31 августа 1892 года меценат Павел Михайлович Третьяков предложил Московской городской думе передать в дар городу созданную им художественную галерею. Третьяковская галерея по сей день остается главным культурным местом Москвы, а с некоторыми картинами Третьяковки связано множество тайн. Мы расскажем о шести из них.

Чудотворная икона

Третьяковской галереи было завещано более 60 икон, однако самая таинственная из них — Владимирская икона Божией Матери.

Летописцы рассказывают, что икона избавила Москву от хана Махмет-Гирея. Утром 21 мая 1521 года татары увидели на другой стороне Оки «несметные войска русские» и с ужасом сообщили об этом хану. Хан не поверил и послал разведчиков удостовериться. Посланные действительно увидели множество войска и сказали: «Царь, что же ты медлишь? Побежим скорее, на нас идет безмерное множество войска от Москвы». Жестокий, могущественный Махмет-Гирей отступил.

В сентябре 1999 года одна из главных православных святынь России была передана в храм Святителя Николая при Третьяковской галерее. Там она хранится и поныне под пуленепробиваемым стеклом, а специальные приборы поддерживают особый режим температуры и влажности.

Этой иконе уже более 9 веков, и слой лака на иконе претерпел цветовые и структурные изменения, начал понемногу отслаиваться. Все это требовало проведения реставрационных мероприятий. За долгий период проведения всевозможных реставраций на иконе всегда оставались нетронутыми два места — это лики Божьей матери и младенца.

Истина с двойным слоем

Одно из самых таинственных произведений Третьяковки — картина Николая Ге «Что есть истина?». На полотне изображен слабый, изможденный, но несломленный Христос, к которому обращается Понтий Пилат. Картина не понравилась императору Александру III. «Ну какой же это Христос? Это больной Миклухо-Маклай», — прокомментировал царь.

Однако картина оказалась не так проста, как полагал самодержец и другие любители искусства. Перед реставрацией картины была проведена экспертиза, которая показала, что под живописным слоем картины находится другая работа — «Милосердие». Картина «Милосердие» была написана в 1879 году и на следующий год экспонировалась на 8-й выставке Товарищества передвижных Художественных выставок. Критика отнеслась к «Милосердию» отрицательно, и через 10 лет, в 1890 году, художник использовал полотно для работы над новой картиной — «Что есть истина?». Со временем верхний слой красок стал более прозрачным, и между головами Пилата и Христа стало проступать написанное ранее изображение.

Работа по распознаванию старого красочного слоя выявила еще один сюрприз. Под верхним слоем краски оказались также ранние варианты картины «Распятие».

Реабилитация Венецианова

До 1986 года, вплоть до большого ремонта га-лереи, картина Алексея Венецианова «Петр Великий. Основание Санкт-Петербурга» висела на парадной лестнице. Ученые отмечали странности картины: небо было каким-то «невенецианов-ским», а Гром-камень — основание «Медного всадника» — выглядел гораздо меньше, чем в реальности.

В 1986 году картину перенесли в депозитарий, а в 2005 году, когда галерею готовили к 150-летнему юбилею, «Петра…» отправили на плановую реставра-цию. Рентгенограмма, проведенная перед реставрацией, показала, что у картины есть второй слой!

Камень на втором слое выглядит гораздо больше, а у Петра там другие глаза — «венециановские». Кроме того, отличается лицо царя. Как установили эксперты, на картине произошел разрыв холста, и реставратор, подправляя ри-сунок, в итоге «записал» все творение Венецианова. Сотрудники открыли нижний слой и отреставрировали. В результате кар-тина стала подлинно венециановской.

Четыре медведя и два автора

Многие россияне называют картину Ивана Шишкина и Константина Савицкого «Утро в сосновом лесу» более прозаично — «Три медведя» — несмотря на то что на картине медведей не три, а четыре. Это связано с тем, что в советские времена продавались конфеты «Мишка косолапый» с репродукцией данной картины на фантике - а там поместились только три медведя.

Однако главная особенность картины заключается не в названии, а в подписи. Несмотря на то что полотно написано двумя художниками (Савицкий написал тех самых медведей, а Шишкин — красивый лес и пробивающийся сквозь деревья свет), внизу стоит подпись только Шишкина.

Дело в том, что когда картину приобрел Третьяков, он снял подпись Савицкого, поскольку в картине, «начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Впрочем, Савицкий этому не противился и отмечал, что добровольно отказался от авторского права.

Картина сменила пол

40 лет назад «Портрет неизвестного в треуголке» Федора Рокотова поразил любителей искусства. Выяснилось, что на портрете изображен не мужчина, а женщина: под верхним слоем краски обнаружились брошь и декольте. Эксперты узнали историю картины: однажды близкий друг заказал Рокотову портрет любимой супруги. Но жена умерла, а он женился во второй раз. Тогда друг попросил художника так «дорисовать» портрет покойной, чтобы он мог любоваться ею, не оскорбляя чувств второй супруги. Тогда живописец решил изменить пол персонажа картины и сделал из него «неизвестного».

