Период развития культуры и искусства Западной Европы со времени падения Западной Римской империи (V в.) до начала эпохи Возрождения (XV в.) впервые был назван «средним веком» итальянскими писателями-гуманистами. Они считали это время диким и варварским в противоположность античности и культуре их времени. Позднее ученые пересмотрели эту негативную оценку. Подробное изучение художественных памятников, документов, произведений литературы позволило сделать вывод, что средневековое искусство было важным и значительным этапом в развитии мировой культуры.

В истории западноевропейского искусства средних веков принято различать три периода - искусство раннего средневековья (V- IX вв.), романское искусство и готику. Последние два названия имеют условный характер. Романскими (от латинского слова «Рома» - «Рим») археологи XIX в. назвали постройки X-XII вв., в которых они нашли черты сходства с римской архитектурой, впоследствии так стали называть искусство эпохи в целом. Готическим первоначально именовали все средневековое искусство. Итальянские гуманисты считали его порождением готов, в начале V в. разграбивших Рим. Когда появился термин «романское искусство», под готикой стали понимать произведения архитектуры, скульптуры и живописи середины XII-XV вв., которые отличались от предшествующих ярко выраженным своеобразием.

Одо из Меца. Интерьер дворцовой капеллы в Ахене. Ок. 798-805.

Эпоха раннего средневековья - время формирования новой культуры, которая создавалась на территории Европы пришлыми племенами. Римляне называли их варварами. Разгромив некогда могучий Рим, варварские народы образовали на территории завоеванной империи свои королевства. Новые властители Европы не умели столь искусно, как римляне, строить каменные здания, крайне редко и весьма условно изображали в искусстве человека. Гораздо ближе был им мир фантастических животных и сложный узор орнаментов, которыми они украшали изделия из металла, дерева, кости, детали одежды, оружие, обрядовую утварь.

Первоначально завоеватели привлекали строителей и художников, живших на завоеванных ими землях, однако навыки высокого строительного мастерства постепенно утрачивались, орнамент грозил навсегда вытеснить античные традиции изображения человека.

По мере того как в Европе складывались феодальные отношения, усиливалась центральная власть, мысль о могуществе и величии Древнего Рима влекла к себе правителей новых государств, мечтавших о славе римских цезарей. Франкский король Карл Великий, создатель огромной державы, стремясь окружить свою власть величием и блеском, короновался в Риме и старался возродить при своем дворе традиции римской культуры. В резиденции Карла в Ахене был построен дворец и рядом с ним - дворцовая церковь - капелла. Она хорошо сохранилась. Образцом для нее послужила церковь Сан-Витале в Равенне, откуда были привезены установленные в капелле мраморные колонны. Но в целом создание франкского зодчего тяжелее и массивнее византийского храма.

Культовые постройки преобладали среди каменной архитектуры эпохи Каролингов (так называют династию франкских королей, виднейшим представителем которой был Карл Великий). Это было связано с той особой ролью.

какую играла в жизни средневекового общества церковь. Крупнейший феодальный собственник, она оправдывала своим учением существующий строй и, как главный заказчик художественных произведений, властно направляла в своих интересах развитие искусства. Под ее влиянием стали складываться строгие правила изображения священных сюжетов, обязательные для каждого художника.

Церковь в Паре-ле-Мониаль. Ок. 1100. Франция.

Каролингские церкви и дворцы украшались росписями и мозаиками, встречались в храмах и скульптурные изображения. Однако многие памятники погибли, и судить о творчестве каролингских художников мы можем лишь по дошедшим до нас резным пластинкам слоновой кости, ювелирным изделиям, драгоценным окладам рукописных книг и главным образом по иллюстрациям в этих книгах - миниатюрам. Книги в раннем средневековье были редкостью. Они создавались по заказам императоров, крупных феодалов, епископов и настоятелей монастырей в специальных мастерских - скрипториях. В каролингскую эпоху скриптории существовали при королевском дворе и при крупных церковных центрах. В отличие от своих предшественников, художники VIII-IX вв. внимательно изучали произведения римских и византийских мастеров и многому научились у них. Главным элементом оформления в книгах стали сюжетные миниатюры с изображением действующих лиц% пейзажей, архитектурного фона (см. Миниатюра).

В романскую эпоху ведущую роль в художественном творчестве играла архитектура. К XI в. обширное каменное строительство развернулось по всей Европе. При сооружении каменных зданий средневековые зодчие столкнулись с рядом технических трудностей, в частности при возведении перекрытий: деревянные балки и потолки часто горели, каменные же конструкции - арки, купола, своды - имели полукруглые очертания и, подобно натянутому луку, как бы стремились раздвинуть стены постройки в стороны. Стремясь избежать этого, романские зодчие делали очень толстые стены и массивные столбы и опоры.

