Симфоническая музыка удивительным образом не сдает свои позиции, хотя ее история насчитывает столетия. Казалось бы, время диктует новые гармонии и ритмы, изобретаются новые инструменты, сам процесс сочинительства приобретает новые формы - чтобы написать музыку, сейчас нужен компьютер с подходящей программой. Однако симфоническая музыка не только не хочет уходить в историю, но и приобретает новое звучание.

Немного об истории жанра, точнее, целого спектра жанров, так как понятие симфонической музыки многогранно, объединяет в себе несколько музыкальных форм. Общее понятие таково: это инструментальная музыка, написанная для симфонического оркестра. А такие оркестры могут создаваться от больших до камерных. Традиционно выделяются оркестровые группы - струнных инструментов, духовых, ударных, клавишных. В ряде случаев инструменты могут быть солирующими, а не только звучать в ансамбле.

Жанров симфонической музыки немало, но королевой можно назвать симфонию. Классическая симфония сформировалась на рубеже 18-19 веков, ее творцами были композиторы венской школы, прежде всего, Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Именно они довели до совершенства четырехчастную симфоническую модель, разнообразие тем в частях симфонии, программный характер каждого произведения. Симфоническая музыка поднялась на новую ступень благодаря творчеству Людвига Ван Бетховена. Он сделал этот жанр более насыщенным, драматичным, сместил смысловой центр в финал симфонии.

Примеру Бетховена следовали композиторы-романтики немецкой и австрийской школы - Франц Шуберт, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон, Иоганн Брамс. Основным они считали программность симфонического произведения, им становятся тесны рамки симфонии, появляются новые жанры, такие, как симфония-оратория, симфония-концерт. Эту тенденцию продолжили и другие классики европейской симфонической музыки - Ференц Лист, Густав Малер.

Симфоническая музыка в России серьезно заявила о себе только во второй половине 19 века. Хотя можно назвать удачными первые симфонические опыты Михаила Глинки, его симфонические увертюры и фантазии заложили серьезные основы русского симфонизма, который достиг истинного совершенства в произведениях композиторов "Могучей кучки" - М. Балакирева, Н. Римского-Корсакова, А. Бородина.

Исторически сложилось так, что русская симфоническая музыка, миновав классический этап развития, формировалась как романтическая с элементами национального колорита. Подлинные шедевры, получившие мировое признание, создал Петр Чайковский. Его симфонии до сих пор считаются эталоном жанра, а продолжателями традиций Чайковского стали С. Рахманинов и А. Скрябин.

Современная симфоническая музыка, как вся музыка 20 века, находится в активном творческом поиске. Можно ли считать современными русских композиторов С. Стравинского, С. Прокофьева, Д. Шостаковича, А. Шнитке и других корифеев? А музыка таких знаменитых композиторов 20 века, как финна англичанина Бенджамена Бриттена, поляка Кшиштофа Пендерецкого? Симфоническая музыка в современной обработке, как и в традиционном, классическом звучании, по-прежнему востребована на мировых сценических площадках. Появляются новые жанры - А значит, жизнь симфонической музыки продолжается.

Лекция

Симфонические жанры

История рождения симфонии как жанра

История симфонии как жанра насчитывает около двух с половиной столетий.

На исходе средневековья в Италии сделали попытку возродить античную драму. Это положило начало совершенно иному типу музыкально - театрального искусства - опере.
В ранней европейской опере хор не играл такой главной роли как певцы-солисты с группой инструменталистов, которые им аккомпанировали.С тем чтобы не мешать зрителям видеть артистов на подмостках сцены, оркестр располагался в специальном углублении между партером и сценой. Вначале "оркестром" стали называть именно это место, а затем уже - и самих исполнителей.

СИМФОНИЯ (греч.) - созвучие. В период с XVI-XVIII вв. данное понятие означало «благозвучное сочетание звуков », «стройное хоровое пение» и «многоголосное музыкальное произведение».

«Симфониями» называли оркестровые антракты между актами оперы . «Оркестрами » (древнегреч) назывались площадки перед театральной сценой, где первоначально располагался хор.

Лишь в 30 - 40-х. годах XVIII века сформировался самостоятельный оркестровый жанр, который и стал называться симфонией.

Новый жанр представлял собой произведение, состоящее из нескольких частей (цикл), причем первая часть, в которой содержится главный смысл произведения, непременно должна соответствовать «сонатной форме».

Место рождения симфонического оркестра - это город Мангейм. Здесь в капелле местного курфюрста сложился оркестр, искусство которого оказало огромное влияние на оркестровое творчество, на все последующее развитие симфонической музыки.
«Этот необыкновенный оркестр имеет достаточно пространства и граней - писал известный историк музыки Чарльз Берни. Здесь были использованы эффекты, которые может производить такая масса звуков: здесь именно родилось «крещендо» «диминуэндо», а «пиано», которое раньше употреблялось главным образом в качестве эха и обычно являлось его синонимом, и «форте» были признаны музыкальными красками, имеющимися свои оттенки, подобно красному или синему цвету в живописи...».

Одними из первых композиторов, творивших в жанре симфония, были:

итальянец - Джованни Саммартини, француз - Франсуа Госсек и чешский композитор – Ян Стамиц.

Но все-таки создателем жанра классической симфонии считают Иозефа Гайдна. Ему принадлежат первые гениальные образцы клавирной сонаты, струнного трио и квартета. Именно в творчестве Гайдна зародился и оформился жанр симфонии, принял окончательные, как мы теперь говорим, классические очертания.

И.Гайдн и В.Моцарт подытожили и создали в симфоническом творчестве все то лучшее, чем была богата до них оркестровая музыка. И вместе с тем, симфонии Гайдна и Моцарта открыли поистине неиссякаемые возможности нового жанра. Первые симфонии этих композиторов были рассчитаны на небольшой состав оркестра. Но в последствии И.Гайдн расширяет оркестр не только количественно, но и засчет использования выразительности звуковых сочетаний инструментов, отвечающих только тому или иному его замыслу.

В этом и заключается искусство инструментовки или оркестровки.

Оркестровка - это живой творческий акт, оформление музыкальных идей композитора. Инструментовка есть творчество - одна из сторон души самого сочинения.

В период творчества Бетховена окончательно сформировался классический состав оркестра, в котором вошли:

Струнные,

Парный состав деревянных инструментов,

2(иногда 3-4) валторны,

2 литавры. Такой состав называется малым .

Г.Берлиоз и Р.Вагнер стремились увеличить масштабность звучания оркестра, за счет увеличения состава в 3-4 раза.

