Японская школа ксилографии получила название. Реферат «Особенности японской гравюры Укиё-э и её влияние на европейскую живопись

Введение

Каждый день мир стремительно меняется, меняются и человеческие ценности.. Понять человечество как единое целое можно, только проследив его историю, – от первых государств – так называемых восточных деспотий, возникших тысячелетия назад в долинах великих рек, до первых правовых государств современного типа, от общества, в котором рабство считалось нормальным явлением, до возникновения гражданского общества Нового времени с его признанием демократии прав личности как высших цивилизационных ценностей. Одним из занимательных видов изображения истории можно считать художественное творчество, а именно японскую гравюру укиё-э, о которой собственно и будет идти речь в моем реферате.

"...Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё" - так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой - Киото.

Искусство этого мира - "укиё" и прежде всего гравюра - стало отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отличие от аристократической живописи средних веков гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене, воистину популярной. Она основывалась на традициях книжной графики, программ излюбленного театра горожан - Кабуки, но только с появлением станковой графики (то есть в понимании японцев - гравюр на отдельных листах) она стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

I . Происхождение термина «укиё-э»

Укиё-э - это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо (ныне Токио), это жанр искусства, представленный, главным образом, отпечатками с деревянных досок, развившийся на ранних этапах эпохи Эдо (1600 - 1868). Он появился в первой половине XVII века, во второй половине XIX в. пришел в упадок. Расцветом укиё-э считается XVIII век. Укиё-э пользовались успехом по всей Японии, причем наиболее характерные их формы утвердились в образцах, производившихся в Эдо примерно с 1680 г. по середину 50-х годов XIX в.

Термин «укиё», заимствованный из буддийской философии, означает буквально «мир скорби» - так именуется мир сансары, мир преходящих иллюзий, где удел человека - скорбь, страдания, болезни и смерть. Этот мир, с точки зрения традиционно мыслящих японцев, такой же иллюзорный и преходящий, как сновидение, и его обитатели не более реальны, чем существа из мира грез. В XVII веке представления об изменчивости и иллюзорности этого мира, будучи несколько переосмыслены, породили особого рода эстетику: непостоянство бытия воспринималось не только и не столько как источник страдания, а, скорее, как призыв к наслаждениям и удовольствиям, которые дарует это непостоянство. Мир преходящих наслаждений также стал именоваться укиё, только записывался он уже другим иероглифом с тем же звучанием, буквально означавшим «плывущий», «проплывающий мимо». Укиё-э и означает «картинки плывущего мира». Есть и другой оттенок смысла: художники, работавшие в стиле укиё-э. были знакомы с принципами западного искусства и нередко использовали в своих произведениях знание законов перспективы, что было нетипично для традиционной японской живописи ямато-э («японская картина») или кара-э («китайская картина»). Поэтому для японских зрителей, привыкших к совершенно плоским изображениям, мир на картинках укиё-э воспринимался как объемный, «всплывающий» на поверхности листа или, наоборот, «тонущий» в его глубине.

В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э - картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

II . История развития укиё-э

2.1 Укиё-э как один из результатов развития японской живописи

В основе всех стилей японской живописи лежат континентальное направление, пришедшее из Китая и Кореи, и чисто японское. До X века доминировало китайское направление, после чего появилась именно японская живопись – ямато-э, основные представители этого направления были выполнены в виде ширм и сдвижных экранов. Потом, чуть позже появляются длиннющие живописные свитки эмакимоно, а также картины на отдельных листах примерно альбомного формата. К XIV в. жанр эмакимоно угасает и его вытесняет живопись тушью в дзэнской манере – суми-э, которая далеко выходит за рамки монастырской традиции и становится неотъемлемой частью светского искусства. К наиболее важным школам японской живописи эпохи Эдо относят школы Тоса и Римпа, которые специализировались на рисовании картин в стиле ямато-э. В эпоху Эдо процветали также и другие направления живописи: школы Маруяма-Сидзэёо, Акита, Итоо и др. Было популярно также направление намбан - буквально «южный варвар» - так японцы называли европейцев. Художники, работавшие в этом стиле, подражали западной живописи и по-своему использовали западные сюжеты и законы перспективы. С начала XVIII в. в моду входит стиль бундзинга («просвещенная живопись») – художников, рисовавших в этом стиле, особенно вдохновляла южно-китайская живопись эпохи династии Юань, называемая в Японии нанга.

Укиё-э - это один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо, появился он в первой половине XVII века. Как правило, под укиё-э понимают жанровую живопись и с особенности гравюру.

2.2 Мир, изображаемый на «дереве»

Техника ксилографии, или печати с деревянных досок, появилась в Японии еще в период Хэйан (794–1185) вместе с распространением буддизма. Техника печати с деревянных досок вначале использовалась при изготовлении черно-белых оттисков с изображениями различных буддийских святых и при иллюстрировании текста сутр.

