные мастером с не меньшим талантом, чем его живописные полотна. Художник создавал гравюры в технике офорта. Суть методики в процарапывании иглой рисунка на металлической доске, покрытой лаком, которая в конце обрабатывается кислотами. Затем, лак с доски удаляется и линии, выжженные на металле кислотой, заполняются краской. После этого с доски делаются отпечатки на влажной бумаге под прессом. И способ гравирования, и полученный оттиск называются офортом. Всего, мастером создано около трехсот гравюр офортом, принадлежащих к величайшим мировым достижениям в области графики. Также, до нашего времени сохранилось около полутора тысяч рисунков художника.

Примером великолепной графики Рембрандта может служить его яркий символический офорт «Три дерева» (1643 год, собрание Я. де Брёйна). В левой части гравюры нанесены многочисленные вертикальные линии, создающие впечатление льющегося стремительными струями дождя. Правая и центральная часть офорта не испещрена штрихами, от чего небо и все пространство композиции кажутся сияющими, просторными, открытыми. Так художник отобразил символическую борьбу и неизбежную победу света над мраком. Очищенная и словно возрожденная природа, создает жизнеутверждающий и оптимистичный настрой. Три дерева, возвышающиеся в правой части композиции, кажутся осью этого мира, животворным началом - так полноценно и ясно воплотилось в них все, что есть вокруг: в кряжистых стволах - мощь терпеливой земли; в трепетании листьев на ветвях - вольное стремление воздуха.

Не смотря на увлечение гравюрой, Рембрандт никогда не прекращал совершенствовать и сов живописный стиль. В 40-х годах его изобразительные приемы становятся ещё многообразней, композиционное построение смелее, колорит — насыщеннее и темпераментнее, в нём превалируют яркие тона красного, коричневого, золотистого цветов. Преобладающей тематикой по-прежнему являются библейские и евангельские сюжеты, раскрывающие простые человеческие качества: материнскую и супружескую любовь, страдание, милосердие, доброту. Примером может служить полотно «Святое семейство и ангелы» (1645 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), оно пропитано такой удивительной нежностью, любовью, в которой сплелось божественное и земное.

Читавшая книгу дева Мария прерывается, чтобы поправить покрывало на Младенце, закрыть Его от чрезвычайно яркого света. Жест Богоматери наполнен бесконечной любовью и заботой. Иисус сладко спит, его лицо, как всегда, озарено божественным сиянием. На заднем плане картины работает муж Марии. Этот эпизод из жизни молодой семьи мог бы показаться банальным, если бы не парящие в небесах ангелы.

В 1647 году Рембандт создает драматическую картину с ярко выраженным эротизмом «Сусанна и старцы» (Государственный музей, Берлин). Сусанна направляется к купальне, расположенной в её саду, вдруг из укрытия выходят два старца, которые начинают склонять девушку разделить с ними ложе. Они угрожают Сусанне, что в противном случае будут лжесвидетельствовать, что Сусанна, прелюбодействовала с другим мужчиной. Девушка категорически отказывается. Напуганная, она пытается прикрыть свою наготу покрывалом, но один из негодяев срывает его, продолжая настойчиво её уговаривать. Обувь красного цвета, оставленная Сусанной возле купальни, очевидно, является символом эротизма голландского искусства XVII века.

Ещё одним произведением на библейский сюжет становится полотно «Ужин в Эммаусе» (Лувр, Париж), написанное мастером в 1648 году. Сюжет картины выбран классический — встреча воскресшего Христа с учениками. Но в варианте Рембрандта, полотно несет в себе глубокий психологический смысл. Иисус сидит в центре стола в трактире, залитом теплым светом, взгляд Его спокоен и сосредоточен. Мы практически не видим лиц апостолов, сопровождающих Христа — один из них поверну спиной, второй практически не различим. Зато художник детально прорисовывает лицо официанта — юноши, подающего гостям трапезу. Мальчик кроток, во всей его позе бережность и благоговение перед дорогим Гостем. Так художник подчеркивает, что для случайного человека встреча с Христом гораздо важнее, чем для знавших Его при жизни, потому что Господь выбирает своих последователей среди любого.

Безусловной любовью к человечеству пропитана и работа «Христос, исцеляющий богатых» (1649 год, собрание Я. де Брёйна), имеющая второе название — «Лист в сто гульденов». Здесь мы видим Христа, стоящего в заброшенном помещении, утопающем в полумраке. Его окружает множество посторонних людей – старики, дети, нищие, калеки. В слегка растушеванных лицах героев отражаются боль, сомнение, нужда, вера. Мастером прекрасно передана игра света и тени. Офорт пользовался популярностью, сохранились сведения, что его оттиски продавались по очень хорошей цене.

В 1653 году Рембрандт, выполняя заказ богатого коллекционера А. Руффо, создает полотно «Аристотель перед бюстом Гомера» (музей Метрополитен, Нью-Йорк). Картина резко выделялась на общем фоне живописного искусства в Голландии. Художники того времени, в соответствии с модой, писали в светлых тонах, легкими, гладкими, ровными, почти прозрачными мазками. Поэтому, работы мастера, любившего сочные краски, богатую фактуру, цветовые контрасты, плохо воспринималась публикой. Не желая менять свой индивидуальный стиль и потеряв поддержку и спрос, живописец жил на грани разорения.

Помимо творческой невостребованности у Рембрандта было множество проблем и в личной жизни. После смерти жены, художник увлекся няней своего юного сына Титуса — Гертьё Диркс, эта связь закончилась большим скандалом, после которого Гертьё навсегда покинула дом живописца.

Спустя время, Рембрандт снова оказался в центре общественного негодования. В 1649 художник увлекся двадцатипятилетней служанкой Хендрикье Стоффелс, жившей в его доме. Живописец не торопился узаконить их отношения, чтобы не потерять права распоряжаться наследством покойной супруги, которое он хотел сохранить для сына Титуса. В ответ, церковный совет Амстердама отлучил Хендрикье от вечернего причастия, требуя прекратить постыдную внебрачную связь. Но женщина не бросила Рембрандта и даже родила ему дочь Корнелию.

Художник посвятил своей новой возлюбленной несколько своих полотне, в том числе: «Портрет Хендрикьё Стоффелс» и «Молодая женщина, купающаяся в ручье».

В картине «Молодая женщина, купающаяся в ручье» (1654 год, Национальная галерея, Лондон) героиня изображена в легком платье, свободно ниспадающем с её плеч. Она осторожно входит в реку, приподняв подол платья выше колен. Обнаженные части её тела выписаны с большим мастерством. На лице молодой женщины играет тихая, полная нежности улыбка. Хендрикьё выглядит так, будто не подозревает о том, что является моделью для собственного супруга в этот момент. Она не напряжена, но и не застигнута врасплох. Черты лица спокойны и расслаблены.

В том же 1654 году Рембрандт пишет картину «Вирсавия с письмом царя Давида» (Лувр, Париж), которая считается одной из красивейших картин художника. В основе произведения — сюжет из Ветхого Завета, в котором повествуется, как однажды властелин Израиля Давид увидел с крыши своего дворца купающуюся девушку: «И он увидел с кровли обнаженную женщину; а та женщина была необыкновенно красива. И послал Давид разузнать, кто эта женщина? И ответили ему: это Вирсавия, дочь Элиама, супруга Урни Хепянина. И Давид послал прислужников взять её…» (Вторая книга царств). Сюжет, выбранный Рембрандтом, рассказывает нам историю о кровном преступлении, супружеской измене и божественном гневе. Вирсавия получила письмо от Давида, она держит его в руках, предчувствуя будущую вину (противоречивость человека). Прекрасное тело героини буквально пропитано, залито светом, в композиции и колористическом решении полотна чувствуется неотвратимость судьбы.

Не имея больше потока заказов и лишившись практически всех учеников, художник, как и в молодости, стал много писать своих родственников, соседей, знакомых. В этот период было создано множество полотен, посвященных пожилым людям, которые имели достаточно свободного времени для многочасовых позирований.

Одним из таких произведений является «Портрет старика в красном» (1652 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Старость в интерпретации Рембрандта — это отнюдь не увядание жизни, а достойное завершение. Облик героя, с лицом, покрытым многочисленными морщинками, свидетельствует о мудрости и богатом опыте. Все события в жизни оставляет свой след: одни — раны на сердце, другие — морщины на лице. В спокойных очах старика отражается вечная память обо всем, что видел он в своей жизни, что пережил, о чем горевал, чему радовался. А большие мозолистые руки свидетельствуют о том, сколько всего он сделал перед уходом.

Картина «Портрет пожилой женщины» (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), написанная в том же году, показывает нам героиню, смиренно сложившую руки у себя на коленях. В её взгляде сквозит усталость от повседневных забот.

Рембрандт любил работать вдумчиво, терпеливо и скрупулезно, иногда тратя на свои работы по два — три месяца, без конца переделывая их, снова и снова накладывая плотные, богатые пигментом краски. Рембрандт втирал краски в грунт, добиваясь эффекта глубокого пространства, рельефно лепил лица и руки героев из довольно густой красочной массы. Как писал один из биографов художника Арнольд Хоубракен: «некоторых из его героев можно было буквально «взять за нос» - настолько густо были наложены краски».

В 1656 году Рембрандта объявили банкротом, а ещё через два года его дом, как и все имущество, были распроданы за бесценок. В 1660 году живописцу пришлось поселиться в квартале бедных художников на дальней окраине Амстердама. От голодной смерти спасал лишь повзрослевший сын Титус, открывший собственное дело по продаже произведений искусства. Рембрандт и его новая супруга помогали ему как могли.

Редкие натюрморты Рембрандта, очевидно, относились к периодам его мрачных раздумий, так как практически во всех из них отчетливо представлена тема печальной обреченности растительного и животного мира, в которой художник видел ассоциации с человеческой жизнью.

Полотно «Разделанная бычья туша» (1655 год, Лувр, Париж) служит прекрасным примером такого печального натюрморта. Картина наполнена мертвой тишиной, в ней нет и намека на жизнь или динамику. В пустом помещении под потолком подвешена разделанная туша быка. Быть может, ещё вчера это не подозревающее ни о чем животное, паслось на зеленом лугу, а уже сегодня оно безвозвратно лишено жизни. Все живое на земле имеет свой срок, который все равно наступит рано или поздно.

В этот же период была создана картина «Польский всадник» (1655 год, коллекция Фрика, Нью-Йорк). Фигура всадника, как и сама картина, вызвала очень много споров, касающихся, в том числе авторства работы. Одежда молодого человека, шляпа, отороченная мехом, и кафтан придают ему некую театральность, что не было свойственно живописной манере Рембрандта. Костюм больше похож на восточный и к польскому отношения не имеет. Тогда откуда такое название? Видимо, работу впоследствии приобрёли поляки. Но есть одно «но»: в 1654 в Амстердаме вышел в свет памфлет «Польский всадник», защищающий секту, к которым, согласно многочисленным свидетельствам, примыкал художник. Лошадь изображена очень неуклюже, что никак не вяжется с тем, чтобы сам Рембрандт мог так написать животное.

В строгой композиции «Благословение Иакова» (полное название - «Иаков благословляет сыновей Иосифа Манассию и Ефрема», 1656, Картинная галерея, Кассель) представлено торжественное событие - благословленне старцем Иаковом вилков. Полотно написано в присущем Рембрандту стиле - широкими смелыми мазками, яркими сочными красками. Образ Иакова исполнен величия и достоинства. Слегка приподнявшись на постели, легким жестом он касается головы своей внучки. Оба дитя в трепетном восторге притихли возле кровати. Рядом с патриархом стоит его супруга, наблюдающая за сценой с благоговением. Красное бархатное покрывало на переднем плане необычайно оживляет полотно и привнес в него нотки торжественности и значительности момент.

Поздний период творчества

Потеряв дом, имущество, свою богатейшую коллекцию полотен мировой живописи, Рембрандт писал близких и дорогих своему сердцу людей - сына и Хендрикьё, помогающих и поддерживающих его в трудную минуту жизни.

Одним из самых лучших произведении является трогательный «Портрет сына Титуса за чтением» (около 1656, Художественно — исторический музей, Вена). Перед нами живое воплощение юности, свежести и задора. Мальчик живет в своем мире книг, фантазий и удивительных мечтаний. По лицу увлеченно читающего Титуса бегают искрящиеся солнечные зайчики, на его губах играет улыбка. Черты лица и рыжие кудри мальчика напоминают его мать Саскию.

С большим чувством теплоты и нежности художник пишет «Портрет Хендрикьё Стоффелс» (около 1656 года, Государственный музей, Берлин). После разорения живописец наконец-то мог сочетаться законным браком с любимой. Поженились они где-то в 1660-х, поскольку в многочисленных документах, относящихся к этому периоду, Хендрикьё уже упоминается как супруга Рембрандта.

На портрете, молодая, миловидная женщина стоит в домашней одежде возле проема окна. Ее взгляд устремлен вперед, возможно, она ждет любимого, который вот-вот придет. Полотно прекрасно отражает извечную женскую долю: ожидания, проводы, встреча родных и забота о них.