Вершиной советской симфонической музыки стало творчество С.Прокофьева и Д.Шостаковича.

Симфония... Ее сравнивают с романом и повестью, киноэпопеей и драмой, живописной фреской. Смысл всех этих аналогий понятен. В этом жанре удается выразить то важное, порой самое главное ради чего существует искусство, ради чего живет на свете человек - стремление к счастью, к свету, справедливости и дружбе.

Симфония - музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в сонатно -циклической форме. Обычно состоит из 4 частей, выражающих сложные художественные раздумья о жизни человека, о людских страданьях и радостях, стремлениях и порывах. Встречаются симфонии с большим и меньшим количеством частей, вплоть до одночастной.

Для усиления звуковых эффектов иногда в симфонии вводятся хор и сольные вокальные голоса. Существуют симфонии для струнного, камерного, духовного и других составов оркестра, для оркестра с солирующим инструментом, органа, хора и вокального ансамбля... . Четыре части симфонии выражают типические контрасты жизненных состояний: картины драматической борьбы (первая часть), юмористические или танцевальные эпизоды (менуэт или скерцо), возвышенное созерцание (медленная часть) и торжественный или народно -плясовой финал.

Симфоническая музыка - музыка, предназначенная для исполнения симфоническим
оркестром; наиболее значительная и богатая область инструментальной музыки,
охватывающая и крупные многочастные произведения, насыщенные сложным идейно-
эмоциональным содержанием, и мелкими музыкальными пьесами Основная тема симфонической музыки – тема любви и тема вражды.

Симфонический оркестр,
соединяющий в себе разнообразные инструменты, предоставляет богатейшую палитру
звуковых красок, выразительных средств.

Огромной популярностью до сих пор пользуются симфонические произведения: Л.Бетховен Симфония № 3 («Героическая»), № 5, увертюра «Эгмонт»;

П Чайковский Симфония № 4, № 6 , увертюра «Ромео и Джульетта», концерты (фо-но,

С.Прокофьев Симфония №7

И.Стравинский фрагменты из балета «Петрушка»

Дж.Гершвин симфоджаз «Рапсодия в стиле блюз»

Музыка для оркестра развивалась в постоянном взаимодействии с другими видами музыкального искусства: музыкой камерной, органной, хоровой, оперной.

Характерные жанры 17-18 вв.: сюита, концерт - ансамблево-оркестровый, увертюра оперного образца. Разновидности сюиты 18 в.: дивертисмент, серенада, ноктюрн .

Мощный подъем симфонической музыки связан с выдвижением симфонии, развитием ее как циклической сонатной формы и совершенствованием классического типа симфонического оркестра. В симфонию и другие виды симфонической музыки нередко стали вводить хор и сольные вокальные голоса . Усилилось симфоническое начало в вокально-оркестровых сочинениях, опере и балете. К жанрам симфонической музыки относятся также симфониетта, симфонические вариации, фантазия, рапсодия, легенда, каприччо, скерцо, попурри, марш, различные танцы, различного рода миниатюры и т.п. В концертный симфонический репертуар входят также отдельные оркестровые фрагменты из опер, балетов, драм, пьес, кинофильмов.

Симфоническая музыка 19 в. воплотила огромный мир идей и эмоций. В ней нашли отражение темы широкого общественного звучания, глубочайшие переживания, картины природы, быт и фантастика, национальные характеры, образы пространственных искусств, поэзии, фольклора.

Существует различные типы оркестра:

Военный оркестр(состоящий из духовых - медных и деревянных инструментов)

Струнный оркестр:.

Симфонический оркестр- самый большой по составу и самый богатый по своим возможностям; предназначенный для концертного исполнения оркестровой музыки. Симфонический оркестр в современном его виде сложился не сразу, а в результате длительного исторического процесса.

Концертный симфонический оркестр, в отличие от оперного, располагается прямо на сцене и постоянно находится в поле зрения слушателей.

В силу исторических традиций концертный и оперный симфонические оркестры долгое время отличались своим составом, но в наши дни это различие почти стерлось.

Общее число музыкантов симфонического оркестра не постоянно: оно может колебаться в пределах 60-120 (и даже больше) человек. Такому большому составу участников для согласованной игры необходимо умелое руководство. Это роль принадлежит дирижеру.

До начала 19 века дирижер во время исполнения сам играл на каком-нибудь инструменте - например, на скрипке. Однако со временем содержание симфонической музыки усложнилось, и этот факт мало-помалу вынудил дирижеров отказаться от подобного совмещения.

В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли (1658–1709), создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов «быстро – медленно – быстро». Хотя подобные сочинения обычно назывались «концертами», они ничем не отличались от сочинений под названием «симфония»; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще – это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты (АА ВВ). Само слово «симфония» с 10 в. означало гармоничное созвучие; к концу 16 в. такие авторы, как Дж.Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери (1568–1634) и Саломоне Росси (ок. 1570 – ок. 1630), слово «симфония» стало означать совместное звучание инструментов без голосов. Итальянские композиторы 17 в. часто обозначали словом «симфония» (sinfonia) инструментальные вступления к опере, оратории или кантате, и термин по смыслу приблизился к понятиям «прелюдия» или «увертюра». Около 1680 в оперном творчестве А.Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах (или частях), построенной по принципу «быстро – медленно – быстро».

Классическая симфония.

Слушателям 18 в. нравились оркестровые пьесы в нескольких частях с разными темпами, которые исполнялись как в домашних собраниях, так и в публичных концертах. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях («быстро – медленно – быстро»). Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж.Б.Саммартини, создали модель классической симфонии – трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои (или флейты), валторны, трубы и литавры. Для слушателей 18 в. симфония определялась классическими нормами: гомофонная фактура, диатоническая гармония, мелодические контрасты, заданная последовательность динамических и тематических изменений. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм (здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты – менуэт и трио) и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен (а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень.

Симфонии Й.Гайдна и В.А.Моцарта – блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения (октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи) становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом.

Превосходный образец классической симфонии конца 18 в. – симфония № 41 Моцарта (К. 551, до мажор (1788), известная под названием Юпитер . Ее партитура включает флейту, два гобоя, два фагота, две валторны, две трубы, литавры и группу струнных (первые и вторые скрипки, альты, виолончели, контрабасы). Симфония состоит из четырех частей. Первая, Allegro vivace, написана в живом темпе, в тональности до мажор, размере 4/4, в сонатной форме (т.н. форме сонатного аллегро: темы в первый раз появляются в экспозиции, затем развиваются в разработке, за которой следует реприза, обычно заканчивающаяся заключением – кодой). Вторая часть симфонии Моцарта написана в умеренном (moderato) темпе, в субдоминантовой тональности фа мажор, опять-таки в сонатной форме и носит певучий характер (Andante cantabile).