ЯПОНСКАЯ ЦВЕТНАЯ КСИЛОГРАФИЯ (гравюра на дереве) - унциальное явление в истории мирового искусства. Ее технику японцы заимствовали из Китая. Уже с XIII века в Японии печатались небольшие буддийские иконы, амулеты, но эта продукция носила ремесленный характер.

Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые станковые гравюры были также черно-белыми, потом их начали слегка подкрашивать от руки киноварью (тан-э), позднее гравюры подкрашивались тёмно-красной краской (бэни-э) или оттенялись черной плотной краской, что создавало эффект покрытия черным лаком (уруси-э). Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Как самостоятельный вид искусства гравюра утверждается на последнем этапе средневековой истории Японии - в период Токугава (1603-1868). Это время характеризуется формированием новой городской культуры, отражавшей вкусы третьего и четвертого сословий - купцов и ремесленничав, игравших все большую роль в экономической, а затем и о культурной жизни страны. В искусстве XVII- XIX веков сформировался новый стиль - укиё-э (дословно: картины плывущего мира) - направление городского искусства периода Эдо (1613-1868), к которому относится и гравюра. Его главной темой стала повседневная жизнь самих горожан, их будни и праздники.

Цветная ксилография трудоемка и требует участия нескольких специалистов: художника, который пишет эскиз будущей гравюры; ремесленника, "доводящего" эскиз до такой степени детализации, чтобы с него можно было резать доску для печати; резчика, переносящего изображение на доску продольного распила, причем для каждого цвета вырезалась отдельная доска; и печатника, осуществляющего печать вручную, без применения станка. Обычно очень важна была роль издателя, который не только осуществлял общее руководство и обеспечивал сбыт, но нередко бывал и автором идеи произведения. Мог быть и еще один участник - поэт, сочинявший для гравюры сопровождающее ее стихотворение и в некоторых случаях выступавший как каллиграф, когда он записывал свое творение на эскизе собственноручно.

Середина 1820-х - начало 1830-х Японская гравюра на дереве - это обрезная ксилография. Клише для нее изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж ее подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности. Ранний период развития гравюры датируется 1680-1760 годами.

В центре внимания художников укиё-э были обитатели этого непостоянного мира преходящих удовольствий: прекрасные дамы, как правило, - знаменитые гейши и куртизанки (жанр бидзинга), актеры театра кабуки, воспринимавшиеся в ту эпоху как «куртизаны» мужского пола (жанр якуся-э), эротические сцены (так называемые сюнга - «весенние картинки»), сцены любования прекрасными природными явлениями, праздники и фейерверки, «цветы и птицы» (катёга), а также знаменитые виды природных ландшафтов, благодаря их живописной красоте ставшие местами паломничества. По мере развития направления укиё-э рамки отражаемого им среза бытия все время расширялись: появилось много картинок укиё-э, иллюстрировавших известные литературные произведения, особенно Исэ-моногатари и Гэндзи-моногатари, а также военные хроники гунки-моногатари; в конце концов ко времени расцвета жанра он охватил буквально все аспекты повседневной жизни всех слоев японского общества. Темой укиё-э стали также исторические сюжеты: изображения знаменитых самураев (жанр муся-э), особенно эпохи Сэнгоку Дзи-дай, батальные сцены, сцены кровопролития, изображенные очень натуралистично, пожары и борьба с огнем, а также мир призраков и демонов, фантастические гротески и т.д. Весьма широкое распространение получили прекрасные пародии-подражания изысканному стилю ямато-э: куртизанки изображались в одеяниях и позах бодхисатвы Каннон или знатных дам Хэйанской эпохи; дзэнский святой Дарума (Бодхидхарма) - в одеянии куртизанки; популярные в народе божества - предающиеся разного рода удовольствием.

Этимология слова «укиё» восходит к буддийскому термину, обозначающему
бренность быстротекущего мира. Понятие «укиё» вообще тесно связано с
буддийским мировоззрением. В средневековой литературе и эстетике это
понятие означало суетный, бренный, горестный мир. В XV веке оно получило
светскую интерпретацию, его стали понимать как «повседневную
действительность». В XVII же веке под «укиё» стали подразумевать мир
развлечений и удовольствий, которые могли получить горожане в «весёлых
кварталах». Не случайно основным видом изобразительного искусства
периода Эдо явилась цветная гравюра на дереве - искусство массовое,
репродуцируемое и наиболее известное.

История развития гравюры динамична, ярка, в ней отчетливо проявились все
этапы становления мировоззрения новой эпохи и свойственные им
особенности восприятия действительности. В то время как другие жанры
переживают последний расцвет, появляется новый для укиё-э жанр пейзажа
фукэй-га. Его место в гравюре укиё-э весьма заметно. Сложный и
многосторонний процесс формирования пространства в гравюре укиё-э
осуществлялся, прежде всего, как результат взаимодействия культур Запада
и Востока.