Полотно «Евангелист Матфей и ангел» (1661 год, Лувр, Париж) показывает нам Матфея, в трактовке Рембрандта. Здесь он предстает перед нами как крепкий, мужественный человек, имеющий большой жизненный опыт. Теперь, состарившись, он сидит за столом и записывает Евангелие со слов ангела. В работе явно отражено философское послание автора — человек, рождаясь, проходит через муки, он трудится, радуется, страдает, его лицо покрывается морщинами, тело увядает, после чего приходит смерть.

В том, как нежно и заботливо Ангел положил свою руку на плечо старца, отражается мысль художника, как важно всем нам в преклонном возрасте ощущать возле себя родного, близкого человека, который будет о нас заботиться.

В 1660 году, Рембрандт, наконец, получает новый крупный заказ от амстердамского цеха сукноделов. Художник пишет замечательный групповой портрет старейшин суконного цеха, названный «Синдики» (Амстердам, Риксмузеум). Характеризуя своих героев, живописец сосредотачивает внимание на их профессиональной скромности и честности. Пятеро синдиков и слуга (подчиненная роль которого вовсе не чувствуется в полотне) смотрят на зрителя внимательным взглядом. Лица героев выражают добросовестность, порядочность, ум.

Французский живописец, историк искусств и писатель Эжен Фромапген, прекрасно охарактеризовал умение Рембрандта создавать необыкновенные пейзажные композиции: «они заняты, хоть и не двигаются, разговаривают, хоть и не шевелят губами. Никто не позирует, все живут».

Строгие черно-белые одеяния героев разбавлены золотисто-коричневыми цветами панелей и красной скатертью. На столе перед ними лежит раскрытая книга — цеховой Устав, содержащий стандарты качества работы суконщиков Амстердама. Книга явно введена в потрет по просьбе заказчиков полотна, тем не менее, автору удалось избежать ощущения надуманности сюжета, полного глубины и содержательности.

По сохранившимся свидетельствам, эта картина, как в своё время нашумевший «Ночной дозор», вызвала множество обсуждений и споров. Рентгеноскопия показала, что холст претерпевал две крупные переработки - в 1661 и 1662 годах. Точные причины, почему произведение переделывалось, до нас не дошли.

Судьба великого художника, с годами становилась все печальней. Демонстративное непризнание творчества, постоянно ухудшающееся материальное положение и смерть двух самых близких людей (в 1663 умерла Хендрикьё, а в 1668 художник потерял своего единственного сына Титуса), сильно повлияли на душевное состояние художника. Тем не менее, Рембрандт ни разу не усомнился в верности собственного пути.

Несмотря на испытания, потерю родных, банкротство, уменьшение числа учеников и количества заказов, крайне бедственное материальное положение, он продолжал творить, создавая все новые шедевры подлинно реалистического искусства.

Поздние работы Рембрандта лишены движения, шума, эффектов. Сюжеты спокойны, словно именно в эту секунду, выхваченную художником из жизни героев, мир вокруг них замер, все застыло в ожидании рокового момента. К таким полотнам относится картина «Давид и Урия» (около 1665 года, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), на которой изображен мужчина, выходящий из шатра с письмом, лежащим у него за пазухой. В письме – смертный приговор Давиду, который, зная это наперед, смотрит ему в глаза смиренно и молча.

Величайшие шедевры, созданные перед смертью

Картина «Еврейская невеста» (около 1666 года, Риксмузеем, Амстердам) относится к величайшим шедеврам мастера. Полотно вызвало множество споров. Одни считали, что на картине изображена одна из библейских супружеских пара: Ревекка и Исаак, Рахиль и Иаков или Руфь и Вооз; другие видели здесь сына художника Tитуса и его невесту Магдалену вал Лею, третьи считали, что это портрет современников живописца поэта Мигеля де Барриоса и его супруги.

Общепризнанно одно, кем бы ни были герои, позировавшие Рембрандту, эта работа является одним из самых трогательных и необыкновенных изображений супружеской пары. Другой великий художник, Вансент Ван Гог так описал её: «Эта нежность, за которой таится боль, это бесконечное, полуоткрытое, сверхчеловеческое, и в то же время такое естественное».

Герои картины одеты в оранжево-красные и золотисто-желтые цвета, залиты ровным интенсивным светом, символизирующим яркое пламя их любви. Вся поза мужчины, заботливо склонившегося к своей супруге, нежно обнимающего её за плечо, касаясь другой рукой её груди, говорит о бесконечной заботе и нежности к своей женщине, любви и восхищении ею. В свою очередь девушка трепетно касается его руки кончиками пальцев, она спокойна за свою судьбу, доверенную её новому супругу.

Вторым величайшим шедевром мастера, написанным в конце его жизни, стало полотно «Возвращением блудного сына» (1668 год, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Оно стало блестящим завершением творческого пути Рембрандта.

Если «Еврейская невеста» была гимном земной, плотской любви, то эта картина рассказывает о любви высшего порядка, полной раскаяния, принятия, прощения, той всепоглощающей любви, которая возможна лишь между родителем и его ребёнком. Колорит картины выбран весьма приглушенный, с преобладанием темных красок. Лишь плащи отца, обнявшего своего сына, и стоящего справа мужчины, горят огнем. В роли блудного сына Рембрандт всю жизнь видел себя. Даже произведение «Автопортрет с Саскией на коленях» первоначально называлось «Пир блудного сына». Эта полюбившаяся художнику Евангельская притча легла в основу нескольких рисунков.

Композиция картины проста. На переднем плане стоит на коленях сын, в надежде на его прощение склонивший голову к ногам отца. Двое не смотрят друг на друга, не разговаривают, не видят глаз, но в самих их позах заключена огромная близость и любовь, которая может быть только между двумя родными людьми, бесконечно дорогими друг другу. Художник выписывает стертые подошвы старых башмаков сына, чтобы мы поняли, насколько долгий путь он проделал, до того, как предстать перед своим измученным отцом, обнимающим его своими натруженными руками. Выразительны и лица окружающих главных героев персонажей, они очень выразительны и полны благоговения.

Величайший художник, Харменс Ван Рейн Рембрандт, оставивший миру богатейшее культурное наследие в виде более чем шестисот живописных произведений, полутора тысяч рисунков и трехсот офортов, умер 4 октября 1669 года в забвении и нищете. Он похоронен на кладбище Вестеркерке в Амстердаме, рядом с теми, кого больше всего любил при жизни: Саскией, Хендрикьё и Титусом.

Все перипетии творческой и личной жизни великого художника не смогли сломить его дух и подорвать работоспособность. Как и гений Возрождения, Тициан, Рембрандт творил практически до последних дней своей жизни, неустанно создавая шедевры, стараясь проникнуть в суть человеческой жизни и душу самого человека, который всю жизнь был главным героем его потрясающих полотен. Тот неоценимый вклад, который внес в голландское искусство Рембрандт, ни разу не изменивший выбранному творческому пути, совершил настоящий переворот в национальном и мировом искусстве и поставил его на путь непрерывной эволюции.

Великий голландец Рембрандт Харменс ван Рейн появился на свет в 1606 году в городе Лейден. После учебы в подмастерьях уже в 19 лет он начал работать самостоятельным художником.

В его первых библейских композициях заметно влияние итальянского барокко: в резких контрастах светотеней и динамике композиции. Но вскоре Рембрандт нашёл свой стиль в использовании светотени для выражения эмоций на портретах.

В 1632 году живописец переехал в Амстердам и взял в жёны богатую патрицианку. В этот период он был особенно успешен, знаменит и счастлив. И его работы насыщены сочными красками и дышат радостью. Он пишет большие религиозные композиции, много портретов и автопортретов с любимой женой.

Особенно Рембрандт прославился как портретист, написав за свою карьеру более сотни портретов и десятки автопортретов. Именно в изображении себя художник смело экспериментировал в поисках особой выразительности лица.

Рембрандт первый решил проблему скучных групповых портретов, объединив изображённых людей общим действием, что придавало лицам и фигурам естественную непринуждённость.

Прославил художника групповой портрет под названием «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632), на котором изображены не ровные ряды помпезных лиц, а герои увлекательной истории, словно застигнутые художником в разгар действа.

Венцом таланта Рембрандта-портретиста исследователи считают «Ночной дозор» (1642) – заказной портрет стрелкового общества. Однако заказчики не приняли картину, отвергнув новаторскую идею, где вместо выстроенных в ряд стрелков, была изображена героическая композиция на тему освободительной борьбы. Стрелкам, среди которых были и знатные, эти образы показались чуждыми и политически несвоевременными.

Это неприятие стало первым трагичным аккордом в жизни художника. А когда умерла любимая жена, творчество Рембрандта потеряло радостные нотки. 1640-е годы становятся периодом спокойных библейских мотивов, где художник всё тоньше раскрывает оттенки душевных переживаний героев. В его графике ещё изящнее играют светотени, создавая драматическую атмосферу.

В «Данае» (1647) художник выявил свои эстетические взгляды на женскую красоту, бросив вызов эпохе Возрождения. Его обнажённая Даная подчёркнуто далека от классических идеалов, но чувственна и тепла, как живая женщина.

Период творческой зрелости Рембрандта пришёлся на 1650-е годы – время тяжёлых жизненных испытаний. Его имущество за долги было продано на аукционе, но живописец практически не выполнял заказов. Он писал портреты близких, простых людей и стариков. Особое внимание художника с помощью пятен рассеянного света сосредоточивалось на лицах с богатыми, но едва уловимыми эмоциями, и натруженных руках.

Библейские образы Рембрандт трактовал по-своему, явно «приземляя» религиозные легенды, лишая их потустороннего. Нередко лицам святых он придавал черты конкретных людей, которые ему позировали для картин.

К середине 1650-х годов живописец стал настоящим мастером, умело покоряя свет и цвет ради эмоциональной выразительности образов. Но доживал свой век он в нищете и одиночестве, похоронив вторую жену и сына. Последние работы художника посвящены размышлению о столкновении в человеческой душе зла с добром. Завершающим аккордом стал главный шедевр мастера – «Возвращение блудного сына», написанный в 1669-м, в год смерти художника. Раскаявшийся сын, стоящий на коленях, выразил весь трагизм жизненного пути человека, а в образе отца можно увидеть саму любовь и бесконечное всепрощение.

Атрибуция картин Рембрандта проставлена согласно последним исследованиям группы авторитетных ученых по его творчеству и обновляется по ходу исследований, проходящих в настоящее время. "Исследовательский проект Рембрандт" был основан 1968 году и поставил для себя цель проверку подлинности и принадлежности кисти мастера картин на основе детального изучения каждой с применением последних искусствоведческих и технических достижений в этой области.

Компановка альбома и перевод - Константин (koschey)

Рембрандт Харменс ван Рейн - величайший нидерландский художник и график. Он является представителем «больших голландцев»: нидерландских художников, писавших свои картины на полотнах больших форматов.

Рембрандт Харменс ван Рейн родился 15 июля 1606 года в Нидерландах, в городе Лейдене. Его отец Хармен ван Рейн был состоятельным мельником, а мать Нельтье Виллемс ван Зейтбург - дочерью булочника. Рембрандт был шестым ребенком в многодетной семье.

В Лейдене Рембрандт учился в латинской школе и в возрасте 13 лет поступил в Лейденский университет, но там не задержался. Мальчика больше интересовала живопись и отец Рембрандта, увидев талант сына, помог ему. В 16 лет Рембрандт начал обучение изобразительной грамоте у своего первого учителя, Якоба ван Сваненбурха - лейденского исторического живописца, сына Исаака Класа Сваненбурха - самого видного художника города конца XVI века. К тому же Рембрандт был дальним родственником Якоба ван Сваненбурха .

В 1623 году Рембрандт переезжает в Амстердам, где в течение шести месяцев учится у Питера Ластмана, прославившегося историческими, мифологическими и библейскими сюжетами. В его мастерскую Рембрандт попал еще подростком, поэтому он много перенял у этого, тогда очень известного художника. Именно в его мастерской Рембрандт научился гравировальному искусству. Пристрастие Ластмана к пестроте и излишней детализации поначалу оказало огромное влияние на молодого Рембрандта. Ранние полотна Рембрандта: «Побиении камнями святого апостола Стефана» (1625 год. Лион. Музей изящных искусств), «Паламедеи перед Агамемноном» (1626 год), «Крещении евнуха» (1626 год. Утрехт. Государственный музей Катарейнеконвент), «Концерт» (Музыкальный урок сладострастной любви) (1626 год. Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум), «Давид с головой Голиафа» (1627 год. Базель. Открытое художественное собрание), «Молящийся Товит» (Товит обвиняет Анну в краже козленка) (1626 год. Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум), «Валаам и ослица» (1627 год). Эти картины весьма красочны, подробные детали тщательно прописаны, сама обстановка библейской легенды достоверно передана. Но уже в этих ранних полотнах появляются свето-теневые эффекты, так прославившие автора.

В 1627 году Рембрандт возвращается в Лейден. В возрасте двадцати лет он работает самостоятельно над живописными полотнами, а так же занимается гравировкой. Рембрандт, гуляя по улицам, запечатлевал понравившиеся образы резцом на лакированной дощечке. Также он создает серию гравюр с изображением его родственников и автопортретов. В Лейдене Рембрандт работает совместно со своим, равным ему по талланту, другом Яном Ливенсом. Художники оказывают взаимное влияние на творчество друг друга и порой работают над одним и тем же сюжетом в своеобразном соавторстве. По этой причине искусствоведам достаточно сложно провести границу между картинами Рембрандта и Ливенса 1628-1632 годов. Некоторые шедевры Ливенса были приписаны Рембрандту, а менее ценные полотна последнего считались произведениями кисти Левинса.