Третья часть состоит из умеренно подвижного менуэта и трио в до мажоре. Хотя каждый из этих двух танцев написан в рондообразной бинарной форме (менуэт – ААВАВА; трио – CCDCDC), возвращение менуэта после трио придает общей структуре трехчастность. Финал – это снова сонатная форма, в очень быстром темпе (Molto allegro), в основной тональности до мажор. Построенные на лаконичных мотивах темы финала излучают энергию и силу; в коде финала баховские приемы контрапункта сочетаются с виртуозностью моцартовского классического стиля.

В творчестве Л.ван Бетховена части симфонии теснее связываются тематически, и цикл достигает большего единства. Принцип использования родственного тематического материала во всех четырех частях, проведенный в бетховенской Пятой симфонии, привел к возникновению т.н. циклической симфонии. Бетховен заменяет спокойный менуэт более оживленным, часто буйным, скерцо; он поднимает тематическое развитие на новый уровень, подвергая свои темы всевозможным изменениям, среди которых контрапунктическая разработка, вычленение фрагментов тем, перемена лада (мажор – минор), ритмические сдвиги. Весьма выразительно применение Бетховеном тромбонов в Пятой, Шестой и Девятой симфониях и включение голосов в финале Девятой. У Бетховена центр тяжести в цикле смещается с первой части на финал; в Третьей, Пятой, Девятой финалы несомненно являются кульминациями циклов. У Бетховена появляются симфонии «характерные» и программные – Третья (Героическая ) и Шестая (Пасторальная ).

Романтическая симфония.

С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем – все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности. Композиторы-романтики, начиная с Ф.Шуберта, экспериментировали с сонатной и другими формами, часто сужая или расширяя их; симфонии романтиков полны лиризма, субъективной экспрессии и отличаются богатством тембрового и гармонического колорита. Современник Бетховена Шуберт обладал особым даром создания лирических тем и необычайно выразительных гармонических последовательностей. Когда логика и упорядоченность классицизма уступили место субъективизму и непредсказуемости, характерным для искусства романтизма, форма многих симфоний стала пространнее и фактура тяжелее.

Среди немецких симфонистов-романтиков – Ф.Мендельсон, Р.Шуман и И.Брамс. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья (Шотландская ) и Четвертая (Итальянская ) симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья (Рейнская ) и Четвертая. В своих четырех симфониях Брамс благоговейно сочетает баховский по стилю контрапункт, бетховенский метод развития, шубертовский лиризм и шумановское настроение. П.И.Чайковский избежал типичной для западных романтиков склонности к подробным программам для симфоний, а также использования вокальных средств в этом жанре. В симфониях Чайковского, одаренного оркестратора и мелодиста, запечатлена склонность автора к танцевальным ритмам. Симфонии другого талантливого мелодиста – А.Дворжака отличаются достаточно консервативным, воспринятым от Шуберта и Брамса, подходом к симфонической форме. Глубоко национальны по содержанию и монументальны по форме симфонии А.П.Бородина.

Автором, в творчестве которого сформировался тип программной симфонии прошлого столетия, во многом отличающейся от абстрактной или, если можно так выразиться, абсолютной симфонии классической эпохи, стал Г.Берлиоз. В программной симфонии ведется повествование, или живописуется картина, или, обобщенно говоря, присутствует элемент «экстрамузыкального», лежащего за пределами самой музыки. Вдохновляясь бетховенской Девятой симфонией с ее финальным хором на слова шиллеровской Оды к Радости , Берлиоз пошел дальше в своей эпохальной Фантастической симфонии (1831), где каждая часть есть фрагмент как бы автобиографического повествования, причем через весь цикл проходят лейтмотивы-напоминания. Среди других программных симфоний композитора – Гарольд в Италии по Байрону и Ромео и Джульетта по Шекспиру, где наряду с инструментами широко используются и вокальные средства. Как и Берлиоз, Ф.Лист и Р.Вагнер были «авангардистами» своей эпохи. Хотя стремление Вагнера к синтезу слова и музыки, голосов и инструментов увело его от симфонии к опере, великолепное мастерство этого автора оказало влияние почти на всех европейских композиторов последующего поколения, включая австрийца А.Брукнера. Как и Вагнер, Лист был одним из вождей позднего музыкального романтизма, и его тяготение к программности породило такие произведения, как симфонии Фауст и Данте , а также 12 программных симфонических поэм. Листовские приемы образных трансформаций тем в процессе их развития сильно воздействовали на творчество С.Франка и Р.Штрауса, авторов более позднего периода.

В конце 19 в. творчество ряда талантливых симфонистов, среди которых каждый обладал ярким индивидуальным стилем, ознаменовало финальный этап классико-романтической традиции с ее преобладанием сонатной формы и определенных тональных отношений. Австриец Г.Малер насытил симфонию тематизмом, берущим истоки в его собственных песнях, в танцевальных мотивах; нередко он прямо цитировал фрагменты из народной, религиозной или военной музыки. В четырех симфониях Малера используются хор и солисты, и все десять его симфонических циклов отмечены необычайным разнообразием и изощренностью оркестрового письма. Финн Я.Сибелиус сочинял симфонии абстрактного характера, проникнутые глубоким чувством; для его стиля типично предпочтение низких регистров и басовых инструментов, однако в общем его оркестровая фактура остается ясной. Француз К.Сен-Санс написал три симфонии, из которых наиболее известна последняя (1886) – т.н. Органная симфония . Самой популярной французской симфонией этого периода можно, пожалуй, назвать единственную симфонию С.Франка (1886–1888).

Превосходным примером постромантической симфонии конца 19 в. является Вторая симфония до минор Малера, законченная в 1894 (ее иногда называют Воскресение в связи с содержанием хорала в последней части). Гигантский пятичастный цикл написан для большого оркестрового состава: 4 флейты (в том числе пикколо), 4 гобоя (в том числе 2 английских рожка), 5 кларнетов (из них один басовый), 4 фагота (из них 2 контрафагота), 10 валторн, 10 труб, 4 тромбона, туба, орган, 2 арфы, две солистки – контральто и сопрано, смешанный хор и огромная ударная группа, включающая 6 литавр, большой барабан, тарелки, гонги и колокола. Первая часть носит торжественный (Allegro maestoso) маршеобразный характер (размер 4/4 в тональности до минор); в отношении структуры это развернутая сонатная форма с двойной экспозицией. Вторая часть разворачивается в умеренном темпе (Andante moderato) и по характеру напоминает изящный австрийский танец лендлер. Эта часть написана в тональности субмедианты (ля-бемоль мажор) в размере 3/8 и в простой форме АВАВА. Третья часть отличается плавностью течения музыки, она написана в основной тональности и в размере 3/8. Это трехчастное скерцо является симфоническим развитием одновременно сочиненной Малером песни Проповедь св. Антония рыбам .