На рисунках показаны стадии работы над гравюрой Укиё-э.

В отличие от европейской авторской гравюры - гравюра укиё-э была
результатом коллективного творчества. Каждый из ее участков имел свои
тонкости и требовал большой специализации. Художник рисовал черно-белую
основу (сита-э) и обозначал расцветку отдельных деталей, резчик
переносил картину на доску, а печатник подбирал цвета и переносил
изображение на бумагу. Чтобы гравюра стала произведением искусства, было
необходимо настоящее творческое содружество этих мастеров. Художник
должен был учитывать специфику работы резчика, так как качество линии, в
конечном счете, зависело от резчика. Добиваясь виртуозности в работе,
резчики вырабатывали свой почерк, который в значительной мере определял
стиль гравюры. При большом потоке продукции резчики кооперировались:
самые опытные резали лица и прически, их помощники резали менее
ответственные линии одежды и тела, а самую простую работу выполняли
подмастерья. Общее цветовое решение гравюры во многом зависело от
печатника, поскольку обычно художник следил только за самыми первыми
оттисками. Важная роль принадлежала также издателю, изучавшему спрос и
определявшему тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на
характер издания, выступая своего рода меценатом талантливых авторов.
Авторы гравюры получали заказы от издателей, которые и подбирали
резчиков и печатников. Право на издание гравюры принадлежало издателю;
из коммерческих соображений иногда перепечатывались отдельные листы и
даже целые серии, нередко с некоторыми изменениями: могло быть опушено
название серии, лист мог быть издан в другом формате. Коллективный метод
работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров,
цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

В техническом отношении японская гравюра является высокой печатью.
Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал
контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер наклеивал
слегка увлажненный рисунок лицевой стороной на доску продольного
распила. Для этого обычно использовалась древесина вишни, иногда груши
или японского самшита. Деревья рубили осенью и оставляли лежать всю
зиму, весной вывозили и выдерживали два года. Поверхность досок
обрабатывалась очень тщательно. Она должна была быть такой гладкой,
чтобы две доски при соприкосновении слипались без клея.

Затем гравер резал по рисунку доску для контурного отпечатка - «ключевую
доску», с меткой «кэнто» (по которой и пригонялись все остальные клише).
Оригинал при этом уничтожался, поэтому до наших дней дошло так мало
авторских рисунков, представляющих собой, по-видимому, предварительные
эскизы. Линии должны были быть очень тонкими, не более трети толщины
линии рисунка, так как при печати они неизбежно расширялись. Нередко
резчики специализировались в какой-нибудь определенной области,
например, в изображении людей или животных.

Когда была готова «ключевая
доска», печатник делал пробные оттиски и посылал их художнику, который
приблизительно намечал раскраску или просто надписывал иероглифами
названия цветов рядом с каждой деталью изображения. Для каждого цвета
вырезалась отдельная доска; выпуклая метка в ее верхнем левом углу
обеспечивала возможность точного совмещения цвета с контуром. Очень
важным был выбор дерева; доски должны были обладать разными качествами в
зависимости от их назначения: самое твердое дерево использовалось для
«ключевой доски»; для печати фона брали самые мягкие породы дерева.
Когда все доски были готовы, работа переходила в руки печатника. Он
составлял краски, используя пигменты растительного и минерального
происхождения. Растительные краски готовились на рисовом клее,
минеральные - на животном жире. Работа печатника не была механической -
следуя общим указаниям художника, он сам подбирал тона, регулировал
интенсивность цвета, так что от его художественного видения, в конечном
счете, зависела точность воплощения авторского замысла.

На фотграфиях работа печатника

Мастер примеряет шаблон, который закрепляется на шипах, вставляемых в отверстия, просверленные в печатной доске.

Подготовка поверхности - в этом месте будет плавный переход от темного к светлому.

Нанесение краски.

А теперь по шаблну..

И вот - самый ответственный момент..

Чуть влажный лист бумаги, наложенный на доску, мастер приглаживал специальным
приспособлением в виде круглой подушечки, обтянутой плотной оболочкой
ростка бамбука (барэном). Японцы практически не знали печатного станка
до XIX века.

Это и есть барэн.

Барэн в твердой руке)

Мастер снимает лист - градиентная полоска получилась!
Теперь осталось повторить эту операцию с другими цветами ))

Бумага для гравюры должна была быть мягкой, гигроскопичной, с гладкой
поверхностью и с длинными крепкими волокнами. Ее нарезали по
установленному стандарту; в Японии приняты следующие форматы гравюр
(приблизительные): обан - 38x25 см; обан-ёкон - 25x38 см; сикисибан -
20x18 см; тю-бан - 30x20 см.

На каждом листе имеются иероглифические надписи - пояснения сюжетов,
стихи, имена персонажей и подписи создателей гравюры. Подписи обычно
состоят из имени и традиционно добавляемого иероглифа, говорящего о том,
какую работу выполнял подписавшийся.