Уже в лейденские годы начала проявляться оригинальность Рембрандта в его способе разрабатывать сюжеты. Как и другие мастера барокко, Рембрандт исследует значение светотени для передачи эмоций. На творчество Рембрандта повлияли такие художники, как Йорис ван Схоотен, создатель целой серии групповых полотен, Лука Лейденский, его кисти принадлежит полотно «Страшный суд», Питер Пауль Рубенс, считавшийся тогда лучшим художником Европы, немецкий художник Адам Эльсхаймер, а также картины караваджистов стали его учителями в отношении работы со светом и тенью. Наиболее близкие по стилю к караваджистам полотна Рембрандта — «Меняла» (Притча о неразумном богаче) (1627 год. Берлин), «Введение во храм» (1628 год), «Христос в Эммаусе» (1629 год). Портрет на котором художник запечатлел себя в мастерской в момент работы над картиной - это первый дошедший до нас живописный автопортрет Рембрандта (1628 год).

В 1629 году художника заметил секретарь штатгальтера Константин Хейгенс, поэт и меценат. В одном из своих писем Хейгенс описывает Ливенса и Рембрандта как многообещающих молодых художников. Полотно же Рембрандта «Иуда возвращает тридцать сребреников» (1629 год. Частное собрание) он сравнивает с лучшими произведениями Италии, хотя осуждает пренебрежение художника рисунком. Вероятно благодаря посредничеству Хейгенса Рембрандт связался с богатыми клиентами и штатгальтер стал приобретать картины Рембрандта и Ливенса. Рембрандт написал для принца Оранского несколько полотен на религиозную тему. Однако страсти Христовы большого успеха не имели.

В 1631 году Рембрандт снова перебирается в Амстердам, который в те времена считался второй Венецией. Рембрандт знакомится со множеством людей разных сословий. Многочисленные портреты говорят о том, что художник был вхож в самые высокие слои амстердамского общества. Простые же люди позировали ему для библейских сюжетов. Первые десять лет после переезда Рембрандта в Амстердам ознаменовались созданием множества внушительных по размерам и по тематике произведений. В этюдах мужских и женских голов он исследует мимику лиц и своеобразие каждой модели. Художник часто рисует автопортреты, изображая себя в фантастических одеяниях и замысловатых позах. Рембрандт самостоятельно печатает свои гравюры и каждый оттиск отличается от предидущего несколькими штрихами или линиями. Эти гравюры стремительно распродавались. Его работы нашли своих покупателей как в своей стране, так и за ее пределами.

Рембрандт становится увлеченным коллекционером дорогостоящих и редких предметов. Свой особняк на берегу недавно вырытого канала он наполнял скупленными им у антикваров предметами искусства. Это были картины итальянских мастеров и гравюры, несколько произведений Рубенса, а также античные бюсты, оружие, музыкальные инструменты, индийские доспехи, причудливая повседневная утварь. Художник пристально изучал произведения великих предшественников и современников, таких как Тициан и его «Ариосто», портрет Бальтазаре Кастильоне кисти Рафаэля, портреты кисти ван Дейка.

Групповой портрет «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632 год. Гаага, Маурицхейс) прославил Рембрандта и считается первым великим произведением художника. В 1555 году в Голландии вышел закон, позволяющий медикам исследовать человеческое тело и многие врачи читали лекции об анатомическом строении человека в специальных анатомических театрах. На картине «Урок анатомии доктора Тульпа» доктор Николас Тульп (настоящее имя Клас Питерсзон), выдающийся амстердамский хирург и ученый, заведовавший кафедрой анатомии, демонстрирует медикам строение мышц левого предплечья. Картина поражает своей реалистичностью и натурализмом. Композиция достаточно оригинальна, она не соответствует обычной схеме, когда фигуры помещались вокруг стола или выстраивались в параллельные ряды так, чтобы головы портретируемых были одинаково видны зрителю. Вопреки этой господствовавшей формальной традиции, хирурги изображены в естесственных позах и объеденены пирамидальной композицией увлеченных процессом людей. Рембрандт смог передать посредством мимики и жестов мысли и чувства лектора и его учеников. Большое внимание Рембрандт уделяет освещению, заполняющему картину, создавая в полотне особое напряжение. Картина «Урок анатомии доктора Тульпа» привлекла внимание многих амстердамцев, которые стремились проникнуть в аудиторию медицинского учреждения, чтобы только посмотреть на нее.

В 1634 году Рембрандт сочетался браком с Саскией ван Эйленбурх, богатой девушкой, происходящей из очень знатной семьи. Это событие приумножило их состояние, открыв перед художником двери особняков бюргеров. По специальному заказу Рембрандтом выполнялись групповые портреты. Заказчики предпочитали, чтобы их нарисовали с супругой. Рембрандт написал десятки таких портретов, обычно изображая супругов на двух разных полотнах. Лишь дважды живописец пишет двойной портрет, ведь убедительно разместить на одном полотне двух человек не просто.

«Судостроитель и его жена» (портрет Яна Рейксена и его супруги Грит Янс) (1633 год. Лондон. Королевское собрание).
Художник размещает чету супругов в частной обстановке. Эпизод с вручением женой письма своему мужу, который работает в своем кабинете, превращает картину в жанровую сценку. Цветовое решение картины сдержанное, господствует черно-белая гамма. Главные акценты расставлены художником на лицах и некоторых предметах интерьера. Это прекраснейший голландский групповой портрет того времени. Спустя восемь лет Рембрандт пишет еще один двойной портрет: «Проповедник сектыменнонитов Корнелис Клас Ансло и его жена Алтье Геррит Схаутен» (1641 год. Берлин. Государственные музеи, Картинная галерея). Композиция достаточно неожиданная, фигуры сдвинуты вправо и занимают только половину холста. Композиция уравновешивается жестом руки Ансло и лежащими на столе книгами.

В женских и мужских портретах Рембрандт тщательно пишет голову, повернутую в анфас или три четверти, он выразительно изображает руки. Менее удачными считаются его портреты в полный рост. В XVII веке важнее всего было сходство, портреты же Рембрандта глубоко психологичны. Фон постепенно переходит от темного к светлому, вследствие чего фигура как бы проявляется из тени. Некоторые портретируемые предпочитают, чтобы их рисовали без драгоценных украшений, зачастую в костюме простого покроя, украшенном лишь кружевами на воротнике и манжетах. Портреты кисти Рембрандта отличаются своей законченностью, ощущением камерности и интимности. Многие имеют овальную форму. Рембрандт в основном изображал торговцев с супругами, отдавая предпочтение мужскому портрету. «Мартен Лоотен» (1632 год. Лос-Анджелес. Окружной музей искусств), «Человек, чинящий перо» (1632 год. Кассель. Художественная галерея), «Женщина с книгой псалмов» (1632 год. Ниваа. Городское собрание живописи), «Мужчина с остроконечной бородкой» (1632 год. Нью-Йорк. Музей Метрополитен), «Альберт Кейпер» (1632 год. Париж. Лувр), « Якоб де Гейн Третий» (1632 год. Лондон. Галерея Далвич).и десятки других портретов были созданы за короткий промежуток времени. Возможно ученики помогали художнику писать фоны и одежду моделей. Заказов было много и Рембрандт не мог себе позволить добиваться той пронзительной психологичности, какая присутствует в его первых портретах.

«Портрет ученого» (1631 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж). На картине изображен мужчина с задумчивым видом в процессе работы. Установить достоверно род занятий портретируемых Рембрандта сейчас очень трудно. В портрете отсутствует формализм. Эта картина занимает достойное место в камерных портретах художника.

Наиболее значительные портреты тех лет написаны с жены художника, Саскии, в различной обстановке «Саския» (1633 год. Дрезден. Картинная галерея), «Портрет Саскии» (Кассельский портрет) (1635 год. Кассель. Художественная галерея). В портрете «Флора» (1634 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж) художник изображает Саскию в костюме Флоры, создавая образ богини. Рембрандт тщательно пишет лицо, детали одежды, венок из цветов на голове Саскии. По сути картина является пасторалью. «Автопортрет с Саскией на коленях» (Блудный сын в таверне, Аллегория любви и вина) (1638 год. Дрезден. Галерея живописи) это единственный автопортрет живописца, в котором он изображен не один. Художник нарисовал себя в приподнятом настроении с Саскией сидящей на коленях и с бокалом вина. Павлин на столе - символ богатства. Одежда на них нарядная и экзотичная.

Рембрандт создает ряд полотен на мифологические и исторические сюжеты. Эти картины художник наполнял эмоциональным содержимым, философский же смысл оставался на втором плане. «Похищение Европы» (1632 год. Лос Анджелес. Музей Поля Гетти) сюжет традиционные для итальянской живописи. «Похищение Ганимеда» (1635 год. Дрезден. Картинная галерея) в мифе орел похитил юного Ганимеда, чтобы тот стал виночерпием у Зевса. И здесь Рембрандт принебрег традицией и вместо подростка изобразил капризного, пухлого четырехлетнего ребенка. Его Ганимед скорее похож на рубенсовского купидона. Похищение пугает ребенка и он с искажённым от ужаса лицом пускает струю.

« Даная» (1636год. Санкт-Петербург. Эрмитаж). Согласно легенде аргосский царь Акрисий, предупрежденный оракулом, что погибнет от руки своего будущего внука, заточил свою дочь Данаю в комнате. Зевс посетил девушку в виде золотого дождя, зачав Персея . Рембрандт не изображает золотой дождь. Не случайно над кроватью Данаи изображен купидон. Утонченную, чувственную и женственную Данаю нередко рассматривают как «Северную Венеру». Вся картина пронизана светом. Картина была подарена художником Хёйгенсу.

Рембрандт пишет картины и на библейские темы, выбирая при этом сюжеты, которые не были популярны среди других художников. «Молящийся Товит» (Товит обвиняет Анну в краже козленка) (1626 год. Амстердам. Рйксмузеум), «Давид с головой Голиафа» (1627 год. Базель. Открытое художественное собрание), «Плачь Иеремии» (1630 год.Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум) были написаны художником еще в лейденский период. «Пир Валтасара» (Мене, Текел, Фарес) (1635 год. Лондон. Национальная галерея) производит на зрителя странное впечатление из-за того,что картина была неровно обрезана с двух сторон. Валтасар главенствует над группой, на лицах действующих лиц написан неподдельный ужас, ведь надпись предсказывает поражение в битве с персидским царем Дарием. Впечатление тревоги усиливается драматичным освещением сцены.

«Жертвоприношение Авраама» (1635 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж) драматична по своему сюжету. Ангел в последний момент хватает Авраама за руку, тем самым предотвращая трагедию. Застывший в воздухе нож придаёт сцене дополнительное напряжение. «Свадьба Самсона» (Самсон задает гостям загадку) (1638 год. Дрезден. Картинная галерея). В этой картине Рембрандт решает сложную композиционную задачу: размещение большого количества людей вокруг стола. Возможно художнику помог набросок, сделанный с картины Леонардо да Винчи «Тайная вечеря». «Прощание Давида с Ионафаном» (1642 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж). В Библии говорится о том как Давид и Ионафан обнялись и плакали вместе. Рембрандт смог передать внутреннюю драмму Ионафана, изобразив его со спины. Светотень в этих картинах достигает невиданного прежде богатства оттенков. В теплом колорите преобладают мерцающие красные и золотисто-коричневые оттенки.

Картина «Ночной дозор» (1642 год. Амстердам. Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум) сейчас является национальным символом Нидерландов. В 1642 году Рембрандт получил заказ изобразить один из шести многочисленных отрядов амстердамских мушкетёров капитана Франса Баннинга Кока для нового здания Стрелкового общества. Два других заказа на создание портрета достались его ученикам. «Ночной дозор» - уникальный групповой портрет, изображающий событие, а не просто позирующих мушкетеров. Кроме того размер полотна поражает своими масштабами. Рембрандт отошел от канонов голландской портретной живописи, предвосхетив тем самым художественные находки реалистической живописи XIX века.
На картине изображена выступающая в поход рота и несколько неизвестных прохожих, у ворот. Отряд был изображен в движении и сцена получилась весьма реалистичной. На расстоянии создается иллюзия, что фигуры движутся навстречу зрителю. Говорить о композиции картины трудно из-за того, что ее с трех сторон обрезали, поэтому создается впечатление, что фигурам тесно внутри полотна. Картина построена на игре освещенных и затенённых зон. Рембрандт светом выделяет две фигуры на переднем плане. Фигура в черном - капитан Кок протягивает вперед руку. Его спутник эффектно освещен, каждая деталь его одежды внимательно прописана. Внимание зрителя привлекает освещенная фигура девочки на втором плане картины. На картине изображено более двадцати фигур. Заказчикам не понравилось то, что некоторые мушкетеры оказались на втором плане или практически полностью перекрываются впереди стоящими фигурами. Кроме того картина напоминала о недавней освободительной Нидерландской революции. Заказчики отказались принять эту картину. Картина «Ночной дозор» оказалась поворотной точкой в карьере Рембрандта. Многие ученики уходят от него и становятся востребованными художниками. Саския умирает в 1642 году, через год после рождения сына Титуса. В моде становятся жизнерадостные, красочные живописные полотна с обилием кропотливо исполненных деталей и узоров. Сам же Рембрандт получил новый общественный заказ лишь спустя 14 лет.