В раздробленной, враждующей Европе X-XII вв. главными видами архитектурных сооружений были рыцарский замок, монастырский ансамбль и храм. В эпоху междоусобиц и войн каменные здания служили защитой от нападений. Поэтому романские постройки очень похожи на крепость: у них массивные стены, узкие окна, высокие башни.

Фигуры апостолов. Фрагмент скульптурного убранства фасада церкви св. Трофима в Арле. Ок. 1180-1200. Франция.

Романское искусство наиболее ярко раскрылось в архитектуре церковных зданий, их живописном и скульптурном украшении. Романскому храму присуща суровая, мужественная красота, его отличает внушительность и торжественная мощь. В Западной Европе церкви имели вытянутую среднюю часть. Внутри это помещение делилось рядами опор, столбов или чаще-аркад на более узкие продольные залы - нефы. С западной стороны, где находился вход, его обрамляли или увенчивали башни; в восточной части помещалось святилище храма - алтарь. Его отмечала специальная ниша - апсида. Алтарной части церкви предшествовал поперечный неф. Удаленность от входа ярко освещенного алтаря, путь к которому лежал через сумеречный неф, подчеркивала дистанцию, которая, как тогда верили, будто бы отделяет человека от бога.

Внутри романские церкви были расписаны фресками, снаружи украшались ярко раскрашенными рельефами на библейские темы. Венчающие части колонн - капители - украшались сюжетными скульптурными изображениями. Художники романской эпохи не утратили вкуса к орнаментальным украшениям, но в гораздо большей степени их влекли к себе изображения человека и его поступков. Мастера того времени чаще стали обращаться к наследию прошлого, знали работы византийских художников, были наблюдательны. Они умели подметить и передать выразительную позу, характерный жест, занимательно рассказать о событии. Чтобы сделать этот рассказ более экспрессивным, романские мастера нередко нарушали пропорции человеческого тела, увеличивали отдельные детали, утрировали движения.

Нередко живописцы и скульпторы давали волю своей фантазии и «населяли» стены храмов или страницы рукописей изображениями фантастических существ, фигурами акробатов, птиц и животных, образами, заимствованными из народных поверий.

Произведений светского искусства от романской эпохи сохранилось мало. И потому особый интерес представляет большой вышитый ковер, который украшал собор в Байё во Франции (XI в.). Представленные на нем сцены повествуют о завоевании Англии норманнами.

До XII в. главными культурными центрами были монастыри, где было больше всего образованных людей, обсуждались строительные проблемы, переписывались книги. В XII в. первенство стало переходить к новым хозяйственным и культурным центрам - городам. Здесь зародилась средневековая наука, высокого расцвета достигло ремесло и художественное творчество. Города боролись с феодалами за свою независимость. В среде горожан рождалось свободомыслие и критическое отношение к феодальному строю. Высокого расцвета в этот период достигла рыцарская поэзия, складывалась литература городского сословия. Крестовые походы изменили географические представления европейцев, расширили знания об окружающем мире. Он предстал огромным и динамичным.

Интерьер собора Нотр-Дам в Реймсе. XIII в. Франция.

В это время во Франции, где королевская власть вела борьбу за объединение страны, начало складываться искусство готики, которое затем распространилось в Англии, Германии, Испании, Чехии и других странах Европы.

Основным видом искусства в эпоху готики оставалась архитектура. Она наиболее ярко воплотила новые представления об окружающем мире. Стали приобретать самостоятельное значение и другие виды искусства, в первую очередь скульптура. Высшее создание готики - величественный городской собор. На родине готического искусства, во Франции, соборы возводили на одной из городских площадей. Строители, трудившиеся над созданием грандиозного здания, объединялись в особую организацию - ложу, в которую входили каменщики, плотники, скульпторы и стеклодувы, изготовлявшие цветные стекла для витражей. Возглавлял строительство главный мастер, опытный и искусный архитектор. Зодчие готических соборов были смелыми экспериментаторами. Они сумели разработать сложную конструкцию, которая позволяла выделить в здании строительный каркас из опор свода и дополнительных подпорных столбов - контрфорсов. Особые соединительные арки - аркбутаны передавали давление сводов центрального нефа, который был выше боковых, на контрфорсы, расположенные вдоль стен. Теперь не стена, а эта конструкция в целом держала своды, поэтому готические мастера смело прорезали в стенах окна, а между опорами сооружали легкие и высокие аркады. Для готики характерны стрельчатые, устремленные вверх арки. Они подчеркивали легкость и устремленность готической архитектуры ввысь. Во Франции мастера уделяли особое внимание оформлению западного фасада, который был богато украшен скульптурой. Скульптурные изображения помещали и на порталах по сторонам поперечного нефа. Внутри собора стройные столбы, окруженные тонкими полуколонками, стремительно поднимались вверх к стрельчатым сводам, аркады создавали величественную перспективу нефов.