Кроме надписей, почти на каждой гравюре имеется несколько печатей. Они
дают ценную информацию о том, когда тот или иной лист появился и кто
принимал участие в его создании. Как правило, на гравюрах встречаются
следующие печати: печать художника, ставившаяся непосредственно под его
подписью или рядом с ней; печать издателя встречаются листы,
различающиеся лишь издательскими печатями. Это явление может быть
объяснено существовавшей практикой перепродажи досок одним издательством
другому. В таком случае новые владельцы доски иногда срезали печать
старого издательства и добавляли свою печать с датой издания гравюры и
печать цензора. Контроль над гравюрой являлся одним из проявлений
всеобъемлющей регламентации, проводившейся правительством Токугава.
Начиная с 1790 года, в целях борьбы с роскошью и падением нравственности
правительство периодически вводило ограничения, касавшиеся тематики и
техники гравюры. Кроме именных печатей цензоров, существовали пометки
«аратамэ» («проверено») или «кивамэ» («превосходно»), ставившиеся после
этих печатей. Расшифровка печатей не только помогает установить
подлинность гравюры, но и дает возможность зрителю ощутить живую
атмосферу создания листа.

Гравюры укиё-э издавались в самых разнообразных формах: и в виде книжных
иллюстраций, художественных альбомов и отдельных листов, которые часто
объединялись в диптихи, триптихи и серии, а также в виде свитков
жанровых зарисовок из театральной жизни (кабуки дзоси эмаки). Их
помешали в токонома или вешали как украшение на опорные столбы, появился
даже особый формат узких и длинных гравюр, который назывался хасира-э
(вешать на столб, приблизительно 65x12 см).

По материалам: Мировое искусство. Кацусика Хокусай. Серии
гравюр «36 видов Фудзи» и «100 видов Фудзи». -СПб: ООО «СЗКЭО
«Кристалл»», 2006. - 192 с., ил. Составитель текста А. А. Иванова.

А также материалы сайтов http://art.liim.ru и http://woodblock.com

Опять же не обо всем сразу, а конкретно о гравюрах укиё-э . Красивое слово, а что оно означает-то? Почитаем специальные сайты. Например, энциклопедия Японии от, А до Я
— и узнаем, что:

Техника ксилографии, или печать с деревянных досок , появилась в Японии еще в период Хэйан (794−1185) вместе с приходом буддизма. Начало ХVII в. характеризуется появлением иллюстрированных ксилографических книг, издававшихся массовыми тиражами. В этих изданиях текст и иллюстрации печатались черным цветом.

Первые оттиски с использованием красного цвета (бэнидзури-э) появились в середине XVIII в. Постепенно число досок для цветной печати увеличивалось, и в 1765 г. появились первые многоцветные гравюры, получившие название «парчовые картины» (нисики-э).

Укиё-э (что в буквальном переводе с японского обозначает «картины бренного мира») вобрало в себя философскую созерцательность и эмоциональную полноту любования полнотой бренного существования.

В техническом отношении искусство укиё-э — сложный процесс, требующий высочайшего профессионализма на всех стадиях исполнения. Конечный результат работы зависел не только от мастерства художников, рисовавших эскизы, но и от виртуозного умения граверов и печатников. Для создания многоцветного изображения требовалось награвировать от двух-трех до восьми досок. Печать выполнялась вручную, что позволяло создать живописный эффект полутонов. Доски раскрашивали от руки, лощили, задували золотым или серебряным порошком.

Японская гравюра стала синонимом изысканности и хорошего вкуса. В конце XIX века гравюры укиё-э приобрели популярность во всем мире, их коллекционировали Уистлер, Мане, Дега, Гонкур, Золя. В Петербурге первая выставка гравюр укиё-э прошла в 1898 г. Богатые коллекции таких гравюр существуют в Государственном Эрмитаже и Кунсткамере.

Слово «укиё» в древности обозначало одну из буддийских категорий и могло переводиться как «бренный изменчивый мир». В конце ХVII в. укиё стало обозначать мир земных радостей и наслаждений. Укиё-э — картины повседневной жизни городского сословия периода Эдо.

Возникшая в XVII в. в среде набиравшего силу третьего сословия, менее скованная канонами, чем живопись, гравюра была наиболее массовым и доступным для горожан видом искусства. Темами для гравюр укиё-э зачастую являлись сюжеты жанровых рассказов укиё-дзоси, пьес театра Кабуки, классической и современной поэзии.
В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник. Важную роль играл издатель, изучавший спрос и определявший тираж. Зачастую именно он задавал тему гравюры и влиял на характер издания.