Документальных сведений о частной жизни Рембрандта в 1640-е гг. сохранилось мало. Няня его сына, Гертье Диркс, подала на него в суд за нарушение обещания жениться, чтобы уладить конфликт художнику пришлось расплатиться. В конце 1640-х Рембрандт сошёлся с другой своей служанкой, Хендрикье Стоффельс. Приходской совет осудил Хендрикье за «греховное сожительство», после того как в 1654 году у них родилась дочь Корнелия. Служанки позировали Рембрандту для картин: «Женщина в постели » (Гертье Диркс?) (1647 год. Эдинбург. Национальная галерея Шотландии), «Хендрикье Стоффельс» (1650 год. Париж. Лувр) «Женщина купающаяся в реке» (Хендрикье Стоффельс купающаяся в реке) (1654 год. Лондон. Национальная галерея), «Хендрикье Стоффельс у открытой двери» (период 1650-1660 годы. Берлин. Государственные музеи. Картинная галерея).

Рембрандт также пишет портреты своего сына: «Титус за партой» (1655 год. Роттердам. Музей Бойманса-ван Бенингена), «Титус» (1657 год. Лондон. Собрание Уоллес), «Титус в одежде монаха (Титус в виде Святого Франциска)» (1660 год. Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум). В 1653 году художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу и объявил в 1656 г. о своем банкротстве. После распродажи в 1657-58 гг. дома и имущества художник перебрался на окраину Амстердама, в еврейский квартал. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы. Рембрандт умирает годом позже.

«Синдики цеха суконщиков» (1661 год. Амстердам. Рейксмузеум) - строгий и сдержанный групповой портрет. Сидящие за столом мужчины преисполненны важности. Красный ковер ярко выделяется на фоне одетых в черное торговцев.

Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как портретиста. Ему позируют и друзья и никому не известные солдаты, старики и старухи. Их лица озарены внутренним светом. «Ян Сикс» (1654 год. Амстердам. Фонд Сикса), натягивающий на руку перчатку, выделяется гармонией колорита, широтой пастозных мазков. Рембрандт создает драматические и напряженные картины: «Артаксеркс, Аман и Эсфирь» (1660 год. Москва. ГМИИ им. А. С. Пушкина) и «Отречение апостола Петра» (1660 год. Государственный музей Амстердама. Рейксмюсеум). «Возвращение блудного сына» (1666 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж)
«Аман узнает свою судьбу» (Давид и Урия) (1666 год. Санкт-Петербург. Эрмитаж). Картину много раз пытались толковать, но нет ни одной убедительной версии. Это скорее фантазия Рембрандта на тему библейской истории. Картина очень трогательная благодаря жесту и выражению лица главного персонажа.

Всего за свою жизнь Рембрандт создал около 500 картин (из них сохранилось около 300), 600 гравюр и офортов, 1400 рисунков.
Среди всех живописцев западного мира Рембрандт признан наиболее психологически проникновенным портретистом. Рембрандт Харменс ван Рейн - величайший представитель голландского искусства.

Великий голландский художник Рембрандт жил в эпоху высочайших достижений Галилея и Ньютона. В его время и в одной с ним стране создавали свои философские труды Декарт и Спиноза. Его век был эпохой великих драматургов - Шекспира, Лопе де Вега, Кальдерона, Мольера и прославленных живописцев - Рубенса, Веласкеса, Пуссена. В эпоху Рембрандта, и во многом благодаря его гению, живопись в Голландии стала одним из самых ярких явлений городской культуры, выразителем эстетических идеалов нового класса - буржуазии и носителем передовых идей.

Глубоко гуманистическое по своей сути и совершенное в своей неповторимой художественной форме творчество Рембрандта стало одной из вершин развития человеческой цивилизации. Разнообразные по жанру и тематике произведения Рембрандта проникнуты идеями нравственности, духовной красоты и достоинства обычного человека, пониманием непостижимой сложности его внутреннего мира, многогранности его интеллектуального богатства, глубины его душевных переживаний. Таящие в себе множество нераскрытых загадок, картины, рисунки и офорты этого замечательного художника покоряют проницательными психологическими характеристиками персонажей, философским приятием действительности, убедительной оправданностью неожиданных художественных решений. Его трактовка сюжетов из Библии, античных мифов, древних преданий и прошлого родной страны как реально осмысленных событий истории человека и общества, глубоко прочувствованных жизненных коллизий конкретных людей открыла путь свободной и многозначной интерпретации традиционных образов и тем.

Рембрандт, вслед за утрехтскими караваджистами усвоивший открытия Караваджо, важнейшую роль в создании художественного образа отводил светотени, первоначально - как мощному фактору эмоционального воздействия, а затем - как живительной, одухотворяющей силе, активно формирующей весь строй произведения.

Творческий метод Рембрандта основывался на изначальном использовании натуры в качестве лаборатории художника: «Учись… следовать богатой природе и отображать то, что найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди - все служит для нашего упражнения.., тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай и воспроизводи нас».

Воспринятая от реальной действительности художественная форма, по мысли Рембрандта, не обязательно была конечной целью живописца, который оставался свободным в своем творческом процессе. Согласно его суждению, «…картина закончена, как только художник осуществил в ней свое намерение». Эта рембрандтовская идея исполнительской свободы действий мастера впоследствии стала одним из важнейших завоеваний европейской живописи.

Рембрандт родился в канун окончательного освобождения Северных Нидерландов от испанского господства и образования Республики Соединенных провинций, по одной из них получившей неофициальное название Голландии. В юные годы художника его родина стала одним из важнейших в Европе очагов формирования буржуазного общества. В процветающем (благодаря морской торговле и захвату колоний), бурно развивающемся государстве промышленников, купцов и банкиров, относительно веротерпимом и демократичном, искали убежища от инквизиции и гонений многие европейские ученые, мыслители, поэты, художники. «В какой другой стране, - писал в 1631 году французский философ Декарт, - можно наслаждаться такой широкой свободой?». В Голландии XVII века формально художник был действительно свободен от претензий коронованного мецената, от требований церкви, поскольку кальвинизм отверг религиозную живопись, однако обслуживая практические интересы нового общества, он оказывался втянутым в круг рыночных отношений: произведения искусства стали товаром, спрос на который зависел от моды и вкусов заказчиков. Мастер, который осмеливался противостоять их требованиям, был обречен на забвение и нищету. Ярким примером этого стала судьба Рембрандта.

Отцом художника был принявший кальвинизм владелец мельницы Хармен Герритс ван Рейн. Его мать происходила из патрицианского католического рода. Рембрандту, младшему сыну, предполагалось дать хорошее образование. В семилетнем возрасте его отдали в латинскую школу, а в четырнадцать лет он стал студентом Лейденского университета, который через год покинул, чтобы всерьез заняться живописью. Почти три года Рембрандт провел в Лейдене в мастерской малоизвестного художника Якоба ван Сваненбурха, затем учился в Амстердаме у модного тогда живописца Питера Ластмана, после чего, вернувшись в Лейден, открыл в 1625 году совместно со своим земляком Яном Ливенсом собственную мастерскую. Его ранние работы на евангельские темы (Изгнание торгующих из храма, 1626, Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина; Принесение во храм, 1628, Гамбург, Кунстхалле) еще выдают влияние Ластмана, от которого Рембрандт воспринял импозантную театральность композиции, несколько нарочитую экспрессивность поз, жестов и мимики персонажей, декоративную яркость цветовой гаммы.

В 1628 году двадцатидвухлетний Рембрандт был признан «в высшей степени знаменитым» мастером, известным портретистом; у него появились заказчики и ученики. Картина «Иуда возвращает серебряники» (1629, Лондон, частное собрание) вызвала восторженный отзыв известного знатока живописи Константина Гюйгенса, секретаря штатгальтера Фредерика Хендрика Оранского: «…это дрожащее жалким трепетом тело - вот, что я предпочитаю хорошему вкусу всех времен». В Автобиографии (1628-1631) Гюйгенс назвал имя Рембрандта первым среди голландских художников того времени и противопоставил вызывающую смелость его работ всей предшествующей традиции живописи.

С 1631 года жизнь Рембрандта навсегда была связана с Амстердамом - шумным портовым и промышленным городом, в который стекались товары и диковинки со всего света, где люди богатели на торговых и банковских сделках, куда устремлялись в поисках пристанища изгои феодальной Европы и где благополучие зажиточных бюргеров соседствовало с удручающей нищетой. Амстердамский период творчества Рембрандта начался с ошеломляющего успеха, который ему принес «Урок анатомии доктора Тульпа» (1632, Гаага, Маурицхейс), изменивший традицию голландского группового портрета. Привычной демонстрации позирующих художнику людей общей профессии Рембрандт противопоставил драматургию вольно решенной сцены, участники которой - члены гильдии хирургов, внимающие своему коллеге, объединены интеллектуально и духовно активным включением в процесс научного исследования. Контраст неподвижного мертвого тела, высвеченного на первом плане бледным пятном, и живописной, свободно построенной группы различно охарактеризованных персонажей, придает картине напряженно драматическую окраску.

Тридцатые годы в жизни Рембрандта были периодом славы, богатства и семейного счастья. Он получал множество заказов, был окружен учениками, страстно увлекся коллекционированием произведений итальянских, фламандских и голландских живописцев, античной скульптуры, минералов, морских растений, старинного оружия, предметов восточного искусства; в работе над картинами экспонаты коллекции нередко служили художнику в качестве реквизита.

В 1634 году Рембрандт женился на горячо любимой им Саскии ван Эйленбурх, которая стала его музой и моделью. С Саскией - юной патрицианкой, происходившей из знатной состоятельной семьи, в его искусство вошли обаятельные интимные женские образы, излучающие тепло, радость жизни, проникнутые волнующим ожиданием счастья и восхваляющие осязаемую земную красоту притягательного в своей естественности женского тела ("Улыбающаяся Саския", 1633, Дрезден, Картинная галерея; "Даная", 1636, 1646-1647, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

Произведения Рембрандта этого периода чрезвычайно разнообразны; они свидетельствуют о неустанном, подчас мучительном поиске художественного осмысления духовной и социальной сущности человека и природы и демонстрируют тенденции, которые неотступно, шаг за шагом подводят художника к конфликту с обществом. В серии картин «Страсти», выполненной в 1633-1639 годах для штатгальтера Фредерика Хендрика Оранского (Мюнхен, Старая пинакотека), по словам самого Рембрандта, он «с великим трудом» добился выражения «наивысшей и наиестественнейшей подвижности», под которой в Голландии XVII века понимали движение души. В решении темы искупительного страдания, самопожертвования, очищающего накала чувств художник обращается к религиозной тематике ("Воздвижение креста", 1634; "Жертвоприношение Авраама", 1635, оба - Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж), прибегает к эффектным приемам барокко - бурно нарастающим формам, диагональным построениям, резким ракурсам, потокам света, театрально выхватывающим из тьмы главных действующих лиц, к идеализации и драматизации образов. В заказных портретах он сдержан, внимателен к аксессуарам, тщательно прорабатывает черты лица, явно заботясь о сходстве изображения с оригиналом и выявлении индивидуальных характеристик ("Портрет ученого", 1631, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

В портретах «для себя» и автопортретах художник свободно экспериментирует с композицией и эффектами светотени, меняет тональность цветовой гаммы, облачает свои модели в фантастические или экзотические одежды, варьирует позы, жесты, аксессуары ("Флора", 1634, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).

Вызывающе смелый "Автопортрет с Саскией" (ок. 1635, Дрезден, Картинная галерея), с его фривольной композицией и раскованной манерой письма, чарующей гаммой переливающихся золотистых, зеленоватых, оливковых, розоватых тонов, источает бурную радость, ликование, призыв к наслаждению жизнью, весьма далекому от сдержанных норм кальвинистской морали. Полагают, что в этой картине Рембрандт впервые обратился к теме евангельской притчи о блудном сыне.

Трагические перемены в личной судьбе Рембрандта (смерть новорожденных детей, матери, в 1642 году - болезнь и смерть Саскии, оставившей ему девятимесячного сына Титуса), ухудшение материального положения из-за его упорного нежелания жертвовать свободой духа и творчества в угоду изменчивым вкусам бюргеров, обострили и обнажили исподволь зревший конфликт между художником и обществом. В 1642 году он поверг в изумление своих современников выполненным по заказу стрелковой гильдии огромным монументальным полотном, создав взамен традиционного группового портрета стрелков (пирующих или представляемых зрителю капитаном роты) патетического звучания сцену торжественного и радостного выступления защитников прав и свобод независимого города. К неудовольствию заказчиков, наряду со стрелками, потесненными ликующей толпой и отчасти заслоняющими друг друга, полноправное место в композиции заняли безымянные и загадочные персонажи (ярко освещенная карлица с петухом, мальчишка, бегущий наперерез отряду). Картина до 1715 года находилась в главном зале амстердамского «Дома стрелков», для которого и была создана. В начале XIX века из-за потемневшего лака, утопившего в тени многие детали, она получила название «Ночной дозор» (1642, Амстердам, Рейксмузеум). После реставрации 1946-1947 годов зрителям открылась напоенная воздухом, пронизанная мощными вспышками света и тени цветоносная живопись, отвечающая героико-романтическому пафосу мизансцены, развернутой на фоне величественной арки - символа победы и триумфа. По существу, Ночной дозор - историческая картина, пронизанная идеей романтизации воспоминаний о недавнем героическом прошлом страны, попытка утверждения высоких гражданственных идеалов, о которых к этому времени голландцы начали забывать.