В алтаре, боковых нефах и в верхнем ярусе центрального нефа многочисленные окна светились разноцветными витражами. В зависимости от погоды, времени дня или года свет, проникавший сквозь цветные стекла, по-разному окрашивал внутренние помещения храма, делал их то таинственными, то ликующе-праздничными.

Готическая скульптура по сравнению с романской больше похожа на круглую статую. Фигуры, хотя и приставлены к колонне или стене, стали объемнее, они смелее выступают в реальное пространство. Более разнообразными стали и темы изображений. Наряду с церковными сюжетами появились фигуры античных философов, королей, правдивые изображения представителей разных народов, иллюстрации назидательных басен. Изображения святых стали походить на современников, появились и первые попытки создания портретов светских лиц. Ранее такие изображения встречались лишь на надгробиях знатных феодалов и видных представителей церкви. Средневековые мастера не работали с натуры и создавали идеальные и представительные портретные образы. В эпоху готики художники уже пытаются придать модели реалистические черты. Скульпторы, создавшие около 1250 г. в немецком, городе Наумбурге двенадцать статуй феодалов, пожертвовавших средства на строительство храма, не могли видеть портретируемых, которые задолго до этого умерли. Тем не менее мастера наделили их индивидуальными чертами, выразительными лицами, характерными жестами.

Наряду с храмами в эпоху готики большое внимание уделялось строительству светских зданий - ратуш, торговых рядов, больниц и складов. В замках богато отстраивались парадные залы. В городах постепенно выделились две площади - соборная и рыночная. Охраняли город высокие стены с въездными воротами. Ратуша, здание городского магистрата, была символом городского самоуправления. В странах, где города переживали расцвет, ратуши могли поспорить иногда своим величием с соборами.

Если не считать нескольких десятков лицевых рукописей, о жизни средневековой живописи до X в. мы знаем преимущественно по литературным свидетельствам. Но комбинируя последние с тем, что сохранили живописные книги, что «пережило» в более позднюю эпоху в искусстве стенных росписей, цветных стекол, что проявилось, наконец, в родственной области скульптурных декораций, мы можем составить известное представление об исканиях Запада в эту эпоху.

Несомненно, что уже с V в. западные церкви покрывались какой-то росписью по большим пространствам стен, что несколько позднее их окна начинают украшаться мозаикой цветных стекол. Далее, на западных кодексах мы убеждаемся, что в тогдашних мастерских письма (главным образом монастырских) над книгой совершалась новая, неведомая классической древности работа, имевшая в виду синтез письма и живописи, где само письмо становится «живописным», где «картина» подчиняется инициалу как определяющей рамке и где творческие усилия положены на создание орнаментального убора текста и инициала, интимно с ним связанного.

Но уже от оттоновской эпохи в Германии (X в.) сохранились памятники более импозантные: не только малое искусство книжных миниатюр, но и большое искусство монументальных росписей. Фрески, открытые в 1888 г. в церкви св. Георгия в Оберцелле на острове Рейхенау, являют полную аналогию с миниатюрами рукописей того же монастыря, говоря о многосторонней художественной работе сильного очага. Он не был единственным. Но спокойное и несколько неподвижное искусство других известных школ Германии той же поры (Трира-Эхтернаха, Кельна) отодвигается в тень изумительным расцветом Рейхенау с характерной для него силой творческого замысла, самобытной гармонией композиции, твердостью рисунка и красотою красочных комбинаций. Связи с Италией и Византией, оживившиеся при Оттонах, воздействие искусства «Островов Океана» – с IX в. Рейн и частью Дунай стали дорогой странствований иров и англосаксов – все это объясняет расцвет живописи в Германии X в. Он не был длительным. И если для X в. Франция не может противопоставить ничего, что было бы ему равносильно, зато работа, вскрываемая памятниками следующего века (главным образом в фресках церкви Saint-Sauvin), открывает собою долгую и плодотворную эпоху в ее истории. В наши дни, снимая серый покров извести, под которым XVII–XIX вв. похоронили древние росписи, открывают красоту романской фрески в самых различных областях Франции: произведения различных художественных школ, всюду проникнутые основным единством.

