Она украшает стены и потолки общественных зданий. В прошлом расписывали главным образом храмы, сейчас — дворцы культуры, вокзалы, гостиницы, стадионы. Такая живопись должна быть выполнена из долговечных материалов, чтобы вместе со зданиями существовать века. Творцы росписей, изображая исторические события или сцены из современной им жизни, стремятся передать свое представление о мире, передовые идеи своего времени. Монументальная живопись воспитывает художественный вкус у широких масс зрителей.

Монументальная живопись расположена на стенах, потолках, сводах, нередко она переходит с одной стены на другую. Рассматривают росписи двигаясь по зданию, иногда даже с улицы, через большие стекла современных зданий. Иначе говоря — монументальная живопись воспринимается в движении с разных точек зрения, и она не должна при этом терять своего воздействия на зрителя.

Художник-монументалист может развернуть в живописи сложный рассказ-повествование, может соединить события, происшедшие в разных местах и в разное время. Так, великий итальянский художник Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы в Риме изобразил множество библейских сцен, соединив их в единую сложную композицию.

Знаменитая фреска "Сотворение Адама"

Монументальная живопись появилась так же давно, как и человеческое жилище. Уже на стенах пещер, где укрывался первобытный человек, можно увидеть выполненные с удивительной наблюдательностью сцены охоты или просто изображения отдельных животных (см. сооб. «Первобытное искусство» ) .

Изучая историю древних культур, мы везде встречаемся с памятниками монументальной живописи. Они не только доставляют нам художественное наслаждение, но и рассказывают о жизни, быте, труде, войнах народов Древнего Египта , Индии , Китая , Мексики и других стран.

Извержение Везувия в 79 г. засыпало пеплом богатый город Римской империи Помпеи . Это сохранило нам в неприкосновенной свежести множество росписей. Некоторые из них, снятые со стен, украшают сейчас музей в Неаполе .

Фреска из Помпей. Афродита, Арес и Эрос.

Второй период расцвета монументальной живописи в Италии связан с эпохой Возрождения (XIV — XVI вв.). Фрески Джотто , Мазаччо , Пьеро делла Франческа , Мантеньи , Микеланджело , Рафаэля и для художников нашего времени служат образцами художественного мастерства (см. ст. «Искусство итальянского Возрождения» ) .

Художественная культура Древней Руси также нашла свое выражение в памятниках монументальной живописи. Монументальная живопись пришла на Русь из Византии после принятия христианства, но быстро обрела национальные русские черты. Несмотря на то что сюжеты росписей имели религиозный характер, русские художники изображали людей, которых они видели вокруг себя. Их святые — это простые русские мужики и простые русские женщины, это весь русский народ в его самых благородных чертах. Главными центрами монументальной живописи на Руси были Киев, Новгород, Псков, Владимир, Москва, позднее Ярославль (см. сооб. «Древнерусское искусство» ) . Но и за пределами этих больших древних городов, в тихих отдаленных монастырях, также создавались интересные росписи.

В далеком Ферапонтовой монастыре , приютившемся на озерах бывшей Вологодской губернии, великий русский художник Дионисий создал росписи, которые восхищают нас музыкальностью форм, нежностью, чудесным подбором цветов. Краски для росписей Дионисий приготовлял из разноцветных камней, которыми усыпан берег озера около монастыря.

Дионисий. Фреско собора Рождества богородицы в Феропонтовом монастыре

Андрею Рублеву , Дионисию , Феофану Греку обязана русская монументальная живопись своими высшими достижениями. Но, кроме этих больших мастеров, десятки и сотни художников, имена которых остались неизвестными, создали множество росписей в России, на Украине, в Грузии и Армении.

Росписи различаются в зависимости от техники исполнения: фреска , живопись темперой , мозаика , витраж .

Слово фреска часто неправильно применяется для определения всякой стенной живописи. Это слово происходит от итальянского «аl fresco » что означает «по свежему», «по сырому». И действительно, фреска пишется по сырой известковой штукатурке. Краски- сухой пигмент, т. е. краситель в порошке,- разводятся на чистой воде. Когда штукатурка высыхает, содержащаяся в ней известь выделяет тончайшую кальциевую корочку. Эта корочка прозрачна, она закрепляет находящиеся под ней краски, делает живопись несмываемой и очень прочной. Такие фрески дошли до нас через столетия мало изменившимися.