Произведения 1640-х годов свидетельствуют о постепенном духовном отъединении художника от окружающей жизни, об усилении гуманистической направленности его творчества. Выбор библейских сюжетов теперь вызван поиском темы для передачи сложной гаммы душевных переживаний человека ("Прощание Давида с Ионафаном", 1642, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж; офорт "Христос, исцеляющий больных", 1649), теплоты и преданности материнской любви, духовной близости истинно родных людей, красоты бесхитростного патриархального уклада скромной, непритязательной жизни ("Святое Семейство", 1645, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж; "Христос в Эммаусе", 1648, Париж, Лувр).

Колорит картин, построенный на усложняющейся разработке полутонов, стал более эмоциональным и звучным, свет и тень обрели красочность и активность. В Данае, переписанной в духе новых исканий, окутывающий композицию светоносный золотистый прозрачный туман исполняет роль реально действующего персонажа - золотого дождя, под видом которого Юпитер проник к девушке, запертой в медной башне ее отцом, царем Акрисием, которому предсказали гибель от руки внука. Мифической красавице Рембрандт придал черты реальной земной женщины, трепетно ожидающей запретного свидания. Все чаще Рембрандт обращается к пейзажу, создавая в живописи и графике романтический, взволнованный, интригующий, хотя порой и внешне умиротворенный образ природы (офорт "Три дерева", 1643; "Пейзаж с руинами", ок. 1643, Кассель, Картинная галерея).

Моделью притягательных женских образов 1650-х годов ("Женщина, купающаяся в ручье", 1654, Лондон, Национальная галерея; "Хендрекье в окне", 1656-1657, Берлин, Государственные музеи) стала вторая жена и преданный друг Рембрандта Хендрикье Стоффельс, которая вошла в дом художника в 1649 году молодой девушкой и разделила с ним нелегкие заботы о ведении дел и воспитании Титуса.

Тяжелые 1650-е и 1660-е годы - время полного разорения и обнищания художника - оказались самым плодотворным и зрелым периодом его творчества. В эти годы Рембрандт создал галерею непревзойденных по мастерству исполнения, полноте психологических характеристик портретов-биографий людей различного возраста, звания, интеллекта. Одно из лучших произведений этого периода - портрет фабриканта, мецената и поэта Яна Сикса (1654, Амстердам, Коллекция Сикс), написанный в изысканной гамме смягченных серых, светло-коричневых, красно-алых, жемчужно-белых, черных и золотистых тонов, рисующий образ не по годам зрелого, умудренного жизненным опытом человека. Образы немощных стариков, претерпевших немалые горести и лишения, проникнуты осознанием непреходящей ценности простых человеческих качеств - нравственной чистоты, доброты и жизненной мудрости ("Портрет старика в красном", ок. 1652-1654; "Старый еврей", 1654, оба - Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж; "Портрет пожилой женщины", 1650-1652; "Старушка", 1654, оба - Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина). Художник изображает пожилых людей недвижно сидящими в одинаково спокойных позах, с мягко освещенными, выступающими из полумрака задумчивыми невеселыми лицами и крепко сцепленными руками. Плотные пастозные и легкие прозрачные мазки сплетаются в окрашенную множеством цветовых оттенков игру света и тени, искусно передающую едва уловимую мимику лица, отражающую движение чувств и мыслей портретируемого. Красочно насыщенная, напоенная светом красно-коричневая цветовая гамма усиливает эмоциональную выразительность портретов, привносит ощущение согревающего человеческого тепла.

Последний групповой портрет Рембрандта - «Синдики» (1662, Амстердам, Рейксмузеум) - привлекает простотой и лаконизмом композиции, объединяющей персонажей в сплоченное сообщество, индивидуальностью характеристик каждого из пяти старшин гильдии амстердамских суконщиков и их слуги, изысканно сдержанным великолепием цветовой палитры.

В искусстве рисунка и офорта в этот период Рембрандт достиг высочайшего технического совершенства и не уступающей живописи силы художественного воздействия (офорты "Доктор Фаустус", ок. 1652; "Три креста", 1653; "Поучающий Христос," ок. 1656).

В последнее десятилетие жизни судьба не пощадила великого мастера: в 1663 году умерла Хендрикье Стоффельс, оставив ему юную дочь Корнелию, а в 1668 году скончался Титус.

В эти годы Рембрандт создал свои самые значительные и глубокие произведения на библейские сюжеты, портреты и автопортреты, ставящие вопросы о смысле человеческой жизни, о воздаянии за добрые и злые поступки, о трагедии одиночества, о всепрощении. Скрытое драматическое столкновение предательства и благородства в картине "Артаксеркс, Аман и Эсфирь" (1660, Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина) передается напряженным борением светоносных жарких тонов и мглистой тьмы, упорно наступающей из глубины сцены, создавая потрясающей силы образ трагедии умирающего света.

Как страстный призыв к всепрощению, поэтический гимн любви к ближнему воспринимается уникальное в своих художественных достоинствах полотно Рембрандта "Возвращение блудного сына" (ок. 1663, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж), завершившее евангельскую тему, которая в течение многих лет волновала художника. В монументальном величии фигур, выступающих на свет из густой тени, в гармонии пылающих красных и мягко золотистых розовато-охристых тонов возникает осязаемое ощущение покоя, снизошедшего на слившихся в едином порыве прощения и покаяния отца и сына.

Возможно, рождение внучки Тиции, дочери Титуса, вдохновило Рембрандта на работу над картиной "Симеон в храме" (1669, Стокгольм, Национальный музей). В судьбе евангельского старца, которому было предопределено увидеть младенца Христа и лишь потом умереть («Отпускаешь раба Твоего, Владыко, по слову Твоему с миром, ибо видели очи мои спасение Твое»), художник словно прозрел собственную судьбу. Рембрандт не успел окончить картину, но оставил надежду быть когда-нибудь понятым. Понадобились два столетия, чтобы забытое творческое наследие этого гениального художника было оценено как величайшее явление истории мирового искусства.

Татьяна Стародуб

Рембрандт Харменс Ван Рейн

«Искусство, как и жизнь, слабым не по плечу».

А. А. Блок

Характерная примета начала XVII века в Голландии – это чувство свободы. Да, многим еще недавно приходилось нелегко, да они еще помнят пережитые в детстве пожары, чуму, голод, наводнение, которое унесло тысячи жизней. Но борьба с владычеством Испании успешно завершена и разрушенное хозяйство быстро восстанавливается. Голландия снова становится крупнейшей торговой и колониальной державой, одной из богатейших на свете стран. Господствующее вероисповедание – кальвинизм – поощряет личную инициативу и стремление к успеху. Победа в войне с Испанией открыла морские пути в самые дальние уголки земного шара. То и дело сообщают об открытиях то в географии, то в астрономии, то в физике. Бурному экономическому росту сопутствует интенсивное развитие естественных наук. В стране развиваются искусства, и в первую очередь – живопись. Разбогатевшие купцы и банкиры хотят увековечить себя в ореоле славы и блеске богатства. Картина считается лучшим украшением жилища, а живопись – престижным и прибыльным делом.

В это время 15 июля 1606 года в Лейдене, городе, тридцать лет назад прославившем себя героической борьбой против испанских угнетателей, родился Рембрандт ван Рейн, который уже через двадцать лет стал удивительным рисовальщиком и офортистом, одним из величайших мастеров западно-европейского искусства. Лейден издавна был центром высокой духовной культуры, а после войны здесь, к тому же, появился университет, право на основание которого город получил в награду за свой героизм. Характерно, что Лейдену предлагалось на выбор освобождение от налогов и основание своего университета. Лейденцы выбрали второе.

Хармен Герритс ван Рейн был зажиточным мельником. Приставка «ван» в его имени, к сожалению, не признак дворянства – просто надо же как-то отличаться от других Герритсов, так как мельниц в округе хватало. Мать Рембрандта Корнелия (Нелтье) занималась работой по дому. Они жили в красивом доме из тесаного камня напротив своей мельницы, знаменитой далеко за пределами Лейдена. Семья считалась большой даже по тем временам – за длинным обеденным столом, кроме самого Хармена и его благоверной, сидело ни много ни мало – девятеро их отпрысков. Место с краю обычно доставалось младшему из сыновей – вечно задумчивому Рембрандту…

Рембрандт был восьмым ребенком в семье. В живых к его совершеннолетию осталось четверо. Самый старший брат Геррит когда-то оступился на лестнице, таская мешки, и, сломав обе голени, навсегда остался калекой. Брат Адриан женился на милой домовитой соседке Аньет, два года обучался мастерству у башмачника и теперь имел свою мастерскую. Была еще младшая дочь Лисбет – работящая, здоровая, не слишком красивая, со строптивым характером и острым язычком. Хармену хотелось бы дать образование всем детям, но денег хватало на кого-нибудь одного. А поскольку у младшего с самого раннего детства проявилась особая тяга к рисованию, только ему одному родители не предназначили удел ремесленника, а решили дать наилучшее по тем временам образование.

Вначале Рембрандт поступил в латинскую школу, где обучался чтению и письму на латыни и голландском языке, изучал Библию, а по окончании, четырнадцати лет от роду – в знаменитый на всю Европу Лейденский университет. Неизвестно, пожалел ли отец, что не отправил учиться кого-нибудь другого, но тяга юноши к искусству была так велика, что, проучившись в университете всего несколько месяцев, он бросил учебу. Юношу интересовала живопись и только живопись. Правда, знакомство с основами гуманитарного образования оказалось не лишним для будущего художника – в его творчестве всегда ощущалось знание античных авторов, мифологии, истории и культуры.

Первым учителем Рембрандта был Якоб Сваненбюрх, лейденский живописец, происходивший из патрицианской семьи (он был сыном бургомистра) и долгие годы проведший в Италии. Он не был выдающимся художником, и вероятно, именно поэтому не оказал сколько-нибудь значительного влияния на творчество Рембрандта. Но именно у него юноша приобрел основные навыки мастерства. Проучившись положенные 3 года, начав со шлифовки рам, грунтовки холстов и растирания красок, Рембрандт настолько преуспел в рисунке и живописи, что отец решил выделить из семейного бюджета деньги, чтобы младший сын мог поехать в Амстердам и стать учеником известного художника.

Рембрандт отправился в Амстердам, где провел полгода в мастерской Питера Ластмана, знаменитого художника, главы амстердамской школы «исторической» живописи. Не следует думать, что под «исторической» живописью подразумевается изображение битвы, переговоров или исторических лиц. Так назывались еще и картины на мифологические и литературные темы. Обучение у Ластмана, безусловно, дало Рембрандту многое. Влияние учителя наложило отпечаток на композиционные приемы и колорит картин, костюмы персонажей, характер трактовки отдельных форм. Питер Ластман был представителем старейшего поколения голландских живописцев. Его исторические картины, несмотря на мастерство выполнения и отдельные реалистические детали, отличались надуманностью и театральной риторичностью даже тогда, когда содержали намеки (правда, очень слабые) на современные художнику события. Современность к числу тем, достойных изображения на холсте, с точки зрения Ластмана, не относилась. В крайнем случае, на нее можно было намекнуть в аллегорической форме. Рядом с полнокровными, глубоко индивидуальными образами современников, созданными Франсом Хальсом и другими художниками-реалистами наступающего XVII века, герои Ластмана выглядели бледными и почти лишенными индивидуальных черт характера.

Рембрандт понял, что историческая живопись Голландии не должна задерживаться на ластманском этапе, когда другие жанры (портрет и бытовая живопись) уже поставили себе задачу изображать индивидуальные характеры, конкретные человеческие чувства. Поэтому, оставаясь в рамках традиционных библейских и мифологических сюжетов, он попытался сам овладеть искусством передачи реальных действий и чувств человека, обогатив тем самым голландскую живопись.

Шесть месяцев, в течение которых молодой художник успел усвоить тематику и стилистику Ластмана, оказались для него решающими. Когда Рембрандт почувствовал, что больше ничему не сможет научиться у своего учителя, что только теряет время, он оставил Ластмана, хотя иногда копировал его произведения (например «Сусанна и старцы»).