Как иллюстрация книги этой эпохи приспособилась к лицу страницы, к расчленению текста, ставя и оригинально разрешая преимущественно орнаментальные задачи, так приспособилась к архитектурному расчленению романского храма его роспись. Не заглушая гармонии архитектурных линий, она в созвучии с нею подчеркивает и обогащает ее своими орнаментальными рамками, оформлением и стилем композиций, широких и простых, освобожденных от всяких излишних деталей, сводящих сцены к минимуму действия, подобно греческой драме, не знающей ни перспективных глубин, ни света и тени, но живущей как бы в вечности двух измерений. И очарованный зритель невольно спрашивает себя: можно ли найти эпоху, лучше понявшую закон монументальной декорации?

Романский живописец, хотя и живет в мире, где «сквозь царство порядка глядят глаза хаоса», является близким или далеким учеником восточных – сирийских и византийских – учителей, учеником их ученика, падеборнского монаха Феофила, более, чем он, далеким от традиций античности. Осуществляя указания Феофила, он верен его красочной гамме, его рецепту «телесной краски», закону «абсолютного света» и «абсолютной тени». Он не отступает от византийского типа облипающей одежды. Он в общем повторяет восточные иконографические схемы и типы.

И, однако, не только в лучших созданиях германских и французских очагов, но зачастую и во второстепенных местных школах через подражание пробивает путь самобытное искание, сказываясь в наивной свежести замысла, в творческой оригинальности, обнаруживающих, что живописец собственным наблюдением устанавливал движение и интимные детали жизни, что он «сам вчитывался в ее красоту».

Живопись романской эпохи, покрывшая стены, своды, крипты и даже колонны, захватила и статуи. Романская скульптура еще иногда и доныне сохраняет следы раскраски, которая некогда ее оживляла. Этот художественный вкус, становящийся понемногу религиозным шаблоном, пройдет и через готическое городское средневековье, чтобы в новое время спуститься до ремесленной продукции, которая и доныне наполняет католические лавочки раскрашенными своими куклами. Но художественный статуарий начиная от эпохи Возрождения до эпохи Клингера и остается бесцветным.

В романской фреске средневековье создало лучшее, что было в его силах, в смысле искусства монументальной росписи. В готическом зодчестве она постепенно хиреет. Два фактора в нем неблагоприятны для ее жизни. Во-первых, сведение к минимуму плоскости стены, вдобавок еще разбитой колоннами, колоннетками и орнаментальными фризами. Во-вторых, действие цветных стекол. Под яркими отсветами, какими они наполняли храм, блекли и изменялись нежные цвета росписи. Правда, отдельные художники, ища методов парировать убийственный для росписи эффект, повышают ее тональность до яркой и созвучной стеклам, они прочерчивают золотом («золото – единственная краска, не угашаемая синими и красными отсветами стекол») рамки, каймы, усики, вводят отдельные золотые детали: золотые посохи, вещи, пояса, запястья, туфли, ангельские крылья. Такова роспись простенков сотканной из цветного стекла Sainte Chapelle и целого круга подражавших ей французских церквей. Потолок стали покрывать синим цветом и усеивать его золотыми звездами – эффект, любимый итальянской готикой.

Но в общем везде, кроме Италии, сохранившей романское зодчество, рядом незаметных переходов переводившей его в зодчество Ренессанса и донесшей до этой эпохи стенную живопись, не эта последняя была гордостью готического зодчества, особенно церковного (замки и дворцы в большей мере сохранили широкие плоскости стен и естественное освещение внутри). Здесь доминирует блеск цветного стекла.

Его знали и прероманская, и романская эпохи во всех странах Запада и более всего во Франции. Но самой замечательной порой в его истории был конец XII и начало XIII в. Когда для завершения базилики Сен-Дени около Парижа по призыву аббата этого монастыря Сугерия при базилике основалась блестящая плеяда «витражистов», здесь создалась настоящая школа этого искусства. Ее опытом и артистами воспользовалась затем достраивавшаяся церковь Notre Dame в Париже, а с 1210 г. лучшие силы сосредоточиваются в Шартре, около его собора. В половине века центр вновь передвигается в Париж, где в работе над стеклами сказались частично изменившиеся приемы и вкусы поры «бури и натиска». Спокойное красивое слияние синих фонов ранней поры, роскошь орнаментальных обрамлений, романский стиль фигур и групп уступают место более мелкой мозаике фона, где комбинация синего и красного в слишком близком соседстве дает менее радостный лиловатый тон, тогда как рамки становятся беднее. Группы, отступая от простоты и сосредоточенности монументального стиля, наполняются зато движением и жизнью. Легенда святых с ее богатством никаким каноном не предвиденных интимно-реалистических деталей вытесняет канонические сюжеты и, побуждая художника открыть глаза на мир, приближает к жизни его искусство…