Иногда по уже сухой фреске пишут темперой — красками, разведенными на яйце или казеиновом клее. Темпера — также самостоятельный и очень распространенный вид стенной живописи.

Мозаикой называют живопись, выложенную из небольших цветных кусочков камни или смальты — специально сваренного для мозаичных работ непрозрачного цветного стекла. Плитки смальты колют на кубики нужной художнику величины и из этих кубиков по зскизу и рисунку, сделанному в натуральную величину (по так называемому картону), набирают изображение. Раньше кубики укладывали в сырую известковую штукатурку, а сейчас — в цемент, смешанный с песком. Цемент застывает, и кубики из камня или смальты прочно в нем закрепляются. Мозаику знали уже древние греки и римляне. Она была распространена также в Византии, балканских странах, Италии. Особенно знаменит своими мозаиками итальянский город Равенна (см. ст. «

Введение.

Монументальная иконопись – живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях.

Основные техники:

· Аль Секко

· Мозаика

Монументальная живопись - древнейший вид живописи, известен с палеолита (росписи в пещерах Альтамира, Ляско и др.). Благодаря стационарности и долговечности произведений монументальной живописи многочисленные ее образцы остались практически от всех культур, создавших развитую архитектуру, и подчас служат единственным видом сохранившихся живописных произведений эпохи.

Начиная с ранней Античности и до позднего Возрождения, монументальная живопись наряду с монументальной скульптурой представляет собой один из основных методов декорирования каменных, кирпичных и бетонных сооружений. Широко применялась в храмовых и погребальных комплексах Древнего Египта, в архитектуре Крито-Микенской цивилизации. Практически не дошедшая до нас (за исключением мозаики) древнегреческая монументальная живопись, в том числе роспись мраморной и хризоэлефантинной (слоновая кость с отделкой золотом) скульптуры, во многом определяла характер восприятия произведений классической и эллинистической пластики и зодчества. В Древнем Риме, в особенности после древнеримской архитектурной революции, была распространена исключительно широко, в том числе - в оформлении частных жилищ (четыре стиля древнеримской росписи). Мозаика и фреска, широко применявшиеся в храмовой архитектуре Византии, оказали определяющее влияние на развитие древнерусского монументального искусства. В искусстве европейского Средневековья особого внимания заслуживает беспрецедентное развитие витражной техники. Ведущими мастерами эпохи Возрождения создано множество грандиозных по размаху и виртуозных по исполнению фресок.

1. Фреска

Фреска – техника росписи по свежей штукатурке. Она любит большие плоскости, монументы, возвышенный ритм и вместе с тем обобщенный, упрощенный язык. Основной трудностью фресковой живописи является необходимость быстрой работы, уверенной руки и совершенно ясного представления обо всей композиции и каждой ее части: нужно успеть пока не засохнет штукатурка, то есть в тот же день. Поэтому работа идет по частям. Отсюда и простота образного языка фресок, и обобщенность ее композиции, и четкость контуров.

Техника фрески известна уже античности. Но, как свидетельствуют Помпейские и Римские образцы, античная и поздняя фрески отличались некоторыми приемами:

А). Ренессанс использовал всего два слоя извести, античность – много.

Б). Поверхность античной фрески была блестящей – она покрывалась горячим воском (так называемая энкаустика).

В конце 14в. появляется техника смешанной фрески, получившая название «Buon fresco», то есть «хорошая фреска». В этой технике работал Джотто и его школа. Техника заключается в том, что сначала наносился первый слой из песка, извести и воды, после высыхания этого слоя на нем намечали квадратную сеть и набрасывали углем основные элементы композиции. Преодолев византийскую иконописную традицию, Джотто стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. В его фресках есть светотень, это окончательно отделяет Джотто от византийской традиции. Около 1400 года техника фрески была окончательно усовершенствована: вместо квадратно сети теперь используют картон (большой подробный рисунок в натуральную величину), через который прокалывают контуры изображения.