По возвращении в родной город Рембрандт открыл собственную мастерскую – в просторном пустом и холодном сарае на выгоне – и с жаром отдался самостоятельной работе. Первые годы его деятельности были временем накопления опыта и пробы сил. Он довольно долго добивался успеха. Еще не имея заказов, Рембрандт рисовал отца, мать, братьев, сестру и других близких друзей, делая их героями картин на исторические и библейские темы. Широко известны и его многочисленные автопортреты. Надо сказать, что портреты раннего периода редко являются законченными художественными произведениями. В большинстве своем они носят характер этюдов, в которых художник настойчиво изучает человеческое лицо, его структуру, мимику, передающую различные эмоции, душевные состояния. Однако уже эти портреты говорят о возросшем мастерстве реалистической передачи натуры. Живопись для художника – повседневная необходимость. Все, что Рембрандт видит вокруг себя, он пытается оставить в тетради – пейзажи, близких людей, кошек, собак, домашнюю утварь, делает многочисленные зарисовки и офорты, одновременно создает законченные композиции. Примером подобной работы может служить датированная 1629 годом картина «Иуда возвращает сребреники», написанная на евангельский сюжет. Иуда, мучимый раскаянием, возвращает иудейским старшинам 30 сребреников, полученных им за то, что он предал своего учителя. Правда, школа Ластмана дала себя знать, и поиски наибольшей убедительности в передаче события привели к излишней, повышенной экспрессии. Такое впечатление создают плотно сгрудившиеся люди, взмахи их рук, искаженные лица. Преувеличена и острота характеристики, доходящей до карикатурности. Но за всем этим чувствуется желание художника показать в евангельском сюжете реальные человеческие отношения и живых, конкретных людей. Эта картина рано стала знаменитой, так как ее увидел и позже с восторгом описал посетивший мастерскую Рембрандта в Лейдене Константейн Хейгенс, секретарь нидерландского штатгальтера принца Фредерика-Генриха, отец знаменитого физика Христиана Хейгенса (Гюйгенса). Другие работы художника тоже наконец заметили и оценили по заслугам. У Рембрандта появились первые заказчики. Современники расточали ему похвалы: «Его живопись превосходит то, что сделано античностью и Италией. Юноша, сын мельника, превзошел Протогена, Аполлония и Паррасия».

Рембрандту советовали посетить Италию, колыбель Возрождения, родину великих мастеров. Но художник считал, что картин итальянских мастеров предостаточно и в Голландии, путешествие туда весьма опасно, да и не стоит оглядываться на чужих мастеров из теплых стран, которые ровным счетом ничего не понимают в Голландии. До конца жизни Рембрандт так ни разу и не покинул пределов своей страны. Пытливая целеустремленность художника отчетливо проявилась в его ранних портретных работах. Портрет привлекал его с первых лет творчества. В этом проявилась его творческая индивидуальность, – вряд ли Рембрандт мог почерпнуть у Ластмана желание и умение писать портреты, поскольку тот не уделял им никакого внимания.

К лейденскому периоду относятся и первые работы художника в области печатной графики. Где и как Рембрандт учился искусству офорта – точно не известно. Но уже многие из его ранних гравюр отличаются меткостью характеристики сюжета и живописным пониманием рисунка. Особого внимания среди ранних работ Рембрандта заслуживают офорты, запечатлевшие различных нищих и калек. Изображение бродяг и калек было распространенным жанром в европейском искусстве XVII века, времени непрерывных войн и обнищания народа. Бюргер, покупавший гравюру с изображением облагороженного оборванца с благостным пасторальным лицом, как бы приобщался к народной жизни, при этом ни в чем себя не ущемляя. Но, в отличие от многих современных Рембрандту художников (например Калло), он рисовал бродяг трезво, реалистично, без нарочитого гротеска. Произведения Рембрандта привлекали все больше внимания, у него появляются ученики: Ян Ливенс (почти сотоварищ), Герард Дау (пришел в 15-летнем возрасте в 1628 году), Изак де Яудервиль, Жак де Руссо, Якоб Ван Спрейвен, Йорис Ван Флит.

Ранний период творчества художника прежде всего следует рассматривать в свете влияния итальянского искусства на голландскую живопись. Хотя Рембрант и не любил итальянских художников, тем не менее, они оказали значительное влияние на голландскую живопись, поскольку каждый голландский живописец считал Рим и Венецию чем-то вроде Мекки для художника. Особенно сильным было влияние творчества Караваджо, смелый натурализм и контрастная свето-теневая моделировка которого казались вызовом классическому искусству. Такие художники, как Герард Тербрюгген и учитель Рембрандта Питер Ластман, работали в стилистике Караваджо, постепенно вводя караваджизм в арсенал художественных средств голландской живописи. Картины Рембрандта лейденского периода (1625–1631 годы) тоже принадлежат этому течению. В картинах «Меняла» (1627, Берлин) и «Ученый в своем кабинете» (1629, Лондон) проявился интерес молодого мастера к передаче эффектов освещения. На первой из них изображен старик в очках за работой, в углу, заваленном счетными книгами. Его морщинистое лицо освещено тусклым светом единственной свечи, которую он прикрывает рукой. Во второй картине Рембрандт стремился передать атмосферу наполненного воздухом интерьера. Главным предметом изображения является сама комната с высоким потолком, залитая мягким трепещущим светом.

На протяжении всего своего творческого пути художник то и дело обращался к сюжетам, в которых глубокая жизненная драма сочетается с элементами тонкого психологизма. В картине «Ужин в Эммаусе» (1630, Париж) хорошо видны особенности живописи Рембрандта данного периода. Художник представил этот эпизод как театральную мизансцену. Силуэт Христа выделяется на фоне ослепительного света, причем основная часть холста погружена в тень.

В это время Рембрандт вплотную занялся и рисунком. Несколько его учеников помогали ему делать офорты. Каждый рисунок Рембрандта – это исследование природы явлений и попытка уловить характер момента или предмета. Когда художник делал зарисовки с произведений старых мастеров, он создавал не копии, а вариации на ту же тему, решая при этом собственные художественные задачи. В 1630-1640-е годы он рисовал, сочетая линии разной толщины с тончайшей отмывкой. Иногда его рисунки кажутся быстрыми набросками, где нервная линия почти нигде не остается непрерывной. В XVII веке рисунок обычно служил в качестве предварительного наброска для разработки большой композиции, этюда отдельных деталей будущей картины или наносился на картон, а затем переводился на поверхность, предназначенную для росписи. Очень редко рисунок мыслился как законченное произведение искусства; часто после выполнения проекта рисунки выбрасывали.

Рембрандт первым осознал богатые возможности офорта по сравнению с резцовой гравюрой на металле. Такая гравюра создается путем процарапывания рисунка на металлической пластине; затем пластина покрывается краской, заполняющей оставленные резцом углубления, и с нее печатают оттиски на бумаге при помощи пресса. Резец требует сильного нажатия и большой осторожности. Работа над офортом, напротив, не требует большой физической силы, а линии получаются более свободными и гибкими. Вместо того чтобы процарапывать металл резцом, художник покрывает пластину кислотоустойчивым лаком и рисует по нему иглой, затем погружает пластину в кислоту, и металл протравливается в свободных от лака местах. Офорт предоставляет художнику гораздо больше свободы, и он может рисовать иглой, как пером на бумаге. В офортах Рембрандта линии так же свободны и подвижны, как и в набросках пером. Для достижения новых выразительных эффектов он часто сочетал разные техники: иногда проходил резцом по уже протравленной кислотой доске, иногда гравировал «сухой иглой» – инструментом с алмазом на конце, который оставляет на металле бороздки с зазубринками, придающими мягкость и бархатистость штриху на отпечатке. Например, в «Листе в сто гульденов» художник использовал все эти техники (работа над этой доской продолжалась несколько лет).

Лист «Благовестие пастухам» (1634) – настоящее барочное театрализованное действо. Рисунок выполнен густо положенными перекрещивающимися штрихами, которые создают контрасты светлых и темных тонов. Пятью годами позже в «Успении Богоматери» господство густо заштрихованных темных зон сменилось преобладанием светлых участков и тонкой параллельной штриховки. В офорте «Три дерева» (1643) контраст густо заштрихованных фрагментов изображения и белой бумаги доведен до предела; наклонные параллельные линии на фоне неба прекрасно передают ощущение летней грозы. Самым драматичным из офортов художника является лист «Три креста» (1650).

Работы Рембрандта как живописные, так и графические постепенно приобретали известность не только в родном городе, но и за его пределами. Современники единогласно признавали талант художника. Он даже начал кое-что зарабатывать. Теперь, чувствуя себя готовым к самостоятельной жизни и к созданию значительных полотен, Рембрандт понял, что пора покинуть Лейден. Подготовительный период творчества был закончен. Художник обладал необходимыми навыками в области портретной живописи и некоторым опытом в создании исторических композиций. В этот период уже определилась чисто реалистическая направленность его творческих поисков – глубокий интерес к изображаемой жизни. Ему предсказывали блестящую будущность.

Но 23 апреля 1630 года после продолжительной болезни умер отец художника. Его мельницу и хозяйство наследовали братья Рембрандта. Некоторое время, чтобы не потерять клиентов, а с ними и семейный доход, Рембрандту вместе с Адрианом пришлось таскать мешки с мукой, снаряжать телеги и чистить жернова. Наконец, на семейном совете было решено, что поскольку старший сын Геррит не в состоянии взять на себя тяготы работы на мельнице, то второй брат Рембрандта, 33-летний Адриан Харменс ван Рейн, продаст свою сапожную мастерскую, чтобы стать мельником.

Ну, а Рембрандт не собирался жертвовать живописью, и в 1631 году, мечтая о славе и достатке, он отправился в Амстердам. Вместе с ним уехала младшая сестра Лисбет, уговорив Рембрандта разрешить ей вести его хозяйство. Она готова убирать в доме, следить за расходами, готовить еду для учеников.

Так в 1631 году начался новый этап в жизни Рембрандта. Он поселился в Амстердаме, который в этот период был крупнейшим экономическим, политическим и культурным центром Голландии, средоточием торговых путей и коммерческим центром всего мира, местом деятельности знаменитейших голландских ученых, художников и поэтов. Для Рембрандта открывались новые горизонты. В творчестве художника начался новый период. В течение следующего десятилетия были созданы произведения, проникнутые драматизмом и в то же время не лишенные материальной чувственности, отчасти родственные по духу работам фламандца Питера Пауля Рубенса (который еще был жив).

В первое время пребывания в столице Рембрандт работал, главным образом, над заказными портретами. Наибольшее количество выполнено им как раз в период с 1630 до начала 1640-х. Успех художника совпал с общим, небывалым расцветом портретной живописи в Голландии. Не случайно Франц Хальс, работавший в этом жанре более 50 лет, около половины произведений создал именно в это время.

Представители самых разных слоев общества, обладавшие хоть каким-то состоянием, спешили запечатлеть себя в портрете. Довольные собой, гордые процветанием своей страны и независимым положением, они хотели видеть себя изображенными без прикрас, но полными достоинства, в праздничных костюмах, с атрибутами своей профессии и общественного положения. В этот период строгих реалистических установок в голландском искусстве основным требованием заказчика было достижение внешнего сходства. Кроме того, в Голландии XVII века получил необычайное развитие групповой портрет как самостоятельная разновидность портретного жанра. Возникновение его относят еще к предшествующему столетию, к периоду осознания зарождающимся бюргерством общности своих классовых интересов. Заказчиками групповых портретов были представители различных городских корпораций (городские стрелки, члены гильдий и др.). Наличие развитых традиций позволило уже Франсу Хальсу создать в этой области замечательные произведения.

Молодой Рембрандт был решителен и амбициозен. Это проявилось даже в изменившейся манере подписывать картины. Вместо прежнего «RHL von Rijn» («Рембрандт Лейденский, сын Хармена ван Рейна») он стал писать просто «Rembrandt» – на манер итальянцев Тициана, Рафаэля, Микеланджело, которых весь мир знал только по имени.

А в 1632 году Рембрандт получил заказ, изменивший всю его дальнейшую жизнь, – групповой портрет для гильдии амстердамских хирургов «Анатомия доктора Тюльпа» (хранится в Гааге). Картину предполагалось вывесить в зале собраний, и работу художника обещали хорошо оплатить. Доктор Тюльп, знавший молодого художника еще со времен его учебы у Ластмана и уже тогда пророчивший ему блестящее будущее, теперь стал его близким другом. Существует предположение, что именно получение этого крупного заказа явилось непосредственной причиной переезда Рембрандта в столицу именно в это время.

«Урок анатомии доктора Тюльпа» был первым опытом художника в этом жанре. До Рембрандта голландские живописцы, даже в своих лучших образцах группового портрета, не шли дальше характеристики внешних признаков корпоративной общности людей. Рембрандт же, располагая на полотне группу слушателей, с напряженным вниманием следящих за объяснениями учителя, стремился выявить более глубокие внутренние связи товарищей по корпорации, показать общность духовных интересов его членов, проследить их личные отношения друг с другом. Мастерство композиции, уравновешивающей моменты движения и покоя, придает группе необходимую цельность. Изображение человека, занятого любимым делом (это, кстати, уже чисто голландская, очень распространенная в эти годы разновидность группового портрета), невольно требовало привлечения элементов бытовой картины – характеристики окружения, изображения предметов, связанных с профессией портретируемого, и т. п. Далеко не всем художникам при таких условиях удалось сохранить необходимое в рамках жанра преобладание портретного образа над бытовым. Рембрандт решил эту сложную задачу, построив ее на контрасте разнообразных реакций учеников и спокойствии центральной фигуры ученого-медика, рассказывающего о строении человеческого тела. Эта фигура списана с самого Николаса Питерса Тюльпа – ученого-врача, декана Амстердамской гильдии врачей с 1628 по 1653 год (начиная с 1654 года он четырежды избирался бургомистром Амстердама). Рядом с Тюльпом стоит Матиас Эвертс Колкун. Его сын Гисберт держит череп.