В большем относительно числе их сохранила Италия. Обычное распределение материала, относящее к преддверию Ренессанса итальянские фрески начиная не только от Джотто, но нередко и от Чимабуэ, дает внешнее оправдание нашему умолчанию: глава эта слишком богата, чтобы трактовать о ней в двух словах. В данных рамках естественнее и цельнее будут строки, какие мы посвятили живописи французского средневековья, дольше сохранявшей своеобразный характер эпохи. Здесь, как и в Италии, как и на Рейне, в Западной Германии, многочисленные учебники XIII–XIV вв.– de arte illuminandi – иногда за отсутствием памятников свидетель большого научно-технического и художественного опыта западного живописца, опыта, который он впитал из восточных и византийских рецептов и обогатил собственным наблюдением.

Следя на протяжении XI–XV вв. за историей миниатюры, мы видим, как канон уступает место свободному наблюдению, колотой и эмалевый фон – естественному пейзажу, иератические Условные группы – жизненным сценам, полным свободы и человеческой красоты. Несомненно, каждый день и каждый час «Улица живописцев» парижских XIV–XV вв. была театром технически-художественных находок и событий. Если в этот век последнее слово было сказано в направлении совершенства золотого фона (безмерно изощрен на Западе рецепт накладывания и полирования листочков подлинного золота на страницу, доныне производящую впечатление политой массивным золотом и дающую своеобразную золотую выпуклость), он был веком изумительных рецептов красок эмалевого эффекта, расцветивших нежные группы Жакмара д’Эсден, живущие как бы в незаходящем солнечном свете. Иллюстрация дает только бесцветную фотографию с часовника его школы, и лишь усилием воображения можно представить нежную белокурую раскраску мягких локонов ангела, рдеющий как лепестки роз румянец щек и мягко-фисташковую зелень ризы на фоне снежно-белой альбы. Другие мастерские того же города и в тот же век углубляются в задачи светотени, создавая бесподобное парижское мастерство , где белые формы и фигуры чуть тронуты розовыми и сиреневыми отсветами. Девять оттенков серого – от жемчужного и серебристого до мышиного и темного «кротового» – можно насчитать на одеяниях, продернутых золотой нитью, амиктов-певцов в сцене погребения (того же часовника).

К концу века все смелее перспективные находки, рельефнее лепка фигур, очаровательнее детали пейзажа, жизненнее темы и настроения.

Персонажи обвеяны воздухом; зеленые луга тянутся, синея, к горизонту вдаль, прорезанные светлой речкой; замки, города чертятся на фоне гор, даль заглядывает в окно, кудрявые тучки плывут по небу, группы связаны интимной жизнью и отмечены печатью индивидуального в лицах и жестах.

С концом XIV и началом XV в. миниатюристы, не менее подвижные, чем купцы или студенты, образуют целые интернациональные колонии в артистических городах. «Улица живописцев» этой поры видела немало итальянских и фламандских гостей и жадно впивала их находки. Искусство братьев Лимбургов при безмерном изяществе парижской кисти усваивает итальянскую прелесть и фламандский вдумчивый реализм. Эти черты отличают лучшие миниатюры Петергофского часовника.

Не все действительно художественно в расцветшем под конец средневековья искусстве живописной иллюстрации. Растущий спрос па нее вызывает к жизни продукцию шаблонную, невысокого качества. Не только городской нобиль, средней руки профессор, врач, горожанка хотят иметь красочно декорированный псалтырь, учебник, роман, сонник или часовник. Рядом с такими мастерами, как Фуке, за искусство иллюстрации бралось огромное множество третьестепенных ремесленников.

Их произведения не лишены интереса. Мы не заблуждаемся насчет артистической ценности часовника, вышедшего из неизвестной парижской мастерской середины XV в., с изображениями месяцев, сохранившего 24 сцены «игр и работ XV в.». Но в ряде этих сцен – в фигуре богомольца, мирно всхрапывающего под кафедрой проповедника под аккомпанемент великолепной гомилии (март); в городской улице в апрельский день, полной хозяек с корзинками и мальчишек с ветками; в картине сенокоса, соединенной с июньским пикником на траве; в развертывающейся майской; в июльской реке, оживленной челнами, в декабрьской игре в снежки и т. д. и т. д.– оживает быт средневекового города с его работой и весельем. Средние по качеству мастерства, эти поверхностно-бытовые и условно-веселые сцены обходят всякое серьезное отношение к изображаемой жизни. Городской и особенно сельский труд трактован здесь идиллически, с точки зрения богатого художника, вышедшего полюбоваться на него в час досуга. Ни «грубые мужики», предмет его презрения, ни те менее, чем он, обласканные историей и судьбой соседи, которые имеют «синие ногти» и чей «рабочий день долог», не представляют серьезной проблемы для этого забавного искусства кануна Ренессанса. Она была поставлена глубже «диалектической мыслью» XII в., чтобы с новой проникновенностью вернуться во фламандском искусстве.