«Явление Христа народу» А.А. Иванов

А.А. Иванова можно назвать «художником одной картины». Эпическое полотно «Явление Христа народу» он писал 20 лет. На картине изображен момент сошествия Христа к реке Иордан и встречи его с Иоанном Крестителем. Моделями для многих персонажей картины послужили реальные люди – в частности, сам художник и его друг Н.В. Гоголь.

Картина была выставлена в Санкт-Петербурге в мае 1858 года, а через полтора месяца художник скончался. Когда в 1925 году картину было решено переместить в Третьяковскую галерею, для громадного полотна размером 5,4 х 7,5 метров не нашлось подходящего по размеру помещения, и для нее к основному зданию галереи пришлось пристраивать отдельный зал.

☼ ☼ ☼

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» («Иван Грозный убивает своего сына»), И. Е. Репин

До сих пор точно не известно, действительно ли Иван Грозный убил своего сына в припадке ярости, или это историческая легенда. Но это и неважно. На картине И.Е. Репина изображено главное – глубинная сущность зла, выросшего из упоения властью, деспотизма и вседозволенности. Это не только ошеломляющее по силе воздействия полотно, но и яркий индикатор человеческой злобы и нетерпимости.

Картина «Иван Грозный» стала первым в истории России произведением живописи, которое подверглось цензуре. Император Александр III запретил П. Третьякову, который купил картину, выставлять ее либо показывать частным образом. Сам Третьяков испытывал настолько сильное негативное эмоциональное воздействие этого произведения, что ему пришлось переместить полотно в отдельное помещение. В 1913 году картина подверглась вандализму – была изрезана неуравновешенным старообрядцем-иконописцем. В 2013 г. группа агрессивных православных активистов попыталась организовать удаление картины из экспозиции музея.

☼ ☼ ☼

«Апофеоз войны» В.В. Верещагин

«Апофеоз войны» - глубоко символичная картина знаменитого художника-баталиста Верещагина, которому довелось участвовать в военных действиях по всему миру, от Балкан до Туркестана, Индии и Китая. Это яркий и выразительный протест против войн и насилия.

Сам Верещагин с горькой иронией определял жанр своей картины так: «если не считать ворон, то это натюрморт, в переводе с французского "мертвая природа"». Действительно, огромная гора черепов, иссеченных саблями и пробитых пулями, в иссохшей каменной пустыне под ярко-синим небом – «мертвая природа», закономерный итог любых военных конфликтов. На раме картины сделана надпись: «Посвящается всем великим завоевателям - прошедшим, настоящим и будущим».

☼ ☼ ☼

«Боярыня Морозова» В. И. Суриков

Эпическое историческое полотно было написано В. Суриковым по мотивам «Повести о боярыне Морозовой» - жизнеописания героини старообрядческого движения, которое было популярно в его родных сибирских краях. Картина «Боярыня Морозова» до сих пор остается одной их центральных в экспозиции Третьяковской галереи. Критики того времени сравнивали ее с «персидским ковром» за изображение пестрой многоликой толпы, образующей своеобразный «узор». Примечательно, что лица всех изображенных персонажей, даже второстепенных, строго индивидуальны и тщательно выписаны. Для этой картины Суриков создал более сотни портретных этюдов!

☼ ☼ ☼

«Кружевница» В. А.Тропинин

До 47-летнего возраста В.А. Тропинин был крепостным. Правда, его хозяин, граф Морков, заметил художественное дарование юноши и на несколько лет отправил его учиться в петербургскую Академию художеств, но позже Тропинину пришлось долгие годы совмещать обязанности придворного живописца и слуги. Он получил «вольную» лишь в 1823 г., и в этом же году написал картину «Кружевница», поразившую художественных критиков лиризмом и непосредственностью. Произведение пронизано духом интимности и радости повседневной жизни. Задушевные женские образы Тропинина стали классикой русской живописи, а его самого называли «Русским Рембрандтом».

☼ ☼ ☼

«Утро в сосновом лесу» И. Шишкин, К. Савицкий

Картина «Утро в сосновом лесу» больше известна в России под народным названием «Три медведя». Во времена СССР выпускались популярные шоколадные конфеты «Мишка косолапый», на обертке которых была изображена репродукция этого произведения. На самом деле медведей на картине четыре, а не три. Затянутый утренним туманом вековой бор принадлежит кисти непревзойденного мастера пейзажа И. Шишкина, забавных медвежат написал художник Константин Савицкий. Но после приобретения картины П. Третьяков стер подпись Савицкого, поэтому ее авторство долго приписывали одному Шишкину.