В четвертой части, «Предвечный свет» («Urlicht»), появляется человеческий голос. Эта оркестровая песнь, излучающая сияние и исполненная глубокого религиозного чувства, написана для альта соло и уменьшенного оркестрового состава; она имеет форму АВСВ, размер 4/4, тональность ре-бемоль мажор. Бурный, «дикий» финал в темпе скерцо содержит множество смен настроений, тональности, темпа, метра. Это очень крупная сонатная форма с монументальной кодой; в финал включены мотивы марша, хорала, песни, напоминающие о предшествующих частях. В конце финала вступают голоса (солирующие сопрано и контральто, а также хор – с гимном о воскресшем Христе на слова немецкого поэта 18 в. Ф.Клопштока. В оркестровом заключении появляются светлые, блестящие оркестровые краски и тональность ми-бемоль мажор, параллельная к основному до минору: свет веры рассеивает тьму.

Двадцатый век.

Резким контрастом к разросшимся позднеромантическим циклам Малера явились тщательно отделанные неоклассические симфонии таких французских авторов, как Д.Мийо и А.Онеггер. В неоклассическом (или необарочном) стиле писал русский автор И.Ф.Стравинский, который наполнил традиционные симфонические формы новым мелодическим и тонально-гармоническим материалом. Немец П.Хиндемит тоже сочетал формы, пришедшие из прошлого, с остро индивидуальным мелодическим и гармоническим языком (для него характерно предпочтение интервала кварты в тематизме и аккордике).

Крупнейшие русские симфонисты – С.В.Рахманинов, С.С.Прокофьев и Д.Д.Шостакович. Три симфонии Рахманинова продолжают национально-романтическую традицию, идущую от Чайковского. Симфонии Прокофьева тоже связаны с традицией, но заново переосмысленной; для этого автора характерны жесткие моторные ритмы, неожиданные тональные сдвиги, встречается тематизм, идущий от фольклора. Творческая жизнь Шостаковича протекала в советский период истории России. Самыми «передовыми» можно считать его Первую, Десятую, Тринадцатую и Пятнадцатую симфонии, в то время как Третья, Восьмая, Одиннадцатая и Двенадцатая в большей степени связаны с традиционным «русским стилем». В Англии выдающимися симфонистами были Э.Элгар (две симфонии) и Р.В.Уильямс (девять симфоний, написанных между 1910 и 1957, в том числе с включением вокального элемента). Среди других авторов, каждый из которых связан с традициями своей страны, можно назвать поляков Витольда Лютославского (р. 1913) и К.Пендерецкого, чеха Богуслава Мартину (1890–1959), бразильца Э.Вилла-Лобоса и мексиканца Карлоса Чавеса (1899–1976).

В начале 20 в. американец Ч.Айвз сочинил ряд авангардных симфоний, в которых использованы оркестровые кластеры, четвертитоновые интервалы, полиритмия, диссонантное гармоническое письмо, а также коллажная техника. В следующем поколении несколько композиторов (все они учились в 1920-х годах в Париже у Нади Буланже) создали американскую симфоническую школу: это А.Копленд, Рой Харрис (1898–1981) и У.Пистон. В их стиле благодаря элементам неоклассицизма ощутимо французское влияние, но все же их симфонии создают образ Америки с ее просторами, пафосом и природными красотами. Симфонии Роджера Сешнса отмечены сложностью и прихотливостью хроматических мелодических линий, напряженностью тематического развития, обилием контрапункта. Уоллингфорд Риггер в своих симфониях применял серийную технику А.Шёнберга; Генри Коуэлл использовал в симфониях такие экспериментальные идеи, как мелодии гимнов в фугированной разработке, экзотические инструменты, звуковые кластеры, диссонантный хроматизм.

Среди других американских симфонистов середины 20 в. можно выделить Х.Хансона, У.Шумана, Д.Даймонда и В.Персичетти. Во второй половине столетия интересные симфонии были созданы Э.Картером, Дж.Рочбергом, У.Г.Стиллом, Ф.Глассом, Э.Т.Цвилих и Дж.Корильяно. В Англии симфоническую традицию продолжил Майкл Типпет (1905–1998). В 1990-х годах наблюдалось необычное явление: современная симфония стала «хитом» у широкой публики. Речь идет о Третьей симфонии (Симфонии грустных песен ) поляка Генриха Гурецкого. На рубеже третьего тысячелетия композиторы разных стран создали симфонии, отразившие тяготение их авторов к таким различным явлениям, как минимализм, тотальный сериализм, алеаторика, электронная музыка, неоромантизм, джаз и внеевропейские музыкальные культуры.

Симфония - самая монументальная форма инструментальной музыки. Причем это утверждение справедливо для любой эпохи - и для творчества венских классиков, и для романтиков, и для композиторов более поздних направлений...

Александр Майкапар

Музыкальные жанры: Симфония

Слово симфония восходит к греческому "симфониа" и имеет несколько значений. Теологи называют так справочник по употреблению слов, встречающихся в Библии. Термин переводится ими как согласие и согласование. Музыканты переводят это слово как созвучие.

Тема этого очерка - симфония как музыкальный жанр. Оказывается, что и в музыкальном контексте термин симфония заключает в себе несколько разных смыслов. Так, Бах назвал симфониями свои замечательные пьесы для клавира,\ имея в виду, что они представляют собой гармоническое соединение, сочетание - созвучие - нескольких (в данном случае - трех) голосов. Но это употребление термина было исключением уже во времена Баха - в первой половине XVIII века. Более того, в творчестве самого Баха он обозначал музыку совершенно иного стиля.

И вот мы вплотную подошли к основной теме нашего очерка - к симфонии как большому многочастному оркестровому произведению. В таком смысле симфония появилась около 1730 года, когда оркестровое вступление к опере обособилось от самой оперы и превратилось в самостоятельное оркестровое произведение, взяв за основу трехчастную увертюру итальянского типа.