Мы накануне рождения великой живописи, где новое слово скажет Север, чтобы со свойственным ему искренним и сильным чувством жизни напомнить самоудовлетворенному, гармонически успокоенному чувству Европы Ренессанса о трагических загадках бытия и художественного воплощения.

Мы вовсе не имели возможности остановиться на разнообразных видах «прикладного» искусства, красившего средневековый городской быт: на лиможской эмали и посуде, на поделках из слоновой кости, на деревянной резьбе и деревянной инкрустации, на металлической резьбе, украшавшей двери и окна средневекового дома и спинки, сиденья готической мебели.

Стиль Ренессанса является выражением уже иных социальных отношений и иной организации труда. С ним мы вступаем в отношения крупного капитализма в хозяйстве и режима абсолютизма в политике.

Из событий «внешнего порядка» эпидемия чумы 1348 г. и Столетняя война провели ту глубокую борозду на теле бытового и психического уклада Запада, которая отчасти и обусловила нижнюю границу «городского», «готического» искусства, как и границу самого средневековья.

Тенденции и веяния в живописи средних веков.

Общие тенденции

Искусство этого периода, хотя и было разнообразно по стилю, характеризуется несколькими общими тенденциями. В это время большинство художественных работ имело религиозное назначение, поэтому христианское искусство было доминирующим направлением. Многие картины, диптихи, триптихи и скульптуры средневековья разрабатывались для церковных алтарей и с учетом конкретных особенностей храмовых интерьеров.

Важным элементом создания религиозных образов была дополнительная декорация произведений искусства. Элементы полотен могли быть созданы из золота или других драгоценных материалов.

Новые Меценаты

Художественные изменения во время Средневековья были вызваны быстро меняющимися социальными условиями. Развитие торговля привело к тому, что богатые горожане и торговцы могли приобретать себе произведения искусства. К началу XV века многие бюргеры имели коллекции картин.

Городские власти поддерживали изобразительное искусство, поручая известным мастерам создание запрестольных образов для алтарей и церквей.

Движение в сторону реализма

Точное время перехода к реализму в искусстве Средних веков невозможно обозначить. Инновации, созданные в ряде в искусстве ряда европейских стран, долгое время могли никак не быть обозначены в других национальных культурах. Тем не менее, можно утверждать, что в зарождение раннего Ренессанса внесли вклад работы, сделанные еще на рубеже XIII века.

Одним из первых картины с элементами реализма стал писать итальянский художник Чимабуэ (1240–1302), который передавал глубину изображения при помощи насыщенных красок и световых контрастов.

Международная готика

Элегантная и утонченная манера живописи развивалась, в основном, благодаря достижениям итальянских мастеров. Их техника характеризовалась использованием плавных линий, сложных контуров тела, мягкого выражения лиц изображаемых людей.

Начало XV века - период явного прогресса в направлении реализма в изобразительном искусстве, что характерно также для литературы и скульптуры. Художники демонстрируют интерес к деталям, что придает композиции цельность и завершенность. Это время в европейском искусстве характеризуется как период Возрождения .

Средневековая живопись обновлено: Сентябрь 14, 2017 автором: Глеб

После распада Великой Римской империи восточная ее часть - Византия - процветала, а западная пребывала в упадке. Начиная с V в. Рим регулярно подвергался набегам и разграблениям варваров.

Не знавшая поражений империя была раздавлена и унижена племенами вандалов. Чтобы противостоять нашествию гуннов, во главе которых стоял неустрашимый Аттила, римлянам пришлось вступить в союз с вестготами, франками и бургундами. В 451 г. Аттила был остановлен, но Римская империя уже не могла оправиться от разрухи и потрясений. Ее западная часть закончила свое существование в 476 г.

Таким образом, начало средневековой истории связано с разрушением и почти полным уничтожением предшествующей культуры. Именно этим и объясняется грубый примитивизм раннеевропейского искусства. Но нельзя сказать, что античные традиции абсолютно не повлияли на творчество варварских мастеров. Широкое распространение получил римский орнамент, а также формы римских культовых сооружений. Это связано, прежде всего, с тем, что завоеватели переняли у побежденных римлян христианскую религию.