Примеры.

1. «Фреска с тореадором», Крито-Микенское искусство, 1500г. до нэ, Кносский дворец, Крит.

Самая большая и динамичная из обнаруженных до сих пор минойских стенных росписей. Но перед нами не бой быков, как гласит название, а ритуальная игра, участники которой вольтижируют на спине животного. Двое из изображенных на фреске стройных атлетов - девушки: их, как и на Египетских фресках, отличает, главным образом, более светлый оттенок кожи. Вольтижировка на священном животном, быке, была своеобразным ритуалом того времени, и, скорее всего, на фреске изображен один и тот же человек в трех последовательных фазах одного и того же действия. Движения атле­тов, их плавная легкость и непринужденность, явно значили для художника больше, чем фактическая точность изображения или внутренний драматизм происходящего. Он идеализирует ритуал, подчеркивая его пластическую, игровую сторону.

2. Джотто. “Встреча Иоакима и Анны у Золотых ворот”, Капелла Дель Арена в Падуе, 1304/06

Изображение расположено в правом верхнем ярусе капеллы, посвященном жизни Иоакима, отца девы Марии. Джотто смел в своих изображениях, в них появляется эффект моментальной фотографии, сиюминутности зрительного события. Согласно легенде, пожилые супруги Анна и Иоаким, после того как ангел по отдельности возвестил каждому, что у них родится ребенок, поспешили навстречу друг другу. Анна в сопровождении нескольких женщин идет навстречу возвращающемуся с поля мужу, и они встречаются перед Золотыми воротами Иерусалима. Глубоко взволнованные, они горячо обнимают друг друга. На картине слияние их фигур подчеркивается и единством высокой превратной башни на заднем плане. Линию двух слившихся профилей как бы продолжает, подчеркивая, устремленная вверх вертикаль правого угла башни. Как через узкие бойницы в голых стенах башен нельзя увидеть жизнь города, так и по лицам главных персонажей сцены невозможно догадаться о том, что творится в душах счастливых супругов. Их чувства отражаются скорее на лицах женщин, стоящих под аркой городских ворот, и на исполненном любопытства лице мальчика-пастуха в левом углу картины.

Композиционное единство сцены подчеркивается внутренней напряженностью, суггестивной силой взглядов и жестов. Элементы архитектуры - широкая арка ворот и превратная башня - расчленяют персонажей на отдельные группы, но одновременно и объединяют их. Глубину переднего плана передает перекинутый через городской ров каменный мостик. Правдоподобие пространства за воротами достигается объемным рисунком террасы на двух столбах, одновременно подчеркивающей три женские фигуры под аркой.

3. Потолок Сикстинской капеллы, Микеланджело, 1502/18, Ватикан.

*взято у Варюши, т.к. все равно лучше нее об этом никто не напишет ^_^*

В творчестве Микеланджело обозначилось крушение стиля Ренессанса и наметились ростки нового художественного миропонимания. Микельанджело Буонарроти (1475-1564). Его гений проявился в архитектуре, живописи, поэзии, но ярче всего в скульптуре. Он воспринимал мир пластически, во всех областях искусства он прежде всего скульптор. Тело человека кажется ему самым достойным предметом изображения. Но это человек особой, могучей, героической породы. Искусство Микеланджело посвящено прославлению человека-борца, его героической деятельности и страданиям. Его искусству свойственны гигантомания, титаническое начало. Самым грандиозным из его трудов стала роспись свода Сикстинской капеллы (1508-1512гг) . Микеланджело совершил поистине титанический труд - в течение четырех лет он один расписал площадь около 600 кв. метров. Грандиозная роспись посвящена сценам священной истории, начиная от сотворения мира. Микеланджело написал на плафоне около 200 фигур и фигурных композиций. Роспись стала неистощимой энциклопедией разнообразных поз, ракурсов для будущих поколений скульпторов. Написанные Микеланджело могучие гиганты, старики, женщины, младенцы объемно пластичны как скульптурные изваяния. Сильное движение человеческого тела в сильных поворотах. Ни один палец или сустав не остается несогнутым и без движения. Всякая мысль о том, что картина есть плоскость, исчезает. Фигуры свободно движутся в пространстве. Фрески Микеланджело прорывают плоскость стены. Эта иллюзия пространства и движения стала огромным достижением европейского искусства. Открытие Микеланджело того, что декорация может выдвинуть вперед или заставить отступить назад стену и потолок, позднее использует декоративное искусство барокко.