☼ ☼ ☼

«Демон сидящий» М. Врубель

Врубелевские образы демонов – уникальное явление в русской живописи. Они не имеют ничего общего с библейским воплощением зла. Демоны Врубеля олицетворяют силу и величие человеческого духа, обуреваемого сомнениями, скорбью и страданиями. Наиболее выразителен в этой галерее образов «Демон сидящий». Он воплощен в образе юноши, словно зажатого между верхней и нижней гранью картины на фоне пылающего заката. Эффект тревоги и смятения подчеркивает специфическая, неповторимая живописная манера Врубеля, - резкие вибрирующие мазки, напоминающие мозаику. Вопреки распространенному мнению, «Демон» написан еще до того, как Врубель начал иллюстрировать одноименную поэму Лермонтова.

☼ ☼ ☼

«Богатыри» В. Васнецов

«Богатыри» - не только самая известная картина В. Васнецова, но и одно из самых популярных художественных произведений в России. Ее знают все от мала до велика, чаще под названием «Три богатыря». Богатырская тематика – основа народной мифологии Руси. Имена Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, доблестных защитников русского народа, знакомы нам с детства.

В. Васнецов писал картину «Богатыри» более 20 лет, доводя до совершенства каждую деталь. Он считал эту работу своим «творческим долгом, обязательством перед родным народом». Меценат Савва Мамонтов построил в имении Абрамцево отдельный павильон, где Васнецов мог работать над огромным полотном. Прообразом Ильи Муромца стал кузнец из Абрамцева Иван Петров, Алеши Поповича – младший сын Мамонтова Андрей. А вот Добрыня Никитич – собирательный образ самого художника, его отца и деда.

☼ ☼ ☼

«Девочка с персиками» В.А. Серов

«Девочка с персиками» - одно из самых радостных, свежих и лирических живописных полотен конца XIX века. Она была написана двадцатидвухлетним В. Серовым в Абрамцево – усадьбе мецената Саввы Мамонтова, где часто собирались известнейшие художники того времени. На портрете изображена дочь хозяина, 12-летняя Вера Мамонтова. Кстати, персики, разложенные на столе, вовсе не были привезены из теплых краев, их выращивал в оранжерее усадьбы садовник-виртуоз. Позже В. Серов стал одним из лучших портретистов Европы и увековечил многих знаменитых современников, но «Девочка с персиками» до сих пор остается самой известной его работой.

☼ ☼ ☼

«Купание красного коня» К.П. Петров-Водкин

«Купание красного коня» К. Петрова-Водкина – одно из самых необычных и символичных живописных произведений начала ХХ века. Оригинальная сферическая перспектива и цветовая гамма картины созданы под влиянием традиций русской иконописи и итальянских фресок. Когда критики обвинили художника в том, что красных коней не бывает, он показал им древнерусские иконы, на которых кони были того же цвета. В русской иконописи красный цвет обозначает величие жизни, а иногда и жертву. Современники считали картину Петрова-Водкина пророческой и ассоциировали красного коня с Россией, которую не в силах удержать юный хрупкий всадник.

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl + ↵

Эти художники удивляют своим талантом и способами, которыми они создают свои гиперреалистичные картины. В это трудно поверить, но это не фото, а настоящие картины, нарисованные карандашом, красками и даже шариковыми ручками. Мы не понимаем, как у них это получается?! Просто наслаждайтесь их творчеством.

Омар Ортиз (Omar Oritz) — художник-гиперреалист из Мексики, бакалавр графического дизайна. Основной сюжет его картин — человеческие фигуры, в основном обнаженные женщины. На картине художник выделяет три элемента: фигуру человека, драпированные ткани, белый цвет. Особенность работ Омара — минималистический стиль, лаконизм в передаче тонких изгибов и линий тела, работа маслом.

Пол Кадден (Paul Cadden) — современный художник мирового уровня из Шотландии. Для своих работ Пол использует лишь белый мел и графит, с помощью которых может воссоздать практически любую фотографию, уделяя внимание незаметным мелким деталям. Как признается сам художник, он не придумывает новых деталей, а лишь подчеркивает их, тем самым создавая иллюзию новой реальности, которую зачастую не видно на оригинальных фотографиях.

Камалки Лауреано (Kamalky Laureano) — художник родился в Доминиканской Республике в 1983 году, в настоящее время живет и работает в Мехико. Камалки окончил школу дизайна и искусств, специализируется на создании гиперреалистичных портретов. Сюжеты сложно отличить от настоящих фото, хотя они написаны акриловыми красками на холсте. Для автора его работы — не просто подражание фотографиям, а целая жизнь, воплощенная на холсте.

Грегори Тилкер (Gregory Thielker) — родился в Нью-Джерси в 1979 году, изучал историю искусств и живопись в Вашингтонском университете. Переезд в Бостон стал отправной точной в его работе над гиперрреалистичными городскими пейзажами, которые сделали его знаменитым на весь мир. Картины Тилкера — это путешествие на машине в холодный дождливый день. Вдохновленный работами художников 70-х, автор создает свои реалистичные картины при помощи акварели и масляных красок.