Родство симфонии с увертюрой проявляется не только в том, что каждый из трех разделов увертюры: быстро–медленно–быстро (а порой еще и медленное вступление к ней) превратился в симфонии в самостоятельную отдельную часть, но и в том, что увертюра подарила симфонии идею контраста основных тем (как правило, мужского и женского начала) и таким образом наделила симфонию необходимым для музыки больших форм драматическим (и драматургическим) напряжением, интригой.

Конструктивные принципы симфонии

Горы музыковедческих книг и статей посвящены анализу формы симфонии, ее эволюции. Художественный материал, представляемый жанром симфонии, огромен как по количеству, так и по разнообразию форм. Здесь мы может охарактеризовать наиболее общие принципы.

1. Симфония - самая монументальная форма инструментальной музыки. Причем это утверждение справедливо для любой эпохи - и для творчества венских классиков, и для романтиков, и для композиторов более поздних направлений. Восьмая симфония (1906) Густава Малера , например, грандиозная по художественному замыслу, написана для огромного - даже по представлениям начала XX века - состава исполнителей: большой симфонический оркестр расширен за счет 22 деревянных духовых и 17 медных инструментов, партитура включает также два смешанных хора и хор мальчиков; к этому добавлены восемь солистов (три сопрано, два альта, тенор, баритон и бас) и закулисный оркестр. Ее часто называют «Симфонией тысячи участников». Для того чтобы ее исполнить, приходится перестраивать сцену даже очень больших концертных залов.

2. Поскольку симфония многочастное произведение (трех-, чаще четырех-, а порой и пятичастное, например «Пасторальная» Бетховена или «Фантастическая» Берлиоза), ясно, что такая форма должна быть чрезвычайно разработанной, чтобы исключить монотонность и однообразие. (Большая редкость одночастная симфония, пример - Симфония № 21 Н. Мясковского.)

Симфония всегда заключает в себе много музыкальных образов, идей и тем. Они так или иначе распределяются между частями, которые, в свою очередь, с одной стороны - контрастируют друг с другом, с другой - образуют некую высшую цельность, без чего симфония не будет восприниматься как единое произведение.

Чтобы дать представление о составе частей симфонии, приведем сведения о нескольких шедеврах...

Моцарт. Симфония № 41 «Юпитер», до мажор
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto - Trio
IV. Molto Allegro

Бетховен. Симфония № 3, ми-бемоль мажор, соч. 55 («Героическая»)
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finale: Allegro molto, Poco Andante

Шуберт. Симфония № 8 си минор (так называемая «Неоконченная»)
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Берлиоз. Фантастическая симфония
I. Мечтания. Страсти: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Бал: Valse. Allegro non troppo
III. Сцена в полях: Adagio
IV. Шествие на казнь: Allegretto non troppo
V. Сон в ночь шабаша: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Бородин. Симфония № 2 «Богатырская»
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finale. Allegro

3. Наиболее сложной по конструкции бывает первая часть. В классической симфонии она обычно пишется в форме так называемого сонатного Allegro . Особенность этой формы в том, что в ней сталкиваются и развиваются по крайней мере две основные темы, о которых в самых общих чертах можно говорить как о выражающих мужское (эту тему принято называть главной партией , поскольку в первый раз она проходит в главной тональности произведения) и женское начало (это побочная партия - она звучит в одной из родственных главной тональности). Две эти основные темы каким-то образом связаны, и переход от главной к побочной называется связующей партией. Изложение всего этого музыкального материала обычно имеет определенным образом оформленное завершение, этот эпизод именуется заключительной партией .

Если мы слушаем классическую симфонию с вниманием, которое позволяет нам с первого знакомства с данным сочинением сразу же различить эти структурные элементы, то мы обнаружим по ходу первой части видоизменения этих основных тем. С развитием сонатной формы некоторые композиторы - и Бетховен первый из них - сумели в теме мужественного характера выявить женственные элементы и наоборот, и по ходу разработки этих тем «осветить» их по-разному. Это, быть может, ярчайшее - как художественное, так и логическое - воплощение принципа диалектики.

Вся первая часть симфонии строится как трехчастная форма, в которой сначала основные темы представляются слушателю, как бы экспонируются (потому этот раздел называется экспозиция), затем они претерпевают развитие и преобразование (второй раздел - разработка) и в конце концов возвращаются - либо в первоначальном виде, либо в каком-то новом качестве (реприза). Это самая общая схема, в которую каждый из великих композиторов внес что-то свое. Поэтому мы не встретим двух одинаковых конструкций не только у разных композиторов, но и у одного. (Конечно, если речь идет о великих творцах.)

4. После обычно бурной первой части симфонии непременно должно быть место для музыки лирической, спокойной, возвышенной, одним словом, льющейся в медленном движении. Поначалу такой была вторая часть симфонии, и это считалось довольно жестким правилом. В симфониях Гайдна и Моцарта медленная часть именно вторая. Если в симфонии всего три части (как в моцартовских 1770-х гг.), то медленная часть действительно оказывается средней. Если же симфония четырехчастная, то между медленной частью и быстрым финалом в ранних симфониях помещался менуэт. Позже, начиная с Бетховена, менуэт заменялся стремительным скерцо. Однако в какой-то момент композиторы решили отойти от этого правила, и тогда медленная часть стала третьей в симфонии, а скерцо стало второй частью, как мы видим (точнее, слышим) в «Богатырской» симфонии А. Бородина.

5. Финалы классических симфоний характеризуются оживленным движением с чертами танцевальности и песенности, нередко в народном духе. Порой финал симфонии превращается в истинный апофеоз, как в Девятой симфонии (соч. 125) Бетховена, где в симфонию был введен хор и солисты-певцы. Хотя это и было новшеством для жанра симфонии, но не для самого Бетховена: еще раньше он сочинил Фантазию для фортепиано, хора и оркестра (соч. 80). В симфонии звучит ода «К радости» Ф. Шиллера. Финал настолько главенствует в этой симфонии, что три предшествующие ему части воспринимаются как огромное вступление к нему. Исполнение этого финала с его призывом «Обнимитесь, миллионы!» на открытии Генеральной сессии ООН - лучшее выражение этических чаяний человечества!