Процесс создания гравюры выглядел следующим образом. Художник делал контурный рисунок тушью на тонкой, прозрачной бумаге. Гравер , наклеив рисунок лицевой стороной на доску из вишни, груши или самшита, вырезал первую печатную форму. Затем делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал задуманные цвета. Резчик изготовлял необходимое количество (иногда более тридцати) печатных форм, каждая из которых соответствовала одному цвету или тону. Печатник , обговорив с художником цветовую гамму, наносил краску растительного или минерального происхождения и на влажной рисовой бумаге вручную печатал гравюру.

Коллективный метод работы художника, резчика и печатника, узкая специализация мастеров, цеховая организация процесса обусловили своеобразие японской ксилографии.

Основателем направления считается Моронобу Хисикава, Китибэ (около 1618 — около 1694; по другим источникам 1625 — около 1694, 1638−1714 гг.), японский живописец и график. Жил в Эдо. Ещё крупнейшими представителями укиё-э были Кацусика Хокусай, который известен также как основатель пейзажного жанра в японской гравюре, Андо Хиросигэ (1797−1858 гг.) — один из крупнейших японских графиков.
Хиросигэ родился в Эдо в семье мелкого самурая Андо Гэнэмона. Благодаря раннему обучению иероглифической письменности Токутаро (первое детское имя художника) также хорошо разбирался в свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.

Первая картина «Гора Фудзи в снегу», сохранившаяся до наших дней (Музей Сантори, Токио), написана художником в десятилетнем возрасте. Ему было четырнадцать лет, когда он стал учеником Тоёхиро , основателя школы Утагава . В основе ранних работ Хиросигэ — реальные события, сценки, подсмотренные на улицах.

Второй этап творчества ознаменован появлением пейзажных гравюр. Первую выпущенную в 1825 г. серию «Восемь видов Оми», посвященную красоте озера Бива, расположенного в провинции Оми, Хиросигэ изображает, не покидая Эдо. Следующая серия «Десять видов Восточной столицы», выпущенная через два года, посвящена родному городу художника — Эдо.

Затем художник полностью сосредотачивает свое внимание на пейзажах и сериях жанра катёга («цветы и птицы»). Одним из наиболее известных является лист «Воробьи над покрытой снегом камелией» из серии в 25 гравюр.

В августе 1832 г. художник проходит всю восточно-приморскую дорогу — Токайдо. Результатом путешествия явилась выпущенная им большая серия пейзажных гравюр «Пятьдесят три станции дороги Токайдо», положившая начало расцвету его творчества.
Следующий период творчества Хиросигэ во многом отличен от предыдущего. Он часто меняет место жительства, совершает неоднократные, довольно длительные путешествия по стране, но при этом совсем не создает больших пейзажных серий. Большую часть времени он посвящает иллюстрированию книг с сатирическими стихами.

В последнее десятилетие своей жизни художник не расстается с любимыми темами пейзажей Токайдо и Эдо, изображая их на отдельных гравюрах, веерах, в книгах. Хиросигэ создает серию «Тридцать шесть видов горы Фудзи». В эти же годы художник обращается к изображению причудливых скал, пещер, водопадов, ущелий и переправ через них. Своей последней пейзажной серии, состоящей из трех триптихов, Хиросигэ дал старое поэтическое наименование «Снег, луна, цветы». В течение трех последних лет жизни Хиросигэ постепенно выходили гравюры его самой большой серии — «Сто видов Эдо».

Пейзажи Хиросигэ наряду с произведениями Хокусая сделали гравюру укиё-э ведущим видом искусства первой половины ХIХ в.

Много работ Хиросигэ и Хокусая, а также других разных авторов можно помотреть на сайте Ukiyoe Japanese Prints Но будьте осторожны — там 9 галерей картин по 500 в каждой. Можно засидеться надолго!

Японская ксилография получила распространение в Эдо (Токио). В течение XVII - XIX веков Эдо был основной резиденцией сёгунов, сюда привлекались учёные, писатели и художники, что обеспечило городу мощный экономический и культурный подъём. В 1868 году после свержения сёгуната и восстановления императорской власти столица Японии была перенесена из Киото именно в Эдо. Здесь зародилось направление изобразительного искусства, которое обозначают термином "укиё-э" (в переводе с японского - "картины меняющегося мира"). Это понятие было заимствовано из философии дзэн-буддизма, для которого важно осознание бренности человеческого бытия по сравнению с Вечностью. Поэтому в школе дзэн на первый план выдвигалось постижение жизни "здесь и сейчас". Любование мимолётными мгновениями настоящего стало неотъемлемой частью японской эстетики и одним из способов естественной близости к природе и медитации в духе дзэн-буддизма.

"... Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями клёнов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё-э..." (Асаи Рёи, писатель XVII века)

Изобразительное искусство укиё-э было связано с поэзией танка и хайку (хокку), которая также стремилась в предельно простой форме передать миг настоящего и при этом вместить всё пространство и весь мир.

В чашечке цветка
Дремлет шмель. Не тронь его,
Воробей-дружок!