Ли Прайс (Lee Price) — художница из Нью-Йорка, окончила университет по специальности живопись, занимается фигуративной живописью. Основной сюжет работ Ли — непростое отношении женщин к еде. Зритель словно со стороны наблюдает за женщинами, которые в тайне едят что-то вкусное, но вредное. Сама художница говорит, что в своих работах пытается показать тот факт, что женщины наделяют еду не присущими ей качествами, ищут утешение в неподходящем источнике. На картинах передана абсурдность ситуации, попытка сбежать от реальности, облегчить неприятные ощущения.

Бен Вайнер (Ben Weiner) родился 10 ноября 1980 года в Бёрлингтоне, Вермонт, окончил университет искусств, рисует маслом на холсте. Особенность работ художника — необычный сюжет. Бен рисует краски! Сначала художник наносит краски на рабочую поверхность, фотографирует их, а затем с готового фото пишет картину на холсте.

Родился в 1950 году в Северной Калифорнии, известен своими реалистичными акриловыми изображениями на холсте. В детстве автор делил любовь к рисованию с успехами в спорте, но травма спины определила основной род деятельности Рэя. Как признался художник, рисование отвлекало его от постоянных болей в спине. Мастер еще в юные годы получил широкое признание и множество наград на художественных конкурсах.

Алисса Монкс (Alyssa Monks) живёт и создает свои картины в Бруклине, приобрела широкую известность благодаря своим реалистичным «мокрым» картинам. Художница использует такие фильтры, как вода, стекло или пар для создания абстрактных конструкций. Для работы Алисса часто использует фотографии из личных архивов родных и друзей. Женские лица и фигуры на картинах похожи между собой — художница часто рисует автопортреты, так как утверждает, что ей так «проще» создавать необходимый сюжет.

Педро Кампос (Pedro Campos) — гиперреалист из Мадрида, начал писать картины маслом лишь в возрасте 30 лет. Свои реалистичные натюрморты художник создает при помощи масляной краски. Кампос работал дизайнером интерьеров, иллюстратором, художественным реставратором мебели, скульптур и картин. Художник считает, что именно работа реставратором помогла ему отточить свое мастерство.

Дирк Дзимирский (Dirk Dzimirsky) — художник из Германии, родился в 1969 году, получил художественное образование, работает в карандашной технике. Художник рисует картины с фотографий, не вдаваясь в мельчайшие подробности, много импровизирует. Дирк говорит, что работая над картиной, он представляет живую модель, поэтому фото он использует лишь для доскональной передачи заранее установленных пропорций. Своей главной задачей автор считает создание ощущения присутствия субъекта на картине.

Томас Арвид (Thomas Arvid) — американский художник-гиперреалист из Нью-Орлеана, который родился и вырос в Детройте, не имеет никакого формального образования, мастер так называемого «негабаритного» натюрморта. Его серия реалистичных картин «Винный погреб» — это пробки, бутылки, бокалы с искрящимися или густо-красными напитками. Авторитетные критики и издания отметили более 70 работ художника. Картины мастера украшают не только стены виноделен и престижных винных салонов, но и частные коллекции и галереи.

Робин Элей (Robin Eley) родился в Британии, вырос и продолжает жить и работать в Австралии, имеет степень бакалавра изобразительных искусств, награжден Национальной портретной премией Doug Moran. Свои гиперреалистичные картины он создает маслом, а основным «коньком» считает сюжет «люди и целофан». Мастер работает над одной картиной примерно 5 недель по 90 часов в неделю, практически каждая картина изображает людей, обёрнутых в целлофан.

Сэмюэль Сильва (Samuel Silva) — португальский художник-любитель без специального образования, который на личном примере доказывает, что создать шедевр можно из чего угодно. При создании картин художник использует палитру из восьми цветов шариковых ручек от фирмы Bic. По профессии Сильва юрист, а свое увлечение рисованием считает не более чем хобби. Сегодня известный во всем мире художник-самоучка осваивает новые техники живописи при помощи красок, мела, цветных карандашей, пастели и др.

Готфрид Хельнвайн (Gottfried Helnwein) — австрийский художник, автор гиперреалистичных картин на социальные, политические и исторические темы, «мастер неожиданного узнавания», как назвал его писатель У. Берроуз. Автор получил образование в Венской академии изобразительных искусств, относится к художникам высокого профессионального уровня. Славу ему принесли в некоторой степени спорные сюжеты, сюрреалистические композиции. Нередко мастер изображал на своих картинах героев комиксов и признается, что «узнал от Дональда Дака больше, чем во всех школах, в которых учился».

Франко Клун (Franco Clun) — итальянский художник-самоучка, который всем другим художественным техникам предпочитает рисунок графитом. Его черно-белые реалистичные картины — это результат самостоятельного изучения Франко различной литературы по технике рисования.