4. Al Secco

В средние века традиции фрески забываются, но понемногу начинает вырабатываться новая техника. До 14в. особой популярностью пользовался прием «аль секко», роспись по сухой штукатурке. Но краски при использовании подобной техники не проникают вглубь штукатурки, а оттого держатся гораздо меньше.

Примеры.

4. Тайная вечеря, Леонардо да Винчи, Санта-Мария-делле-Грацие, 1495/98

Фреска находится в трапезной монастыря, изображает сцену последнего ужина Христа с учениками. Для большей прочности изображения Леонардо решил покрыть каменную стену слоем смолы, гипса и мастики, а затем писать по этому слою темперой. Из-за избранного метода роспись начала разрушаться уже через несколько лет после окончания работы.

5. Мозаика

Стремительное развитие христианской архитек­туры должно было неизбежно сказаться на ран­нехристианской живописи и привести к масштаб­ным переменам поистине революционного харак­тера. Внезапно возникла потребность покрывать огромные площади стен изображениями, достойными их монументального обрамления. Стало необходимо добиться соответствия внутреннего облика архитектурной среде. В ходе этого процесса возник новый замечательный вид изобразительного искусства - раннехристианская настенная мозаика, в значительной степени потеснившая существовавшие до того методы вы­полнения настенных росписей. Мозаика выполнена из имеющих кубическую форму кусочков окрашенного стекла(1м 3) - смальты, которая позволяет давать яркие и разнообразные цвета. Прозрачная яркость и строгая геометрическая упорядоченность изображения, выполненного смальтой, делала мозаику невероятно подходящей техникой для храмовой декорации. Это одновременно разноголосый, но потрясающе отработанный и стремящийся к единству хор, созвучие формы и ее внутренней выразительности. Мозаика отрицает, то, что поверхность сплошная и плоская, она и дематериализует и предельно визуализирует эту поверхность.

Примеры.

5. Система мозаек собора Святой Софии Киевской

· Зенит купола, Христос Пантократор.

· Своды купола, 4 архангела: Михаил, Гавриил, Рафаил, Уриил.

· Барабан прорезан 12 окнами, между ними изображение 12 апостолов.

· Паруса, 4 апостола: Марк, Матфей, Лука, Иоанн

· Подпружные арки: 40 мучеников севастийских (по 10 на каждой арке)

· Западная поверхность восточных столпов: Благовещение (лево – Арх. Гавриил, право – Дева Мария)

· Конха апсиды, богоматерь Оранта, домохранительница или как ее называют «Нерушимая стена».

· Средний ярус апсиды: Евхаристия (причастие апостолов хлебом и вином)

· Нижний ярус: Святительский чин (12 фигур)

6. Монументальная живопись и витраж

Искусство, рожденное в катакомбах

егодняшняя наша тема – монументальная живопись Средневековья. Слушатели помнят, что для меня очень важно, что средневековое искусство выражается в самых разных формах, жанрах и размерах. Я также делал акцент на значении книги, иллюстрированной книги, литургических предметов, и так далее. Но, как и в любую другую эпоху, монументальное искусство естественно обладает совершенно особым статусом и значением. Средневековье здесь ни в коем случае не исключение. Средневековое искусство – это искусство храма, для храма, при храме, внутри храма. И даже если оно снаружи храма, оно так или иначе соизмеряется с этим храмом, который одновременно служит и домом молитвы, домом собрания людей, и домом, в котором пребывает Господь.