Великие творцы симфоний

Йозеф Гайдн

Йозеф Гайдн прожил долгую жизнь (1732–1809). Полувековой период его творческой деятельности очерчен двумя важнейшими обстоятельствами: смертью И. С. Баха (1750), завершившей эпоху полифонии, и премьерой Третьей («Героической») симфонии Бетховена, ознаменовавшей начало эры романтизма. В течение этих пятидесяти лет старые музыкальные формы - месса, оратория и concerto grosso - были заменены новыми: симфонией, сонатой и струнным квартетом. Главным местом, где теперь звучали произведения, написанные в этих жанрах, стали не церкви и соборы, как раньше, а дворцы вельмож и аристократов, что, в свою очередь, привело к изменению музыкальных ценностей - в моду вошли поэтичность и субъективная выразительность.

Во всем этом Гайдн был пионером. Часто - хотя и недостаточно корректно - его именуют «отцом симфонии». Некоторые композиторы, например Ян Стамиц и другие представители так называемой Мангеймской школы (Мангейм в середине XVIII в. - цитадель раннего симфонизма), значительно раньше Гайдна уже стали сочинять трехчастные симфонии. Однако Гайдн поднял эту форму на гораздо более высокую ступень и показал пути в будущее. Его ранние произведения несут на себе печать влияния К. Ф. Э. Баха, а поздние предвосхищают совершенно другой стиль - Бетховена.

При этом примечательно, что композиции, которые приобрели важное музыкальное значение, он стал создавать, когда перешел свой сорокалетний рубеж. Плодовитость, разнообразие, непредсказуемость, юмор, изобретательность - вот что делает Гайдна выше на голову (или даже, как заметил один острослов, по плечи) над уровнем его современников.

Многие симфонии Гайдна получили названия. Приведу несколько примеров.

А. Абакумов. Играют Гайдна (1997)

Знаменитая симфония № 45 получила название «Прощальная» (или «Симфония при свечах»): на последних страницах финала симфонии музыканты один за другим прекращают играть и уходят со сцены, остаются лишь две скрипки, завершающие симфонию вопросительным аккордом ля - фа-диез . Сам Гайдн поведал полуюмористическую версию возникновения симфонии: князь Николай Эстерхази однажды очень долго не отпускал оркестрантов из Эстерхаза в Эйзенштадт, где жили их семьи. Желая помочь своим подчиненным, Гайдн сочинил заключение «Прощальной» симфонии в виде тонкого намека князю - выраженной музыкальными образами просьбы об отпуске. Намек был понят, и князь отдал соответствующие распоряжения.

В эпоху романтизма юмористический характер симфонии был забыт, и ее стали наделять трагическим смыслом. Шуман писал в 1838 г. по поводу музыкантов, тушащих свои свечи и уходящих с эстрады во время финала симфонии: «И никто не смеялся при этом, так как было не до смеха».

Симфония № 94 «С ударом литавр, или Сюрприз» получила свое название благодаря юмористическому эффекту в медленной части - ее умиротворенное настроение нарушается резким ударом литавры. № 96 «Чудо» стала так называться в силу случайных обстоятельств. На концерте, в котором Гайдн должен был дирижировать этой симфонией, публика с его появлением ринулась из середины зала на свободные первые ряды, а середина опустела. В этот момент как раз в центре зала рухнула люстра, слегка пострадали лишь двое слушателей. В зале раздались восклицания: «Чудо! Чудо!» Сам Гайдн был под глубоким впечатлением своего невольного спасения многих людей.

Название симфонии № 100 «Военная», наоборот, совсем не случайно - ее крайние части с их военными сигналами и ритмами отчетливо рисуют музыкальную картину лагеря; даже Менуэт здесь (третья часть) довольно лихого «армейского» склада; включение турецких ударных инструментов в партитуру симфонии привело в восторг лондонских любителей музыки (ср. с «Турецким маршем» Моцарта).

№ 104 «Саломон»: не дань ли это уважения к импресарио - Джону Питеру Саломону, столь много сделавшему для Гайдна? Правда, и сам Саломон благодаря Гайдну прославился настолько, что был похоронен в Вестминстерском аббатстве «за то, что привез в Лондон Гайдна», как указано на его надгробной плите. Поэтому симфония должна называться именнно «Са ломон», а никак не «Соломон», как это порой встречается в концертных программах, что неверно ориентирует слушателей на библейского царя.

Вольфганг Амадей Моцарт

Моцарт свои первые симфонии написал, когда ему было восемь лет, а последние - в тридцать два года. Общее их число более пятидесяти, но несколько юношеских не сохранились или еще не обнаружены.

Если воспользоваться советом Альфреда Эйнштейна, крупнейшего знатока Моцарта, и сравнить это количество всего с девятью симфониями у Бетховена или четырьмя у Брамса, то сразу станет ясно, что понятие жанра симфонии у этих композиторов различно. Но если выделить у Моцарта те его симфонии, которые действительно, как у Бетховена, адресованы некоей идеальной аудитории, иными словами, всему человечеству (humanitas ), то окажется, что Моцарт написал тоже не более десяти таких симфоний (тот же Эйнштейн говорит о «четырех-пяти»!). «Пражская» и триада симфоний 1788 года (№ 39, 40, 41) - это изумительный вклад в сокровищницу мирового симфонизма.

Из этих трех последних симфоний средняя, № 40, наиболее известна. По популярности с ней могут соперничать разве что «Маленькая ночная серенада» и Увертюра к опере «Свадьба Фигаро». Хотя причины популярности всегда трудно определить, одной из них в данном случае может быть выбор тональности. Эта симфония написана в соль миноре - редкость для Моцарта, предпочтитавшего бодрые и радостные мажорные тональности. Из сорока одной симфонии только две написаны в минорной тональности (это отнюдь не значит, что Моцарт не писал минорной музыки в мажорных симфониях).

Аналогичная статистика у его фортепианных концертов: из двадцати семи только в двух основная тональность минорная. Если учесть, в какие мрачные дни создавалась эта симфония, то может показаться, что выбор тональности был предопределен. Однако есть в этом творении нечто большее, чем просто будничные печали какого-то одного человека. Надо помнить, что в ту эпоху немецкие и австрийские композиторы все более оказывались во власти идей и образов эстетического течения в литературе, получившего название «Буря и натиск».

Имя новому движению дала драма Ф. М. Клингера «Буря и натиск» (1776). Появилось большое количество драм с невероятно пылкими и часто непоследовательными героями. Композиторов также увлекла идея выразить звуками драматический накал страстей, героическую борьбу, часто тоску по неосуществимым идеалам. Не удивительно, что в этой атмосфере Моцарт тоже обращался к минорным тональностям.