Кельвин Окафор (Kelvin Okafor) — художник-гиперреалист, родился в 1985 году, живет и работает в Лондоне. Кельвин получил образование по специальности изящное искусство в Middlesex University. Свои картины автор создает простым карандашом, основная тематика его работ — портреты знаменитостей.

Эми Робинс (Amy Robins) — британская художница, которая для своих гиперреалистичных работ использует цветные карандаши и плотную бумагу. Художница имеет образование в области искусства и дизайна, степень бакалавра изобразительного искусства, живет и работает в Бристоле. Про молодого автора известно мало, но ее работы уже успели прославиться на весь мир, поражая своей реалистичностью и техникой исполнения.

Роберт Лонго (Robert Longo) — американский художник и скульптор, родился в Бруклине в 1953 году, награжден легендарной премией Goslar Kaiser Ring. Свои трехмерные изображения ядерных взрывов, смерчей, ураганов и акул художник рисует углем на бумаге. Лонго часто называют «художником смерти». Знаменитая картина Untitled (Skull Island) с изображением волны была продана на аукционе Christie’s в Лондоне за $392 тыс.

Диего Фацио (Diego Fazio) — художник-самоучка, родился в 1989 году в Италии, не имеет художественного образования, начинал с разработок эскизов для татуировок, со временем разработал свою технику рисования. Молодой художник был участником многих международных конкурсов, где занимал призовые места, представлялся на выставках по всему миру. Художник работает под псевдонимом DiegoKoi.

Брайан Друри (Bryan Drury) родился в 1980 году в Солт-Лейк-Сити, имеет диплом об окончании Нью-Йоркской Академии Искусств, создает картины в жанре реализма. Свои картины художник пишет при помощи масляных красок. Как признается автор, в своих работах он пытается фокусироваться на органических качествах кожи, ее недостатках.

Стив Миллс (Steve Mills) — американский художник, который в 11 лет продал свою первую картину. Свои картины художник создает масляными красками, акцентируя внимание на мельчайших деталях повседневной жизни, которые мы зачастую не замечаем в вечной спешке. Художник отмечает, что изображает предметы такими, какие они есть в реальной жизни, без изменения и преувеличения их первоначальной формы.

Пол Лунг (Paul Lung) родился в Гонконге, рисует автоматическим карандашом на листах формата А2. Особенность техники создания картин — принципиальный отказ от использования ластика, все работы рисуются начисто. Главные «музы» художника — кошки, хотя он рисует и людей и других животных. На каждую работу у автора уходит не меньше 40 часов.

Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) родился в Италии, увлекся гиперреализмом в 19 лет, работал в качестве реставратора в церкви Сан-Франческо. Для создания картин использует масляные краски. Мировую славу художнику принесла серия работ, изображающая предметы, характерные для общества потребления. Картины со сладостями, торговыми автоматами, полками холодильника — визитная карточка художника, хотя в его арсенале есть пейзажи, натюрморты и многое другое.

Хуан Франсиско Касас (Juan Francisco Casas) — испанский художник, который создает свои картины обычной шариковой ручкой марки Bic. Касас был традиционным художником, который решил доказать окружающим, что важен не материал для работы, а способ и техника рисования. Первая же выставка креативного испанца принесла ему мировую славу. В основном на картинах Касаса изображены его друзья.

Тереза Эллиотт (Teresa Elliott) - американская художница, которая до создания реалистичных картин маслом, на протяжении 26 лет успешно работала иллюстратором. Тереза имеет степень бакалавра изящных искусств, вернувшись к классическому искусству, стала знаменита во всем мире благодаря своим правдивым до мельчайших деталей портретам.

Третьяковская галерея – самый большой музей русской живописи в мире. История которого началась с частной коллекции Павла Третьякова.

Художники мечтали, чтобы их работы покупал именно он. Хотя Третьяков не всегда готов был платить много. Потому что многих подкупал этот меценат со скромным характером и демократичными взглядами.

Когда Третьяков передал свою галерею в дар Москве, Александр III пожаловал ему дворянский титул. Но Третьяков отказался, считая себя недостойным этого!

Его вкус был тоже особым. Он хотел видеть в картине правдивость, искренность и душевность. Игнорировал работы академические и пафосные, созданные с целью поразить публику.

Поэтому многие купленные им работы выдержали проверку временем и признаны шедеврами. О нескольких из них я и расскажу.

1. Иван Шишкин. Рожь. 1878 г.

Иван Шишкин. Рожь. 1878 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва. Приобретена П. Третьяковым.

На картине «Рожь» мы видим невероятное сочетание желтой низкой ржи и высоченных старых сосен. А ещё много интересных деталей. Очень низко летающие стрижи. Идущие по дороге люди с косами.

Шишкина часто упрекали в чрезмерном фотографичности. И в самом деле, если вы приблизите изображение, то разгладите чуть ли не каждый колосок.