Цветные оттиски укиё-э были доступнее живописных свитков по стоимости и приобретались самыми разными слоями городского населения для украшения жилища. С появлением фотоаппаратов феномен укиё-э начал исчезать, поскольку фотография предстала более совершенным способом фиксации мгновения.

В японской ксилографии существовало разделение на жанры:
КАТЁ-ГА - изображения цветов и птиц
ФУКЭЙ-ГА - природные пейзажи и городские виды
БИДЗИН-ГА - изображения красивых людей
ЯКУСЯ-Э - портреты популярных актёров театра кабуки
МУСЯ-Э - изображения знаменитых самураев
СЮН-ГА ("весенние картинки") - эротические гравюры

КАТЁ-ГА
Практически все виды садовых цветов проникли в Японию из Китая, включая хризантему (по-японски "кику" - "цветок солнца"), которая вскоре стала национальным цветком страны. Названия оттенков японских хризантем носили поэтический характер: "утренняя заря", "вечерний заход солнца", "северный ливень", "туманное утро", "львиная грива", "блеск меча"".
В 1496 году в Киото вышла книга с ботаническим описанием более 10 разновидностей хризантем, резко отличавшихся друг от друга по форме цветка и окраске. Цветной печати в то время ещё не было, поэтому оттенки сортов описывали словами. С повлением цветной гравюры начали выходить многотомные альбомы-сборники, в которых на первый план выходил не описательный, а художественно-изобразительный аспект.
В XVIII веке в Киото на "улице художников" Сидзё была основана школа японской классической натуралистической живописи Маруяма-Сидзё. Её основатель, художник Маруяма Окё объединил натурализм, светотень и перспективу западной школы с традиционными восточными техниками изображения.

Одним из учеников Маруяма-Сидзё стал Коно Байрэй - прославленный мастер катё-га. Он создал огромное количество станковых гравюр, несколько книг и альбомов. Особое место в его творчестве занимает "Альбом птиц и цветов" (1883), в котором художник изображает птиц и цветы в определённое время года. Гравюры выходили как отдельными изданиями, так и комбинировались блоками: весна-лето, осень-зима. Альбом с гравюрами "Сто птиц" выдержал три издания в 1891, 1892 и 1896 годах. Альбом "Сто цветущих растений" впервые был издан посмертно в 1901 году.

БИДЗИН-ГА
С развитием крупных городских центров Эдо и Осаки на свитках и ширмах появляются сцены с традиционными праздниками и развлечениями горожан. Центральными персонажами этих картин становятся молодые столичные модницы и щёголи в броских нарядах. Большое распространение получили портреты куртизанок, которые служили рекламой для "весёлого" квартала Ёсивара. Несмотря на рекламный характер, бидзин-га редко позволяли оценить истинный облик конкретной красавицы. Скорее это был собирательный портрет, отражающий веяния моды в костюме, гриме и причёске.

Затянут узкий пояс.
От взора юной красавицы
Сквозит холодком.
Признанным мастером жанра считается Китагава Утамаро. Женский образ в его работах подвергался усиленной типизации. Идеалом женской красоты в произведениях мастера становятся вытянутые овал лица и пропорции тела, традиционная высокая причёска, глаза, очерченные минимальным количеством штрихов, тонкие линии губ и прямой нос. При этом для изображения одной детали Утамаро мог употреблять несколько десятков досок! Благодаря постоянным поискам мастера, палитра укиё-э обогатилась множеством нюансных тонов. Так, например, художник впервые стал смешивать золотой и серебряный порошок для достижения эффекта мерцания фона.

На гравюре изображены три красавицы Эдо - Нанбая О-Кита, Такасима О-Хиса и Томимото Тоёхина. О-Кита работала официанткой в чайном доме, который располагался перед воротами Дзуйсинмон в Асакуса, Тоёхина была гейшей в Ёсивара. Такасима О-Хиса (рисунок справа) происходила из богатой семьи, она была дочерью владельца нескольких чайных домов в районе Рёгоку Ягэнбори. В книге "Мидзутяя хякунин иссё" (1793), где сравнивались сто девушек из чайных домов, О-Кита была на 16-м, а О-Хиса на 17 месте.

Соревнование в аранжировке цветов между Такасимой О-Хисой и О-Китой

Созданный Утамаро идеал женской красоты вдохновлял как современников, так и более молодых художников. Среди последователей мастера стоит упомянуть Эйсё Тёкасая . Наиболее значимая серия его гравюр - "Состязание красавиц весёлых кварталов" - демонстрирует постепенное усложнение жанра: развитие многофигурных композиций и наполнение портретов многочисленными деталями.