Принимаясь за картину, Рембрандт еще не знал, что именно она станет началом его головокружительной карьеры. На следующий же день после официальной церемонии показа Рембрандт понял, что значит быть знаменитым. Его буквально засыпали поздравительными письмами, приглашениями и заказами. О картине говорили, что по силе она не уступает лучшим творениям Франса Хальса, а по глубине и благородству даже превосходит их. Знатоки рассуждали о том, как мастерски сгруппированы фигуры, и о том, как изумительно использован свет. Дилетанты восторгались «живым сходством портретов». Успех картины немало способствовал популярности ее автора. Рембрандт стал модным художником. К нему со всех сторон стекались ученики и поступали многочисленные заказы. Первым в Амстердаме в мастерскую Рембрандта пришел Якоб Баккер, затем Говарт Флинк и Фердинанд Бол – один из самых известных учеников художника в конце 30-х годов. Учеником Рембрандта стал и немецкий живописец Юриан Овенс (он умер в 1642 году), а Ян Флит, голландский офортист, делал гравюры с произведений Рембрандта, в мастерской которого работал.

Пребывание в Амстердаме, культурном центре мирового значения, позволило Рембрандту пополнить художественное образование и воспитать вкус. Художник подробней познакомился с творчеством современников и особенно внимательно изучил искусство Италии. В то время наиболее близки ему были нидерландские последователи Караваджо. Работам этих мастеров свойственны, как и полотнам Рембрандта, поиски выразительности светотени. Страстный любитель произведений искусства, Рембрандт собрал в своем доме обширные коллекции живописи и графики, античной скульптуры, драгоценных тканей и художественного оружия. Изображение этих вещей мы часто встречаем в его картинах и офортах. В доме становится тесновато. Сестре приходится следить за порядком в заполненных редкостями и раритетами комнатах. Мы можем составить довольно полное представление о коллекции Рембрандта – до нас дошла полная инвентарная опись его имущества, сделанная в 1656 году в связи с банкротством. Среди прочих имен художников, картины и гравюры которых находились в рембрандтовском собрании, мы встречаем Рафаэля и Карраччи, Дюрера и Кранаха, Брейгеля Мужицкого и Луку Лейденского, Рубенса и Ван Дейка, Геркулеса Сегерса и Адриана Браувера. Здесь есть также работы учителя Рембрандта, Ластмана, и его учеников и сотоварищей по цеху – Ливенса, Бола, Йориса Ван Флита.

В 1630-е годы слава Рембрандта достигла пика, он был счастлив в личной жизни и богат. Художник вел активную светскую жизнь, принимал в своем доме самых знатных людей Амстердама, охотно наносил визиты и сам. Во время одного из них модному художнику представили дочь бургомистра города Лейвардена Ромбартуса ван Эйленбюрха Саскию. Не отличаясь классической красотой, милая, обаятельная и веселая, с пушистыми рыжеватыми волосами и искристым смехом Саския мгновенно завоевала сердце Рембрандта. Знаменитый художник, крепкий, ширококостный, похожий на медведя с вечно лохматой спутанной шевелюрой и слегка побитым рябью лицом, не сразу решился сделать ей предложение. А юная аристократка, дождавшись этого, без раздумий дала свое согласие.

Саския рано осталась сиротой, переехала из провинции в Амстердам, где жила у опекуна пастора Яна Корнелиуса Сильвиуса. Она была богатой наследницей – родители оставили ей очень солидное приданое в 40 тысяч флоринов. В июне 1633 года Рембрандт и Саския обручились, а еще через год сочетались законным браком. Перед свадьбой они составили брачный контракт, согласно которому Рембрандт после смерти супруги лишался дохода от ее поместья в случае повторного брака. Похоже, несмотря на общепризнанную некрасивость и «медвежесть» художника, Саския ревновала его даже к тем женщинам, которые могли появиться после ее смерти. Рембрандт же был влюблен до такой степени, что подписал контракт, не колеблясь. К тому же, он находился на пике славы, заказы текли к нему рекой, и его не волновали гипотетические доходы с поместья после смерти той, в чью смерть он не верил!

Женитьба на аристократке ввела Рембрандта в высшие круги амстердамского бюргерства, и теперь его уже никто не называл «сыном мельника». Правда, супруга совершенно не умела вести домашнее хозяйство, зато обожала дорогие наряды и драгоценности. Рембрандт выполнял все ее прихоти. Хозяйство пока вела его незамужняя сестра Лисбет, но она уже заговаривала об увеличившемся объеме работы и о том, что она хочет вернуться в Лейден. Похоже, ей просто не нравилась невестка.

Поскольку Саския ван Эйленбюрх была богатой наследницей, а Рембрандт довольно неплохо зарабатывал, поначалу молодые не испытывали материальных затруднений. У художника даже появилась страсть к коллекционированию ювелирных изделий. Однако он был никудышным финансистом. Мастер не задумывался над тем, откуда и в каком количестве к нему поступают деньги, и тем более, на что они тратятся… Ведь деньги есть, почему бы их не тратить. Рембрандта интересовали в первую и в последнюю очередь его живопись и его жена.

И поскольку Рембрандт горячо любил их обоих, он неустанно изображал Саскию в картинах, рисунках и офортах. Мы видим ее в обычном костюме чинной голландской бюргерши и в фантастических одеждах, преображающих ее в героиню античной или библейской мифологии. Такой она предстает в эрмитажной картине «Флора». Тема Флоры, богини цветов, дала художнику возможность создания красивого, необычайного зрелища. В приемах передачи складок и узоров экзотических тканей и лепестков растений еще ощущается связь с орнаментально-графической манерой Ластмана. Но какой материальной, весомой выглядит ткань у Рембрандта, какими живыми и сочными кажутся цветы! Контуры фигуры Саскии мягко сочетаются с затемненным фоном. Колорит картины, оставаясь в пределах холодной красочной гаммы, приведен к тонкой гармонии серовато-зеленых и зелено-золотистых тонов.

Опьяненный своим успехом и счастьем, молодой художник словно кричит о них во весь голос в «Автопортрете с Саскией на коленях» (1635, Дрезден). Эта картина, в которой Рембрандт изобразил себя в виде пирующего блудного сына, звучит как вызов молодого сына мельника благопристойным амстердамским буржуа.

Памятником любви к Саскии является и один из лучших шедевров Рембрандта – «Даная». В основу картины легла древнегреческая легенда, неоднократно привлекавшая внимание художников. Аргосский царь, отец Данаи, которому было предсказано, что он умрет от руки ее сына, заключил дочь в башню. Однако к Данае под видом золотого дождя проник полюбивший ее бог Зевс (Юпитер). Со смешанным чувством радости и робости приподымается Даная навстречу золотому сиянию, предшествующему появлению ее возлюбленного. Рембрандт не воспользовался возможностью изобразить идеально прекрасное тело, как часто делали его предшественники при изображении Данаи. Внешность женщины, взятой им в качестве модели, далека от совершенства. Но такой вдохновенной любовью сияет ее лицо, так обаятельно женственна ее поза, так поразительно естественно ее движение и приветственный жест руки, что искренность и человечность воплощенного в ней чувства делают Данаю Рембрандта возвышеннее и прекраснее идеализированно красивых героинь. Картина «Даная» долгие годы была загадкой. Эта работа датирована 1636 годом, между тем трактовка образа и живописная манера полотна предвосхищают черты рембрандтовского творчества последующего десятилетия 1640-х. Да и в чертах лица усматривается мало сходства с хорошо известным обликом Саскии. Лишь исследования относительно недавних лет, в которых немалую роль играла рентгеноскопия, позволили разрешить эту загадку. Дело в том, что «Даная» не предназначалась для продажи и оставалась во владении художника до распродажи его имущества в 1656 году. Поэтому он смог вновь обратиться к ней через десяток лет после ее написания и в значительной мере переделать, переписав всю центральную часть в соответствии со своим новым видением. Рембрандт изменил и черты лица героини, придав ее облику сходство с другой женщиной, служанкой, жившей в его доме после смерти Саскии. В наше время лицо Данаи представляет собой сочетание черт как минимум двух близких Рембрандту женщин. А на рентгеновском снимке сходство с Саскией гораздо очевиднее.

Большое место в творчестве Рембрандта 1630-х годов, конечно, как и раньше, занимают картины на библейские и евангельские сюжеты. Они не имеют того поучительного характера, который был присущ подобным картинам большинства голландских художников (того же Ластмана). Рембрандт наполнил библейские сказания новым содержанием.

Однако умение проникновенно изображать человеческие переживания пришло к художнику не сразу. В 1630-е годы его произведениям еще свойственны подчеркнутый драматизм, стремление к нарочитой эффектности. В гамме человеческих чувств Рембрандта больше привлекают яркие эффекты – боль, испуг, изумление, – чем глубокие внутренние переживания. Его художественный язык еще повышенно патетичен. Наиболее сильно эти черты выделяются в больших по формату, крупнофигурных композициях, например в картине «Ослепление Самсона». Это полотно Рембрандт подарил Константейну Хейгенсу в благодарность за то, что тот помог получить от штатгальтера Фредерика-Генриха заказ на картины на темы «Страстей Христовых». Художник выбирал наиболее драматический эпизод легенды. Ярким светом выделено сведенное судорогой боли тело Самсона, которому вонзают в глаз кинжал. В стремительном размахе сталкиваются движения убегающей предательницы Далилы и воина с пикой. Сложное композиционное построение, беспокойное чередование пятен света и тени усиливают экспрессию.

В эти же годы Рембрандт написал «Страсти Христовы». Одну из картин он повторил в большем по размеру и более удачном варианте («Снятие с креста», находящееся сейчас в Эрмитаже). Этот рассказ о большом человеческом горе захватывает своей простотой и правдивостью. Родные и близкие казненного ночью поспешно снимают его тело с креста, чтобы предать погребению. Безжизненное, обезображенное страданием тело изображено по-человечески немощным. Один из друзей Христа с видимым усилием поддерживает тело погибшего. Но не физическое напряжение привлекло художника, а, прежде всего, горе человека, потерявшего друга и наставника. Мать – простая женщина из народа, – сломленная отчаянием, лишается чувств при виде истерзанного тела сына.

Таким образом, еще в начале творческого пути, в первое же десятилетие, проведенное в Амстердаме, Рембрандт создал ряд произведений, вошедших в золотой фонд мирового искусства. Каждое новое произведение все четче обозначает позицию автора – стремление к внутренней правде, раскрытие душевной красоты персонажа. Для решения творческих задач Рембрандт, как, наверное, никто в истории искусства, использует возможности светотени, создавая с ее помощью определенную эмоциональную среду и психологическую характеристику образа. Именно у него живопись перестает играть декоративную или репрезентативную функцию и устремляет на реальность свой собственный взгляд.

В это время произошло два трагических события: в июле 1633 года после продолжительной болезни скончался старший брат художника Геррит, а вскоре его учитель Питер Ластман в 60-летнем возрасте покинул этот бренный мир.

Ученик Рембрандта Ян Флит, давно посещающий его мастерскую, попался художнику под горячую руку, и тот предложил ему покинуть мастерскую. Правда, это следовало сделать раньше – ученик уже давно разочаровал Рембрандта. Мастер посоветовал ему не тратить время, а стать печатником, благо, Ян давно занимался изготовлением гравюр с картин Рембрандта.

Была и неплохая весть – из Фрисландии, где родилась Саския, приехал в Амстердам ее двоюродный брат Хендрик ван Эйленбюрх – живописец и торговец произведениями искусства. Решив обосноваться в столице, он купил небольшую лавку неподалеку от Рейнов (он жил в Амстердаме до 1657 года). Теперь у супругов не только появилась приятная компания, но и свой агент по продаже картин.

А у Саскии, наконец, родился долгожданный мальчик. Сына назвали Ромбартусом в честь отца Саскии. Рембрандт был на седьмом небе от счастья и не отходил от кроватки, бесконечно рисуя ребенка. Но прошло несколько дней, и ребенок умер.

Какое-то время казалось, что Саския помешалась от горя, но постепенно здоровая психика взяла свое. Несостоявшиеся родители пришли в себя и вновь зажили полной жизнью. И через два с половиной года Рембрандт написал свою знаменитую «Данаю».

В это время супруги решили, что дом тесен для них и их коллекции, и сняли дорогую квартиру.

Рембрандт был на вершине славы. Он преподавал, много работал, активно тратил деньги – покупал кривые турецкие сабли и клинки, парчу для одежд моделей и драпировки, картины величайших мастеров. Новый общественный статус заставил его сменить жилище. Художник в рассрочку купил роскошный трехэтажный дом в самом престижном квартале Амстердама на улице Бреестраат неподалеку от Стрелковой гильдии. Рейны отдали за него половину состояния Саскии. На верхнем этаже Рембрандт устроил внушительных размеров мастерскую, где без устали творил все новые и новые шедевры. На первом этаже была столовая, настолько огромная, что в ней никто не обедал, зато она с успехом выступала в роли выставочного зала для коллекции.

Лучшим другом Рембрандта и Саскии стал Франс Баннинг Кок, капитан амстердамской роты стрелков, расположенной неподалеку. Двери роскошного особняка ван Рейнов всегда были широко открыты для друзей. И офицеры стрелковой гильдии периодически составляли компанию молодой семье.

Скоро Саския опять забеременела, но на этот раз девочка умерла сразу после рождения. В течение последующих двух лет ван Рейны потеряли еще двух младенцев. К тому же заболела Нетье ван Рейн – мать Рембрандта. Супруги вместе с Лисбет решили съездить в Лейден. Там Рембрандт написал проникновенный портрет матери в меховом капюшоне. Лисбет решила остаться с матерью в родном доме, а Рембрандт с Саскией возвратились в Амстердам.