Но не все так просто. Среди величавых сосен стоит сосна погибшая, возможно от ударившей молнии. О чем нам хочет сказать художник? О том, что любая сила может быть в одночасье сломлена?

Пережив смерть жены и двоих детей, Шишкин вполне мог такое настроение перенести на холст. Но даже если так, он при этом делал все, чтобы показать красоту русской природы.

Качественную репродукцию этого шедевра можно заказать

2. Архип Куинджи. После дождя. 1879 г.

Архип Куинджи. После дождя. 1879 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Приобретена П. Третьяковым

Главный герой всех картин Куинджи – это свет. Причём обычный свет художник непостижимым образом превращал в волшебный. Выбирая самые красочные явления природы. Как и на картине «После дождя».

Только что прошла страшная гроза. Коричнево-фиолетовое небо выглядит устрашающе. Но пейзаж уже освещается первыми лучами. Вот-вот созреет радуга. Трава после дождя – чистого изумрудного цвета.

Нет уверенности, что Куинджи писал только с натуры. Вряд ли бы лошадь оставалась на открытом пространстве в сильную грозу. Скорее всего, ее фигура добавлена для усиления контраста. Между грозовым небом и освещённой солнцем травой.

Куинджи был оригинален не только, как художник. Но и вообще, как человек. В отличие от многих своих не очень обеспеченных коллег, он разбогател благодаря удачным сделкам с недвижимостью. Но жил очень скромно, все свои деньги раздавая нуждающимся.

3. Виктор Васнецов. Три царевны подземного царства. 1881 г.

Виктор Васнецов. Три царевны подземного царства. 1881 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Поступила в 1910 г. по завещанию М. Морозова

Картину «Три царевны» заказал Савва Мамонтов специально для конторы каменноугольной железной дороги. Васнецов взял за основу народную сказку о золотой, серебряной и медной царевнах.

Но сильно ее видоизменил. Оставив лишь золотую царевну. Добавив двух других от себя. Царевну драгоценных камней и Царевну угля. Все три прославляют богатства недр русской земли.

Девица в чёрном – самая младшая, ведь уголь стали добывать позже золота и драгоценных камней. Поэтому и платье на ней более современное.

А ещё платье Царевны угля более скромное. Ведь ее назначение – приносить пользу людям. А не служить людской алчности, что приходится делать двум старшим сестрам.

Третьяков любил покупать работы у Васнецова, они были хорошими приятелями. И не мудрено. Художник был крайне скромным человеком.

Когда он поступал в Академию художеств, то узнал о том, что выдержал экзамен, лишь через год. Когда пришёл заново сдавать экзамен, уверенный, что провалился в первый раз.

Проверьте себя: пройдите онлайн-тест

4. Илья Репин. Стрекоза. 1884 г.

Илья Репин. Стрекоза. 1884 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Приобретена П. Третьяковым

«Стрекозу» невольно можно принять за работу импрессиониста из Парижа. Ведь она такая жизнерадостная, светлая.

Ребёнок сидит на перекладине на фоне светлого неба и качает ножкой. Так и слышится стрекотание сверчков и жужжание шмелей.

Самое удивительное, что Репин не особо любил импрессионистов. Считая, что им не хватает сюжетности. Но ничего не мог с собой поделать, когда брался нарисовать ребёнка. Другая манера письма никак не шла к детской непосредственности.

На картине Репин изобразил свою старшую дочь Веру. Причём он сам и назвал ее «Стрекозой». Ведь голубое платьице так похоже на расцветку стрекозы, присевшей на бревнышко на пару секунд, чтобы вскоре взмыть с легкостью в небо.

Вера проживала с отцом до конца его жизни. Замуж так и не вышла. О ней мало, кто лестно отзывался. В том числе хорошо знавший семью Репиных Корней Чуковский.

По его воспоминаниям Вера Ильинична не задумываясь продавала картины отца, а на вырученные деньги покупала себе серёжки. Была «лжива, труслива… и тупа умом и сердцем». Вот такая резкая критика…

5. Валентин Серов. Девушка, освещённая солнцем. 1888 г.

Валентин Серов. Девушка, освещённая солнцем. 1888 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Приобретена П. Третьяковым

Ещё одна картина в импрессионисткой манере хранится в Третьяковке. Но написанная уже Валентином Серовым.

Импрессионизм здесь выражен в невероятной игре света и тени. Солнечные блики, ярко освещённая полянка противопоставлены темной коре дерева и юбке глубокого синего цвета.

Серов считал «Девушку, освещенную солнцем» лучшей своей картиной, несмотря на то, что написал ее в 23 года. Он признавался друзьям, что всю жизнь пытался создать нечто подобное, но никак не выходило.

Серову позировала его кузина Мария Симонович. Целых три месяца по несколько часов каждый день. Художник работал над картиной так долго и тщательно, что даже очень терпеливая Мария не выдержала. На четвёртый месяц работы она сбежала в Петербург под предлогом начала занятий.