В отличие от Гайдна, который всегда был уверен в том, что его симфонии будут исполнены - либо перед князем Эстерхази, либо, как «Лондонские», перед лондонской публикой, – у Моцарта такой гарантии никогда не было, и, несмотря на это, он был поразительно плодовит. Если его ранние симфонии часто развлекательная или, как мы теперь сказали бы, «легкая» музыка, то поздние симфонии - это «гвоздь программы» любого симфонического концерта.

Людвиг ван Бетховен

Бетховен создал девять симфоний. Книго них написано, вероятно, больше, чем нот в этом наследии. Величайшие из его симфоний - Третья (ми-бемоль мажор, «Героическая»), Пятая (до минор), Шестая (фа мажор, «Пасторальная»), Девятая (ре минор).

…Вена, 7 мая 1824 года. Премьера Девятой симфонии. О том, что тогда произошло, свидетельствуют сохранившиеся документы. Примечательным было уже само извещение о предстоящей премьере: «Большая музыкальная академия, которую устраивает господин Людвиг ван Бетховен, состоится завтра, 7 мая. <...> В качестве солистов выступят м-ль Зонтаг и м-ль Унгер, а также господа Хайцингер и Зайпельт. Концертмейстер оркестра - господин Шуппанциг, дирижер - господин Умлауф. <...> Господин Людвиг ван Бетховен будет лично принимать участие в руководстве концертом».

Это руководство в конечном счете вылилось в то, что Бетховен сам дирижировал симфонией. Но как это могло случиться? Ведь к тому времени Бетховен был уже глух. Обратимся к свидетельствам очевидцев.

«Бетховен дирижировал сам, вернее, он стоял перед дирижерским пультом и жестикулировал как сумасшедший, - писал Йозеф Бем, скрипач оркестра, принимавший участие в том историческом концерте. - То он тянулся вверх, то почти приседал на корточки, размахивая руками и топая ногами, словно сам хотел играть одновременно на всех инструментах и петь за весь хор. На самом деле всем руководил Умлауф, и мы, музыканты, следили только за его палочкой. Бетховен был так взволнован, что совершенно не замечал происходящего вокруг и не обращал внимания на бурные аплодисменты, едва ли доходившие до его сознания вследствие слабости слуха. В конце каждого номера приходилось подсказывать ему, когда именно следует повернуться и поблагодарить публику за аплодисменты, что он делал весьма неловко».

По окончании симфонии, когда уже гремели овации, Каролина Унгер подошла к Бетховену, мягко остановила его руку - он все еще продолжал дирижировать, не осознавая, что исполнение закончилось! - и повернула лицом к залу. Тогда всем стало очевидно, что Бетховен совершенно глух...

Успех был грандиозный. Чтобы положить конец овациям, понадобилось вмешательство полиции.

Петр Ильич Чайковский

В жанре симфонии П.И. Чайковский создал шесть произведений. Последняя симфония - Шестая, си минор, соч. 74 - названа им «Патетическая».

В феврале 1893 г. у Чайковского созрел план новой симфонии, ставшей Шестой. В одном из писем он сообщает: «Во время путешествия у меня появилась мысль другой симфонии… с такой программой, которая останется для всех загадкой… Программа эта самая что ни на есть проникнутая субъективностью, и нередко во время странствия, мысленно сочиняя ее, я очень плакал».

Шестая симфония была записана композитором очень быстро. Буквально за неделю (4–11 февраля) он записал всю первую часть и половину второй. Потом работа на некоторое время прервалась поездкой из Клина, где композитор тогда жил, в Москву. Вернувшись в Клин он с 17 до 24 февраля работал над третьей частью. Потом был еще один перерыв, и во второй половине марта композитор завершил финал и вторую часть. Оркестровку пришлось несколько отложить, поскольку у Чайковского было запланировано еще несколько поездок. 12 августа оркестровка была закончена.

Первое исполнение Шестой симфонии состоялось в Петербурге 16 октября 1893 г. под управлением автора. Чайковский писал после премьеры: «С этой симфонией происходит что-то странное! Она не то чтобы не понравилась, но произвела некоторое недоумение. Что касается меня, то я горжусь ей более, чем каким-либо другим моим сочинением». Дальнейшие события сложились трагически: через девять дней после премьеры симфонии П. Чайковский скоропостижно умер.

В. Баскин, автор первой биографии Чайковского, присутствовавший и на премьере симфонии, и на первом ее исполнении после смерти композитора, когда дирижировал Э. Направник (это исполнение стало триумфальным) писал: «Мы помним то грустное настроение, которое царило в зале Дворянского собрания 6 ноября, когда вторично исполнена была «Патетическая» симфония, не вполне оцененная при первом исполнении под управлением самого Чайковского. В этой симфонии, ставшей, к прискорбию, лебединой песнью нашего композитора, он явился новым не только по содержанию, но и по форме; вместо обычного Allegro или Presto она начинается Adagio lamentoso , оставляющим слушателя в самом грустном настроении. В этом Adagio композитор как бы прощается с жизнью; постепенное morendo (итал. - замирание) всего оркестра нам напомнило знаменитый конец «Гамлета»: «The rest is silent » (Дальнейшее - тишина)».

Мы смогли лишь кратко сказать всего о нескольких шедеврах симфонической музыки, к тому же оставив в стороне собственно музыкальную ткань, поскольку для такого разговора необходимо реальное звучание музыки. Но даже из этого рассказа становится ясно, что симфония как жанр и симфонии как творения человеческого духа - бесценный источник высочайшего наслаждения. Мир симфонической музыки огромен и неисчерпаем.

По материалам журнала «Искусство» №08/2009

На постере: Большой зал Санкт-Петербургской академической филармонии имени Д. Д. Шостаковича. Тори Хуанг (фортепиано, США) и Академический симфонический оркестр филармонии (2013 год)

Лонгрид «Симфоническая музыка» на сервисе Tilda

http:// project 134743. tilda . ws / page 621898.html

Симфоническая музыка

Музыкальные произведения, предназначенные для исполнения симфоническим оркестром.

Группы инструментов симфонического оркестра:

Духовые медные: Труба, Туба, Тромбон, Волторна.

Духовые деревянные: Гобой, Кларнет, Флейта, Фагот.

Струнные: Скрипка, Альт, Виолончель, Контробасс

Ударные: Большой барабан, малый барабан,Тамтам, Литавра, Челеста, Бубен, Тарелки, Кастаньеты, Маракасы, Гонг, Треугольник, Колокольчики, Ксилофон

Другие инструменты симфонического оркестра: Орган, Челеста, Клавесин, Арфа, Гитара, Фортепьяно(Рояль, Пианано).