А после возвращения были ошеломлены сообщением, что кузен Саскии Хендрик объявил себя несостоятельным должником. Им в равной степени было жаль и кузена, и той тысячи гульденов, которые он задолжал Рембрандту.

Теперь вместо Хендрика Эйленбюрха офорты у Рембрандта стал покупать интеллигентный пожилой Клемент де Йонге – владелец книжной лавки, коллекционер и торговец.

Произошло еще одно трагическое событие – любимая сестра Саскии Тиция в 34-летнем возрасте умерла от воспаления легких (легочное кровотечение). Саскии в это время был 31 год.

А в Амстердаме готовились к праздникам, которые так любят в Нидерландах, – «на въезд» Марии Медичи (правильнее было бы сказать – на ее побег из Парижа). Комитет устроителей празднеств почему-то ничего не заказал Рембрандту. Он был бы оскорблен до глубины души, если бы в это время ему не поступил другой заказ – еще две картины на сюжеты Страстей Господних.

В этом году в общественной и культурной жизни города возникло новое явление: «Мейденский кружок», который собирался в Синьоральном замке Хофта на реке Амстель. Его члены (фон Зандарт, Фондель, Тесселсхаде Фисхор) старательно летали в эмпиреях, сочиняя занудные, псевдоантичные стихи. В пику им Рембрандт написал две причудливые картины, тоже якобы в «античном» стиле: «Ганимед, которого уносит орел» (толстый мальчишка в когтях здоровой птицы орет от страха, пуская струю) и «Диана, испуганная Актеоном» (быкоподобный охотник чуть не лопается от восторга при виде двадцати одной толстой голой тетки, плескающихся на мелководье). Весь кружок в полном составе смертельно обиделся. А среди них были достаточно влиятельные лица…

В этот же период Рембрандт много работал в технике офорта («Продавец крысиного яда», 1632), создавал смелые и обобщенные по манере карандашные рисунки. К началу 1640-х годов жизнь и художественная деятельность Рембрандта вроде бы стала стабильной и размеренной. На «Автопортрете» 1640 года (Лондон, Национальная галерея), созданном под влиянием работ Рафаэля и Тициана, изображен уверенный в себе, рассудительный человек, одетый в соответствии с итальянской модой XVI в., облокотившийся о балюстраду; его плечи слегка повернуты, взгляд обращен на зрителя. А между тем период всеобщего признания в жизни Рембрандта уже заканчивался. В 1640-х годах назрел конфликт между творчеством Рембрандта и ограниченными эстетическими запросами современного ему общества.

Наглядно он проявился в 1642 году, когда картина «Ночной дозор» (Рейксмюсеум, Амстердам) вызвала протесты заказчиков, не принявших основную идею мастера – вместо традиционного группового портрета он создал героически-приподнятую композицию со сценой выступления гильдии стрелков по сигналу тревоги, т. е. по существу историческую картину, пробуждающую воспоминания об освободительной борьбе голландского народа, а не групповой портрет. Все ощутимее становился разлад между направлением его творчества и вкусами и запросами бюргерской среды. Добропорядочным голландским буржуа, с их твердо установившимися житейскими воззрениями и ограниченным кругозором было непонятно в искусстве Рембрандта все то, что выходило за рамки общепринятого. Их смущало его более углубленное, чем у современников, понимание задач подлинного реалистического искусства, необычность его художественных замыслов и своеобразие воплощения. Первым проявлением назревавшего конфликта была история большого заказа группового портрета амстердамских стрелков, известная как «Ночной дозор». Так она называется в настоящее время, поскольку краски со временем сильно потемнели, и группа стрелков, выходившая некогда из тени арки на яркий свет, теперь попадает в «лунную ночь». Настоящее же название работы – «Рота капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбурга». Она была написана по случаю посещения Амстердама французской королевой Марией Медичи и устроенного по этому поводу торжественного выхода войск городской милиции. За работу полагалась значительная сумма – 1600 флоринов. Рембрандт писал ее начиная с 1639 года и до 1642. Для этого огромного полотна пришлось снять сарай, наконец оно не помещалось ни в одной комнате. В разгаре работы над полотном у Рембрандта умерла мать. Здоровье Саскии его тоже беспокоило – она опять была в положении, и к тому же ее донимал постоянный кашель и слабость. В таком тревожном состоянии художник написал «Давида и Ионафана». Картина рассказывает о том, как юноша Давид, попавший в немилость к царю Соломону, прощается с его сыном, своим другом Ионафаном. Оба потрясены предстоящей разлукой. Пейзаж окутан тревожной предгрозовой дымкой, сочетание нежных золотисто-розовых тонов с сине-зеленым дает зловещий эффект. Кажется, что в этой картине, датированной годом смерти Саскии, Рембрандт прощается с женой. В образе Ионафана мы без труда узнаем черты лица самого художника, но постаревшего, подавленного и серьезного. А женственный Давид с разметавшимися по плечам белокурыми волосами напоминает Саскию. Мир безмятежного счастья дал трещину.

Тревожась о здоровье жены, Рембрандт заранее пригласил повитуху – сорокалетнюю Гертье Диркс.

К счастью, в сентябре у ван Рейнов родился здоровый младенец. Его назвали Титус – в честь умершей сестры Саскии. Пролежав почти целый месяц в постели, в октябре Саския все же встала на ноги. Но едва все стало налаживаться, как Рембрандта постигло страшное горе – 14 июня 1641 года умерла горячо любимая Саския. Скончалась она, по-видимому, от чахотки. На руках отца остался годовалый Титус.

Тяжело переживая смерть жены, Рембрандт пытался забыться в работе. В 1642 году, наконец, выставили «Роту капитана Франса Баннинга Кока». Картина имела колоссальный успех, однако заказчики остались крайне недовольны. Вместо простого группового портрета они получили шедевр, который прославлял, скорее, мастера, чем его персонажей. Не считаясь с традиционными приемами построения групповых портретов, Рембрандт создал богатую драматическим действием сюжетную картину, в которой изображен отряд стрелков городского ополчения, выступающий в поход. Желание показать порыв, действие осталось непонятым. Негодование заказчиков вызвало то, что Рембрандт не уделил должного, по их мнению, внимания изображению многих отдельных членов группы. У одних из них половина лица оказалась перекрыта шляпой соседа, у других его перечеркивало древко копья. В то же время художник для правдоподобности сцены ввел в картину фигуры посторонних людей, которые, разумеется, не платили за свое присутствие на ней (например девочка-маркитантка с петухом у пояса). Конечно, человека, не заинтересованного в произведении лично, картина приводила в восхищение, но люди, изображенные на ней, в меру своих сил позаботились о том, чтобы художник остался без новых заказов.

С «Ночного дозора» началось падение популярности Рембрандта: сократился приток заказчиков, стало меньше учеников. Гертье Диркс из повитухи превратилась в няньку.

В этом месте в биографии мастера есть темное пятно.

Согласно одним сведениям, Гертье Диркс через какое-то время после смерти жены Рембрандта стала пользоваться его вниманием уже не только как няня, и именно ее лицом Рембрандт заменил лицо Саскии на картине «Даная». Согласно другим – ничего такого между 42-летней Гертье и 37-летним Рембрандтом не было и быть не могло.

Достоверно же известно следующее:

В 1648 году Гертье Диркс, устроив шумный скандал, подала в суд на Рембрандта Харменса ван Рейна за невыполнение обещания жениться. (Сомнительно, чтобы он обещал ей это, памятуя о пункте брачного договора с Саскией.)

Во-вторых, после 1648 года она в доме Рембрандта больше не работала.

В-третьих, последние дни своей жизни она провела в сумасшедшем доме.

Попробуйте сделать вывод на основании этих фактов сами.

Кстати, заодно сравните, на кого больше всего похожа Даная? У нас складывается впечатление, что на Хендрикье Стоффельс.

Юная смуглая и крепкая дочь сержанта Стоффельса Хендрикье из Рансдорна – одна из доброй дюжины его отпрысков – появилась в трехэтажном доме Рембрандта еще до выдворения оттуда Гертье Диркс. Привычная ко всякой работе, уравновешенная, здравомыслящая, она сразу взяла на себя львиную долю забот по хозяйству. Со временем она стала приемной матерью Титуса и гражданской женой Рембрандта.

К этому моменту творчество Рембрандта утратило внешнюю эффектность и присущие ему ранее ноты мажорности. Он писал спокойные, наполненные теплотой и интимностью библейские и жанровые сцены, раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувство душевной, родственной близости («Давид и Ионафан», 1642, «Святое семейство», 1645).

С этих пор мастерство и виртуозность стали злым роком художника. Все чаще заказчики предпочитают обращаться не к мэтру, а к его ученикам – Флинку, Болу, Бейкеру. Они не так одарены, но куда лучше понимают клиента, а главное, всегда готовы идти у него на поводу. К тому же своенравие учителя порой доходит до абсурда. Чтобы добиться наилучшего результата, он может месяцами рисовать и перерисовывать всего один портрет, заставляя бедного заказчика ежедневно приходить в мастерскую, не позволяя ни пошевелиться, ни высморкаться. Однажды Рембрандт писал групповой портрет – семейная чета, дети и с ними – маленькая обезьянка. Во время одного из сеансов обезьянка сдохла, и потрясенный случившимся художник изобразил на картине ее трупик. Заказчики потребовали убрать эту не слишком приятную деталь, на что мастер ответил решительным отказом, дескать, именно она-то одна и делает картину интересной и колоритной.

ТРЕТИЙ РЕЙН Я ехал в поезде по Голландии с моим переводчиком Хансом Болландом. Мы говорили о Петербурге, о Михаиле Кузмине, об Алексее Пурине и Саше Леонтьеве.Вдруг Болланд глянул в окно и закричал «Рейн! Рейн!» Оказалось, мы его переезжали по надводному мосту. Он был широк,

Из книги Рембрандт автора Декарг Пьер

Из книги Красные фонари автора Гафт Валентин Иосифович

Глава III Рембрандт ван Амстердам Андромеда и ПрозерпинаАмстердам, 15 апреля 1631 годаРене Декарт писал своему другу Гезу де Бальзаку: «В этом огромном городе, где я сейчас нахожусь, нет никого, кроме меня, кто не занимался бы торговлей, здесь каждый настолько озабочен своей

Из книги Матисс автора Эсколье Раймон

Евгений Рейн Хоть в Черном море, хоть в бассейне, Когда плывет со мною Рейн, Я думаю, что речку Гейне Мы назовем «азохен

Из книги Олимпио, или Жизнь Виктора Гюго автора Моруа Андрэ

РЕМБРАНДТ Отнесем эту магию за счет особенностей черно-белого рисунка. Черное и белое… В конце прошлого века и в начале нынешнего оригинальная литография, которая после долгого забвения, казалось, возродилась из пепла с появлением таких мастеров, как Люнуа, таких

Из книги Мяч, оставшийся в небе. Автобиографическая проза. Стихи автора Матвеева Новелла Николаевна

3. Рейн Вы знаете мою страсть к длительным путешествиям с короткими переходами в обществе давних друзей детства Вергилия и Тацита. Виктор Гюго. Рейн В трех путешествиях (1838, 1839 и 1840 годов), кроме Вергилия и Тацита, поэту сопутствовала Жюльетта Друэ; он совершал с ней

Из книги Самые пикантные истории и фантазии знаменитостей. Часть 2 автора Амиллс Росер

Рембрандт Он умер в Голландии, холодом моря повитой. Обворованный бог, нищий гений. Он умер????????????и дивную тайну унёс нераскрытой. Он был королём светотени. Бессмертную кисть, точно жезл королевский, держал он Над царством мечты негасимой Той самой рукою, что старческой

Из книги Приключения другого мальчика. Аутизм и не только автора Заварзина-Мэмми Елизавета

Из книги Танковые сражения 1939-1945 гг. автора

Глава 7 Итоги. Велосипед, алгебра и Рембрандт Прежде чем перейти к следующей части, хочу еще раз упомянуть наши достижения и некоторые Петины проблемы, с которыми мы явились в IAHP. Придется вернуться на много лет назад, иначе трудно будет оценить сегодняшние результаты. И

Из книги Бронированный кулак вермахта автора Меллентин Фридрих Вильгельм фон

Битва за Рейн 8 февраля ударом 1-й канадской армии в направлении леса Рейхсвальд, у пересечения Рейна с голландской границей началось последнее наступление союзников на Западе. Этот удар был первым в серии запланированных Эйзенхауэром ударов многих английских и

Из книги Зарубежная живопись от Яна ван Эйка до Пабло Пикассо автора Соловьева Инна Соломоновна

Битва за Рейн 8 февраля ударом 1-й канадской армии в направлении леса Рейхсвальд у пересечения Рейна с голландской границей началось последнее наступление союзников на Западе. Этот удар был первым в серии запланированных Эйзенхауэром ударов многих английских и

Из книги автора

Глава 11 Рембрандт Харменс ван Рейн Рембрандт (Rembrandt) Харменс ван Рейн – один из величайших голландских живописцев, гравер; родился 15.06.1606 в Лейдене (Нидерланды), умер 4.10.1669 в Амстердаме. Учился в Лейденском университете (1620), с 1621 года занимался живописью у местного мастера