Не только потому, что устала. Потом она призналась, что боялась, как бы брат не перестарался. Сама будучи скульптором, она знала, что если бесконечно вносить в работу поправки, то можно все испортить.

Возможно, она поступила правильно. И в том числе благодаря ей картина стала шедевром. Уступая по популярности лишь картине Серова .

6. Исаак Левитан. Над вечным покоем. 1894 г.

Исаак Левитан. Над вечным покоем. 1894 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Приобретена П. Третьяковым

«Над вечным покоем» – один из самых русских и философских пейзажей Левитана. Вселенский масштаб речного простора противопоставлен человеческой хрупкой жизни. Символом которой является еле заметный огонёк, горящий в церквушке.

Сам Левитан считал эту картину очень важной, видя в ней отражение своего характера и души. Но при этом она его страшила. Ему казалось, что от неё веет холодом вечности, которая «поглотила немало поколений и ещё больше поглотит».

Левитан был человеком меланхоличным, склонным к мрачным мыслям и поступкам. Так, через год после написания этой картины он совершил демонстративную попытку самоубийства. Будучи в удрученном состоянии из-за перепитий личной жизни. В то время в него влюбились сразу две женщины, мать и дочь.

А вообще эта картина – катализатор вашего мироощущения. Если вы человек оптимистичный, то скорее вы почувствуете воодушевление от созерцания простора. Если вы пессимист, то ждите иных эмоций. Вам наверняка станет не по себе от всепоглощающего пространства.

7. Михаил Врубель. Сирень. 1900 г.

Михаи́л Врубель. Сирень. 1900 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Поступила из музея И.Остроухова в 1929 г.

На картине Врубеля мы видим поразительно красивую сирень. Она написана мастихином*, поэтому грозди соцветий похожи на объёмные кристаллы необыкновенного цвета, от светло-голубого до фиолетового. Вообще этих цветов на картине так много, что можно ощутить запах сирени.

На фоне куста выступают очертания девушки, души сирени. Мы видим только большие темные глаза, темные густые волосы и изящные руки. Девушка в отличие от сирени написана кистью. Что подчеркивает ее ирреальность.

Картина может вернуть нас в детство. Ведь именно тогда мы были склонны видеть потустороннее. Вот идёшь по тропинке среди сиреневых кустов в поздние сумерки и вглядываешься в зелень. А воображение рисует нам неведанное: чьи-то глаза или силуэты.

Врубель в отличие от обычного человека сохранил это особое видение на всю жизнь. В своём воображении он погружался в иные миры и потом демонстрировал их нам. В виде демонов, серафимов или душ деревьев.

Но однажды он «не нашёл дорогу» назад. Вскоре после написания «Сирени» у Врубеля начало прогрессировать психическое расстройство. Он медленно угасал в плену других миров и скончался в 1910 г.

В Третьяковке так много шедевров русской живописи, что мне было сложно выбрать только семь картин. Наверняка кому-то не угодила. Ведь я не включила самые раскрученные шедевры вроде . А ещё не рассказала о Верещагине и .

Руководствовалась собственным вкусом, выбрав те работы, которые лично мне очень импонируют. Если вы их раньше не замечали, то надеюсь, что смогли сделать для себя новые открытия.

* Тонкая лопаточка, которую художники используют для нанесения грунта на холст (основа под красочный слой картины). Но иногда этот инструмент используется и для нанесения красок.

Для тех, кто не хочет пропустить самое интересное о художниках и картинах. Оставьте свой e-mail (в форме под текстом), и Вы первыми будете узнавать о новых статьях в моем блоге.

PS. Проверьте себя: пройдите онлайн-тест

Вконтакте

Лектор образовательного проекта Level One, дипломированный историк искусства Наталья Игнатова раскрыла тайны пяти самых загадочных картин Третьяковской галереи.

Фактрум публикует этот потрясающий материал для своего читателя.

«Богатыри», Виктор Васнецов, 1898 год

Картине с тремя героями былин и сказок Виктор Васнецов посвятил значительную часть своей жизни. Полотно является одним из рекордсменов Третьяковки по количеству лет, потраченных на его создание. Первый набросок художник сделал в 1871 году, а закончил свой шедевр только в 1898-м.

Вопреки расхожему мнению о том, что богатыри выехали в поле просто прогуляться и обозреть окрестности, они готовы вот-вот ринуться в бой. Враг стоит вдалеке как бы за спиной зрителя, о его присутствии свидетельствуют сгущающиеся тучи, ястребы, которые предвкушают добычу, но главное - это выдвинутый меч Добрыни Никитича и готовый к выстрелу лук в руках Алеши Поповича.

Прообразом Ильи Муромца стал император Александр III, Добрыню Никитича художник писал с самого себя, а вот прототип Алеши Поповича достоверно неизвестен, им мог быть простолюдин - Васнецов в процессе работы над картиной рисовал много портретов крестьян, извозчиков и кузнецов, которые, как ему казалось, были чем-то похожи на знаменитых сказочных персонажей.