Тембровые характеристики инструментов

Скрипка: Нежный, светлый, яркий, певучий, ясный, тёплый

Альт: Матовый, мягкий

Виолончель: Насыщенный, густой

Контробас: Глуховатый, суровый, мрачный, густой

Флейта: Свистящий, холодный

Гобой: Носовой, гнусавый

Кларнет: Матовый, носовой

Фагот: Сдавленный, густой

Труба: Блестящий, яркий, светлый, металлический

Валторна: Округлый, мягкий

Тромбон: Металлический, резкий, мощный.

Туба: Суровый, густой, тяжёлый

Главные жанры симфонической музыки:

Симфония, сюита, увертюра, симфоническая поэма

Симфония

- (от греч. symphonia - «созвучие», «согласие» )
ведущий жанр оркестровой музыки, сложное богато развитое многочастное произведение.

Особенности симфонии

Это крупный музыкальный жанр.
—Время звучания: от 30 минут до часа.

Основное действующее лицо и исполнитель - симфонический оркестр

Строение симфонии (классическая форма)

Состоит из 4 частей, которые воплощают разные стороны жизни человека

1 часть

Быстрая и наиболее драматичная, иногда предваряется медленным вступлением. Написана в сонатная форме, в быстром темпе(аллегро).

2 часть

Мирная, задумчивая, посвящена мирным картинам природы, лирическим переживаниям; скорбная или трагическая по настроению.
Звучит в медленном движении, пишется в форме рондо, реже в форме сонаты или вариационной форме.

3 часть

Здесь игра, веселье, картинки народной жизни. Это скерцо или менуэт в трехчастной форме.

4 часть

Быстрый финал. Как итог всех частей отличается победным, торжественным, праздничным характером. Пишется в сонатной форме или в форме рондо, рондо-сонаты.

Но бывают симфонии и с меньшим (или большим) количеством частей. Существуют и одночастные симфонии.

Симфония в творчестве зарубежных композиторов

• • Франц Йозеф Гайдн (1732 - 1809)

108 симфоний

Симфония №103 «С тремоло литавр»

Свое название «с тремоло литавр » симфония получила благодаря первому такту, в котором литавра играет тремоло (итал. tremolo -дрожжащий), напоминающее отдалённые раскаты грома,
на тоническом звуке ми-бемоль. Так начинается медленное унисонное вступление (Adagio) к первой части, носящее углубленно-сосредоточенный характер.

• • Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791)

56 симфоний

Симфония №40

Одна из наиболее известных последних симфоний Моцарта. Большую популярность симфония приобрела благодаря необычайно искренней музыке, понятной самому широкому кругу слушателей.
Первая часть симфонии не имеет вступления, а начинается сразу изложением темы главной партии allegro . Эта тема носит взволнованный характер; вместе с тем она отличается певучестью и задушевностью.

• • Людвиг ван Бетховен (1770—1827)

9 симфоний

Симфония №5

Симфония поражает лаконизмом изложения, сжатостью форм, устремленностью развития, кажется рожденной в едином творческом порыве.
«Так стучится к нам в дверь судьба» - сказал Бетховен
о начальных тактах этого произведения. Яркая выразительная музыка основного мотива симфонии дают возможность трактовать ее как картину борьбы человека с ударами судьбы. Четыре части симфонии представляются как этапы этой борьбы.

• • Франц Шуберт (1797—1828)

9 симфоний

Симфония №8 "Неоконченная"

Одна из поэтичнейших страниц в сокровищнице мирового симфонизма, новое смелое слово в этом сложнейшем из музыкальных жанров, открывшее дорогу романтизму. Это первая лирико-психологическая драма в симфоническом жанре.
Имеет не 4 части, как симфонии композиторов классиков, а всего две. Однако две части этой симфонии оставляют впечатление удивительной цельности, исчерпанности.

Симфония в творчестве русских композиторов

• • Сергей Сергеевич Прокофьев (1891— 1953)

7 симфоний

Симфония №1 "Классическая"

Названа «классическая», т.к. в ней сохранена строгость и логика классической формы 18 века, и в то же время ее отличает современный музыкальный язык.
Музыка полна острых и «колючих» тем, стремительных пассажей Использование особенностей танцевальных жанров (полонез, менуэт, гавот, галоп). Не случайно на музыку симфонии создавались хореографические композиции.

• • Дмитрий Дмитриевич Шостакович (1906—1975)

15 симфоний

Симфония №7 "Ленинградская"

В 1941 г. симфонией №7 композитор откликнулся на страшные события Второй мировой Войны, посвященной блокаде Ленинграда (Ленинградская симфония)
«Седьмая симфония - это поэма о нашей борьбе, о нашей грядущей победе» - писал Шостакович. Симфония получила всемирное признание как символ борьбы с фашизмом.
Сухая отрывистая мелодия главной темы, несмолкающая барабанная дробь создают ощущение настороженности, тревожного ожидания.

• • Василий Сергеевич Калинников (1866-1900)

2 симфонии

Симфония №1

Первую симфонию Калинников начал писать в марте 1894 года и закон-чил ровно через год, в марте 1895-го
В симфонии наиболее ярко воплотились особенности дарования композитора— душевная открытость, непосредственность, насыщенность лирических чувств. В своей симфонии композитор воспевает красоту и величие природы, русского быта, олицетворяющих образ России, русской души, через русскую музыку.

• • Петр Ильич Чайковский (1840—1893)

7 симфоний

Симфония №5

Вступление симфонии — траурный марш. "Полнейшее преклонение перед судьбой... перед неисповедимым предначертанием",- пишет Чайковский в своих черновиках.
Так сложным путем преодоления и внутренней борьбы композитор приходит к победе над самим собой, над своими сомнениями, душевным разладом и смятенностью чувств.
Носительницей основной идеи является сжатая, ритмически упругая тема с неизменным тяготением к исходному звуку, которая проходит через все части цикла.

"Цель музыки - трогать сердца"
(Иоганн Себастьян Бах).

"Музыка должна высекать огонь из людских сердец"
(Людвиг ван Бетховен).

"Музыка даже в самых ужасных драматических положениях должна всегда пленять слух, всегда оставаться музыкой"
(Вольфганг Амадей Моцарт).

"Музыкальный материал, то есть мелодия, гармония и ритм, безусловно, неисчерпаем.
Музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит свое, на общую пользу"
(Петр Ильич Чайковский).

Любите и изучайте великое искусство музыки. Оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче. Благодаря музыке вы найдете в себе новые неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках"
(Дмитрий Дмитриевич Шостакович).