Утагава Кунисада

Тоёхара Кунитика , ученик Утагавы Кунисады, изображает куртизанок высшего ранга, отличительным умением которых было создание впечатления роскоши и неприступности. Таю (так их называли в Осаке и Киото) и ойран (в Эдо) мастерили очень сложные причёски с большим количеством украшений, надевали кимоно в три и более слоёв с длинным шлейфом и огромным декоративным бантом спереди. В работах Кунитики композиция становится сложной и многослойной, подобно одеяниям и прическам гейш, пронзёнными десятками шпилек - "канзаси".
"Три знаменитые куртизанки"

МУСЯ-Э
На протяжении многих тысячелетий история Японии - это история непримиримых межклановых войн и борьбы за власть между сёгунами. Согласно легендарным "Записям о делах древности" (708 г.) и "Анналам Японии" (720 г.), императоры являются прямыми потомками богини солнца Аматэрасу. Династия не прерывалась с VI века до н.э.до нынешнего правящего императора Акихито. С XII века родовым гербом ("мон") является 16-листная хризантема.
Чтобы удержать власть, императорский род заключал союзы с другими крупными кланами. Вследствие этого, в 1192 году Минамото Ёритомо стал первым военным правителем страны - сёгуном. Титул появился как сокращение от временного звания сэйи-тайсёгун ("главнокомандующий"). В отличие от императора, его фигура не была сакральной, однако он стал фактическим главой правительства - бакуфу.
Самураи ("буси") - не просто воины, но чиновники, а также телохранители и слуги своего сюзерена. "Золотой век" для самураев наступил в эпоху Эдо, когда они получили множество привилегий. И было разрешено носить два меча, большой и малый, тогда как остальные могли носить только один малый меч. Токугава Иэясу назвал меч "душой" самурая. Он являлся фамильным достоянием и сакральным предметом.
Каждый самурай развивал силу духа с помощью практики дзэн-буддизма, руководствуясь сводом этических правил и норм поведения в обществе и дома - Бусидо или "Путь воина".
В 1868 году власть императора была восстановлена. Началась стремительная модернизация страны по образцу Англии и США, в 1873 году в самурайские войска были распущены. В 1876 году вышел закон, запрещавший ношение мечей и упразднивший само сословие.

Летние травы
Там, где исчезли герои,
Как сновиденье.
(Мацуо Басё)

Утагава Ёсикацу
Такэда Сингэн (серия "Знаменитые полководцы нашей страны")
Утагава Куниёси
Ямамото Кансукэ (Харуюки) в битве при Каванакадзима (серия "Отважные полководцы провинции Каи и Этиго - 24 полководца клана Такэда")

Такэда Сама-но-сукэ Нобусигэ (серия "Сто отважных полководцев битвы при Каванакадзима в провинции Синано")

ФУКЭЙ-ГА

Хокусай (1760 - 1849)
Выдающийся мастер ксилографии, по его собственным дневниковым признаниям, до 70 лет не создал ничего значительного и только позже начал непрерывно развиваться. На протяжении своей долгой жизни он использовал не менее 30 псевдонимов, существенно превзойдя в этом отношении других авторов. Сейчас эти псевдонимы рассматриваются исследователями для периодизации этапов творчества мастера. В 1800 году, в возрасте 41 года, он стал называть себя Гакэдзин Хокусай - "Одержимый рисунком Хокусай".
Художник обращался к различным жанрам ксилографии: среди них портреты актёров, поздравительные открытки "суримоно", манга. Но именно в пейзажном жанре "фукэй-га" соединились все находки мастера. Классический дальневосточный пейзаж игнорировал реальный облик объекта, стремясь посредством природных форм воплотить философские идеи бытия, в то время как у Хокусая он всегда связан с конкретной местностью, топографические особенности которой нередко уточняются с помощью надписей. Также он впервые соединил в гармоничном единстве законы перспективного построения пространства и линеарный ритм укиё-э, пейзажные виды и бытовые мотивы, активно встраивая жизнь людей в единый вселенский порядок.

Хокусай создал свою самую известную серию работ в зрелый период творчества с 1823 по 1831 годы. Серия имела такой небывалый успех, что издатель Нисимура Ёхати вскоре анонсировал планы по её расширению до 100 гравюр. Однако свет увидели только 10 новых работ в 1831 - 32 гг.
В первых 36 видах священная гора Фудзи изображена со стороны Эдо, поэтому эти гравюры называются "омотэ Фудзи" ("Фудзи с лицевой стороны"). Вопреки сложившейся традиции, изначальные контуры работ отпечатаны не черным цветом, а синим - индиго, что усиливает контраст холодных и тёплых тонов неба, воды и горного камня. На последующих 10 гравюрах изображение представлено преимущественно с западной стороны, поэтому они называются "ура Фудзи" ("Фудзи с обратной стороны").