«Неравный брак», Василий Пукирев, 1862 год

Сюжет для картины подсказал Василию Пукиреву его друг, художник Петр Шмельков. Тот хорошо знал нравы состоятельных и влиятельных людей, для которых браки по расчету были обыденностью. Пукирев отблагодарил приятеля за идею, изобразив его справа за спиной невесты. Присутствует на картине и сам живописец: он написал себя в профиль в образе шафера невесты со скрещенными руками. Изначально художник не планировал помещать себя на полотно: на его месте был приятель, чью возлюбленную выдали замуж за пожилого. Причем друг Пукирева в силу семейных обстоятельств вынужден был присутствовать на том неприятном для себя венчании именно в качестве шафера.

Впоследствии приятель попросил художника убрать его с полотна, чтобы общие знакомые и родственники не вспоминали лишний раз эту историю. Тогда Пукирев и написал себя вместо него. Если визуально разделить полотно по диагонали от верхнего правого угла к нижнему левому, то в правой части окажутся невеста и два ее друга. В то время как слева расположились родственники и друзья жениха, нарочито изображенные неприятными людьми. Таким образом, полотно делится на две смысловые части, как бы олицетворяющие добро и зло. Причем священник оказывается на стороне зла. Этот прием свидетельствует о приверженности художника принципам реализма, тем самым он ставит вопрос о роли церкви в обществе.

«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин, Константин Савицкий, 1889 год

Не все любители сладостей знают, что над знаменитым полотном, которое было затем растиражировано на фантиках шоколадных конфет, работали два художника. Шишкин отвечал за лес, а Савицкий - за медведей. Более того, сюжет картины придумал именно Савицкий. Медведей изначально было двое, но потом их число выросло. Коллекционер Павел Третьяков приобрел картину за 4 тысячи рублей.

Однако считается, что коллекционеру не понравилась работа Савицкого. По легенде, Третьяков сказал: «Что за медведи страшные!» И фамилия Савицкого на полотне была замазана: по одной из версий, это сделал Третьяков, а по другой - сам художник, который обиделся, не стерпев критики со стороны галериста. Мастерство Шишкина выражено в освещении леса: на верхушках сосен мастерски выписаны первые лучи солнца, которые зрители обычно не замечают, отвлекшись на фигуры медведей.

«Явление Христа народу», Александр Иванов, 1857 год

Первую значимую картину на библейский сюжет Александр Иванов написал в 1834 году. Это было «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине». И уже через три года, в 1837-м, он приступил к созданию главного произведения своей жизни - эпохального полотна «Явление Христа народу». Художник работал над картиной в течение 20 лет в Италии. В процессе создания полотна он сделал более 500 этюдов и эскизов. О том, что Иванов работает над монументальным полотном, знали все ценители живописи в России. В мае 1858 года живописец решился отправить картину в Санкт-Петербург. По легенде, во время путешествия корабль настиг сильный шторм. Художник свернул холст в трубу и поднял над головой - он предпочел не видеть гибель своего творения, а утонуть самому, если корабль пойдет под воду.

Однако полотно все же прибыло в Санкт-Петербург, где было выставлено в одном из залов Академии художеств. Публика картину приняла холодно - были претензии и к слишком маленькой фигуре Христа, и к воде, изображенной не в академической манере, а свободными мазками. Любопытно, что Иванов в этом смысле опередил время, потому что позже в похожей манере будут работать импрессионисты. Кроме того, полотно оказалось незаконченным. В левой части виден старец в белой набедренной повязке, которая отражается в воде красным пятном. На эскизах повязка действительно была красной, и художник, судя по всему, просто забыл ее перекрасить. Спустя месяц после презентации работы Иванов скончался, а через несколько часов после его смерти император Александр II приобрел картину за 15 000 рублей. Несмотря на то, что сумма была солидная, изначально художник, посвятивший этой работе половину жизни, рассчитывал на гораздо больший гонорар, но, к сожалению, не успел получить даже эти деньги.

«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год

Картина передвижника Василия Поленова тесно связана с другой его работой под названием «Бабушкин сад». На обоих полотнах изображен один и тот же дом в районе Арбата, только с разных сторон. Поленов написал свое самое знаменитое произведение, переехав в Москву из Петербурга и поселившись в одной из квартир дома на пересечении Дурновского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках.

Изображенный на картине вид открывался из его окна. Причем на создание шедевра Поленову потребовалось совсем немного времени: по сути, это этюд, написанный с натуры. Впервые в истории русской живописи художник объединил два жанра - бытовой и пейзаж. Публика, уставшая от мрачных и депрессивных полотен передвижников, приняла жизнерадостную солнечную картину с восторгом. Никого не смутила даже помойка, изображенная в левом нижнем углу, которую большинство зрителей принимают за колодец.