Варвары значительно обогатили тематику художественных произведений римских мастеров, привнеся в их искусство мифологическое мышление и самобытные национальные мотивы. Их племена пришли из далекой Монголии, где в результате раскопок, проведенных в урочище Ноин-Ула (1924-1925) были обнаружены захоронения гуннской знати, предположительно относящиеся к началу нашей эры. Исследования найденных там предметов быта и изделий прикладного характера выявили прекрасные образцы живописных изображений. Обнаруженные в кургане ковры со сценами борьбы фантастических животных и фигурами лошадей и людей поражают своей реалистичностью и тонкостью исполнения.

Именно от степных народов произошел знаменитый звериный или тетралогический стиль, несколько столетий занимавший достойное место в европейском искусстве.

Раннехристианская живопись

Как таковой живописи в эту эпоху, конечно же, не существовало, но с принятием христианства можно говорить о книжной миниатюре, которая зародилась и развивалась в монастырях, ставших центрами духовной жизни Западной Европы. В монастырских мастерских - скрипториях - создавались и украшались рукописи. Материалом для них служил пергамент - выделанные шкуры ягнят и козлят.

Процесс создания одной книги был очень длительным и занимал порой несколько десятилетий, а иногда на это уходила целая человеческая жизнь. Монахи старательно переписывали Библию и другие книги религиозного содержания. Для написания использовалась красная краска, от названия которой - миниум - и произошло слово «миниатюра».

Для христианина книга была особой ценностью, символом Божественного завета. Книги бережно хранились в монастырях, поэтому большинство из них дошло до нас в своем первозданном виде. Рукописи богато украшались, при этом широко использовался абстрактный звериный орнамент - сплошное переплетение линий, сопровождавшееся изображением птиц и зверей.

Варварские племена постоянно вели между собой захватнические войны, в результате которых распадались старые королевства и создавались новые. Наиболее устойчивым к потрясениям оказалось крупное Франкское государство, которое просуществовало около пяти столетий (с V в. до середины X в.).

Искусство этого периода условно можно разделить на эпоху Меровингов в V-VIII вв. (так назывались франкские короли, считавшие своим предком легендарного вождя Меровея) и эпоху Каролингов в VIII-IX вв. (по имени императора Карла Великого)

Живопись меровингского периода

В эпоху Меровингов широкое распространение получила англо-ирландская книжная миниатюра, представленная дошедшими до нас великолепными памятниками раннехристианской живописи. В монастырях Ирландии, которая в то время являлась одной из наиболее культурно развитых областей Европы, создавались евангелия, украшенные чудесным орнаментом. Используя перо, ирландские мастера писали удивительно динамичные рисунки, изображающие людей и животных.

Большое внимание уделялось начертанию букв, их так обильно украшали всевозможными завитками, что сама строка приобретала вид орнамента. Разукрашенная заглавная буква - инициал - иногда занимала целую страницу.

Техника написания миниатюры V-VIII вв. еще не достигла того совершенства, которое присуще работам каролингских мастеров. Отсутствие перспективы и объема, стилизация и примитивизм образов - характерные черты меровингской живописи.

Живопись каролингского периода

На конец VIII - начало IХ в. приходится период расцвета государства франков, что связано с деятельностью правителя Карла Великого. Его держава объединила территории современных Франции, Южной и Западной Германии, Северной и Средней Италии, Северной Испании, Голландии и Бельгии.

Будучи выдающейся личностью, Карл способствовал распространению просвещения на подвластных ему землях. Он основал школу, в которой его сыновья вместе с детьми знати овладевали основами риторики, поэзии, астрономии и других наук. Сам Карл, прекрасно знавший греческий и латинский языки, не получил образования в молодости, поэтому пытался овладеть грамотой уже в зрелом возрасте, хотя это плохо ему удавалось.

Стремись сделать из своей страны второй Рим и объявив принадлежавшие ему земли Священной Римской империей, Карл способствовал приобщению народа к искусству поздней античности, поэтому его эпоху нередко называют «Каролингским возрождением».

Особое значение при Карле Великом придавалось храмовой живописи, она являлась своеобразной библией для неграмотных, ведь зачастую именно любопытство влекло простой народ в церкви. В указах короля можно прочитать, что «живопись допустима в церквах для того, чтобы неграмотный мог прочитать на стенах то, что он не может узнать из книг».

В каролингский период развивается книжная миниатюра. Тексты иллюстрируются по византийскому и англо-ирландскому образцу. Появляется несколько школ, отличающихся друг от друга техникой исполнения, композиционным решением и тематикой. Но существуют общие черты, присущие всем школам без исключения. Это стремление к ясности и четкости в построении композиции, к реалистичному изображению и использованию архитектурных орнаментов в качестве живописного фона.