Тихо, тихо ползи,
Улитка, по склону Фудзи
Вверх, до самых высот!
(Кобаяси Исса)

1. "Большая волна в Канагаве"

Хиросигэ (1787 - 1858)
Андо Хиросигэ - самый успешный последователь Хокусая. В знак почтения к творчеству учителя Хиросигэ создал после его смерти одноимённую серию "36 видов горы Фудзи". Хиросигэ активно совершенствовал технические приёмы ксилографии. Отличительными чертами его гравюр стало использование тиснения и метода градации цветовых тонов, "бокаси", для передачи тумана, сумерек или леса за пеленой дождя.
Родившись и большую половину жизни прожив в Эдо, мастер практически пятую часть из всех созданных листов посвятил видам родного города. Последняя серия работ носила название "100 известных видов Эдо" и была выполнена мастером в период, когда он уже удалился от мира в буддийский монастырь в 1856 году.
Хиросигэ много путешествовал по Японии и создал несколько альбомов зарисовок с видами провинций.

Серия "53 станции Токайдо"
Токайдо или "Путь восточного моря" - одна из главных дорог Японии протяжённостью около 514 км соединяла столицу сёгуната Эдо с императорским городом Киото и далее с Осакой. Ни один из сюжетов, за исключением Фудзи, не был так популярен, как изображение этого древнего тракта. Хиросигэ преодолел его в 1832 году в составе торжественной процессии, направлявшейся в Киото с подарками императору. Серия состоит из 55 гравюр, т.к. к 53 станциям добавлены виды Эдо и Киото.

Переносной очаг.
Так, сердце странствий, и для тебя
Нет покоя нигде.
(Мацуо Басё)

15 станция - Камбара

ФУДЗОКУ-ГА
Фудзоку-га ("картины нравов и обычаев") в западной традиции принято называть бытовым жанром. Оживлённые пристани, торговые и ремесленные районы изображались в разное время суток в разные сезоны. Первые 10 листов своей серии "36 видов Фудзи", а также позднюю серию "100 знаменитых видов Эдо" Хиросигэ посвятил видам восточной столицы и её жителям.

С треском шелка разрывают
В лавке Этигоя...
Летнее время настало!
(Такараи Кикаку)

Хиросигэ "Вечерний вид Сарувакачо" (серия "100 знаменитых видов Эдо и его окрестностей")

Хиросигэ "Район Суруга в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Хиросигэ "Цветение сакуры в Асукаяма в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Хиросигэ "Зимний вид со стороны Сукиягаси в Эдо" (серия "36 видов горы Фудзи")

Городские пейзажи в рисунках мастеров укиё-э подчёркнуто реалистичны, впрочем нередко в них встречаются мотивы мистики и народных поверий. Например, изображение огненных лисиц, которые, согласно легенде, владеют волшебством и служат синтоистской богине Инари, а также собираются стаей в новогоднюю ночь под деревом эноки.
Андо Хиросигэ "Лисьи огни" у Железного дерева переодеваний в Одзи" (серия "100 знаменитых видов Эдо и его окрестностей")

Встречаются и просто юмористические сюжеты. У Хиросигэ для таких листов был даже отдельный псевдоним - "Хиросигэ с игривой кистью". Работы самого Хиросигэ стали предметом иронии его же ученика Утагавы Хирокагэ . Его серия "Комические виды знаменитых мест в Эдо" напрямую отсылает к знаменитой серии учителя, с той лишь раздницей, что в ней городские жители попадают во всевозможные неловкие ситуации, чем вызывают смех у зрителя.

ЯКУСЯ-Э

Слово "кабуки" складывается из трёх иероглифов "песня", "танец" и "мастерство", это один из видов традиционного театра Японии, который представляет собой сложный синтез пения, музыки, танца и драмы.
В отличие от аристократического театра НО, кабуки считается искусством для горожан и простого народа. Театр, в котором все женские роли исполняются исключительно мужчинами, был создан женщиной. Основательницей кабуки считается легендарная храмовая танцовщица Идзумо-но Окуни, которая впервые начала показывать ритуальные танцы под аккомпанимент музыкальных инструментов за пределами святилища. В 1629 году правительство третьего сёгуната Иэмицу запретило любые представления с участием женщин, как подрывающие моральные устои общества.
В кабуки все элементы, начиная с грима актёров, костюмов, заканчивая позами, несут большую смысловую нагрузку. Пьеса гораздо длиннее, чем европейские постановки: отдельные представления могут длиться весь день! Декорации постановок часто меняются в середине акта: их меняют рабочие, облачённые в черные костюмы, что означает их "невидимость".
Кабуки имеет тесную взаимосвязь с традиционным кукольным театром бунраку. Куклы изготавливаются в размере 1/2 и 2/3 человеческого роста и управляются тремя операторами. Практически все части тела куклы очень подвижны, включая голову, у которой моргают и двигаются глаза, шевелятся брови и губы, высовывается язык. Две самые известные пьесы японского театра - "47 верных ронинов" и "Ёсицунэ и тысяча ветвей сакуры" - изначально были написаны для бунраку и лишь затем адаптированы для театра кабуки.

Утагава Кунисада
Сцены театра Кабуки