Главными объектами изображения в миниатюрах школы Ады (другие названия - школа аббатисы Ады, школа рукописи Ады, школа Годескалька, школа Карла Великого) стали евангелисты. Отличительные черты произведений, созданных художниками этой школы, - наличие орнамента, позолота и пурпурная окраска бумаги. Почти везде фоном служат строения времен античности. Символы Марка, Матфея, Иоанна и Луки - лев, ангел, телец и орел - расположены над головами евангелистов. Убедительная достоверность изображаемого достигается с помощью объемности форм и умелого использования света и тени.

Заказчиками книг, созданных мастерами этой школы, нередко являлись члены королевской семьи (по некоторым источникам, аббатиса Ада была сестрой Карла Великого).

Эпизоды из жизни Иисуса Христа. К псалму XV. Утрехтская псалтырь. IX в.

Миниатюры реймсской школы выполнены в графической манере с использованием коричневой туши. Зыбкие, как будто вибрирующие контуры делают фигуры удивительно живыми и динамичными. Самый выдающийся памятник изобразительного искусства данного направления и каролингской миниатюры в целом - Утрехтская псалтырь (названа так по месту хранения - в университетской библиотеке в Утрехте). Она содержит 165 рисунков со сценами пиров, охоты, битв, бытовых сюжетов, а также пейзажи. Автор миниатюр придает значение даже самым мелким деталям. В окне маленького домика можно разглядеть отдернутую занавеску, в храме - слегка приоткрытую дверь.

В миниатюрах турской школы можно видеть стилизованные изображения монархов. Для этих произведений характерно непропорциональное соотношение фигур: король всегда значительно выше остальных персонажей.

Иллюстрирование библий было непосредственной специальностью турских мастеров, которые исполнили миниатюры к Библии Алкуина, Библии Карла Лысого и Евангелию Лотаря.

Культура Каролингского государства просуществовала около двух столетий, но за этот короткий срок было создано много замечательных произведений искусства, и в наше время заставляющих восхищаться мастерством средневековых художников.

В результате разорительных нашествий врагов империя Карла Великого была разрушена, а вместе с ней погибло множество прекрасных памятников каролингской культуры.

Следующий этап в развитии западноевропейского искусства начнется вместе с новым тысячелетием, т. е. в XI в.

История мировой и отечественной культуры: конспект лекций Константинова С В

4. Живопись Средневековья

4. Живопись Средневековья

Так как племена варваров постоянно кочевали, их раннее искусство представлено в основном:

1) оружием;

2) ювелирными изделиями;

3) различной утварью.

Варварские мастера предпочитали яркие краски и дорогие материалы, при этом больше ценилась не красота изделия, а материал, из которого оно было выполнено.

Образцом для миниатюристов служила римская живопись. Автор средневековой миниатюры – не просто иллюстратор; он талантливый рассказчик, который в одной сцене сумел передать и легенду, и ее символическое значение.

«Каролингский ренессанс» (франц. renaissance «возрождение») – так назвали исследователи искусство этой эпохи. Многие франкские монастыри имели скриптории (книгописные мастерские), в которых монахи переписывали древние рукописи и составляли новые, как церковного, так и светского содержания. Рукописи помещали в оклады из слоновой кости или благородных металлов со вставками из драгоценных камней. В оформлении книг, помимо сложного орнамента, часто использовали мотивы христианского искусства – венки, кресты, фигурки ангелов и птиц.

Примерно в конце III в. на смену папирусному свитку пришел пергамент; вместо стиля (палочки для письма) стали пользоваться птичьими перьями.

В эпоху Каролингов необычайного расцвета достигло искусство миниатюры – книжной иллюстрации. Школ миниатюры не было, а существовали центры изготовления иллюстрированных рукописей при монастырях (например, книгописная мастерская в Ахене).

Каролингские храмы снаружи были украшены очень скромно, зато внутри блистали настенными росписями – фресками. Многие исследователи отмечали огромное значение изобразительного искусства в варварском мире, где большинство людей не умело читать. Например, в церкви св. Иоанна Крестителя (VIII в.) в городе Мюстере (современная Швейцария) находятся старейшие из известных фресок. Искусство империи Отгонов сыграло огромную роль в становлении романского стиля.

Росписи романского периода практически не сохранились. Они имели назидательный характер; движения, жесты и лица персонажей были выразительными; изображения – плоскостными. Как правило, на сводах и стенах храма изображали библейские сюжеты. На западной стене располагались сцены Страшного суда.

В XIII–XIV вв. наряду с церковными книгами, богато иллюстрированными изображениями святых и сценами из Священной истории, получили распространение:

1) часословы (сборники молитв);

2) романы;

3) исторические хроники.