На протяжении Средневековья спорили о том, как именно присутствует Господь в гостии, в преосуществленном хлебе. На Западе в XI-XII вв. эти споры были весьма ожесточенными. В конце концов, как известно, был принят догмат о реальном присутствии тела Господня в преосуществленных хлебе и вине. Тело и кровь Христа присутствуют, а это значит, что в момент Евхаристии «с нами Бог», то есть Бог здесь и сейчас. Это значит, что искусство, украшающее храм, должно отражать идею величия Божества и его присутствия здесь вместе с нами.

Между тем, монументальная живопись Средневековья рождается в совершенно немонументальной ситуации. Как известно, это римские катакомбы. Это первая форма живописи христиан вообще, известная для нас. Но следует учитывать, что живопись, за редчайшими исключениями, совсем не монументальна по своему формату, по размеру, хотя задачи, поставленные первыми поколениями христианских художников, сохранили свою актуальность на протяжении всего христианского Средневековья. Например, «Три отрока в пещи огненной» в катакомбах Присциллы – это образ спасительной молитвы.

Образ рыбы с пятью хлебами – символическое изображение Христа и евхаристического хлеба. Того же самого Христа. Даже если подобные образы ушли в прошлое, они не так популярны в среднее или в классическое Средневековье, как в ранее Средневековье, это не значит, что их не понимали христиане последующих эпох.

Точно также сопоставление сцен Ветхого и Нового Заветов на соседствующих стенах тоже стало своеобразным языком христианского искусства. Как мы уже видели в книжной миниатюре, то же самое повторяется и на стенах храма. Следует только учитывать, что в эпоху катакомб чаще всего не выстраивались в серии, в иконографические циклы – они могли располагаться отдельно, и, видимо, это соответствовало практике верующего взгляда. Не скажем «взглядом верующего человека», а именно «верующего взгляда». Что мы могли предполагать у человека, который смотрит на такие фрески? Прежде всего, живое понимание Священного Писания и способность соотнести историю Ветхого и Нового Заветов со своей собственной жизненной историей, и извлечь из этих небольших, простых и даже часто грубых по стилю фресок урок для себя лично.

На языке обращенной империи

Когда христианское искусство вышло из подполья в прямом смысле этого слова, оно заговорило на языке возрожденной Константином империи. Это хорошо видно на образцах монументального искусства палеохристианского и уже раннего средневекового времени. Это переходная эпоха, о которой мы уже говорили не раз – IV-VI вв. Это время, когда христианство сначала становится одной из официальных религий, потом важнейшей официальной религией, и, наконец, единственной разрешенной религией. Если мы сравним мозаичные изображения эсхатологического Христа, Христа Второго пришествия, идущего по облакам, на фоне синего и бесконечного неба, со статуей классического римского оратора, то нам эта связь будет совершенно очевидна, точно так же как она очевидна многим крупным исследователям этого искусства – Андре Грабару, Эрнсту Канторовичу.

Такие мозаики сохранились во всем средиземноморском мире, к востоку от Италии, включая естественно Италию. В Риме это целый ряд церквей. Несмотря на то, что многие мозаики пострадали сначала от времени, потом от слишком ретивых реставраций XIX века, как Санта-Пуденциана. В целом, эти мозаики сохраняют, по крайней мере, иконографию и в общих чертах стиль своих создателей. Золотая тога на плечах Христа на троне, конечно же, не могла не отсылать зрителя поздней империи к образу Юпитера Капитолийского и императора-триумфатора. Точно так же как образ мучеников в белой тоге с прожилками кроваво-пурпурного цвета отсылал к образу сенатора, магистратора, выступающего с достоинством в сторону земного императора. Подобно тому, как земной сенатор должен был выказывать свое почтение власти земной, точно так же небесный мученик, наш предстоятель перед небесами, несет свою корону к трону Всевышнего.

Образ человека и образ ангела

Между тем, ранние христиане боялись изображения человека. Это не могло не повлиять на монументальную живопись, точно так же как и на все другие роды живописи. Письмо Павлина Ноланского совершенно четко демонстрирует страхи образованного, верующего римлянина перед изображением. Его друг, Сульпиций Север (тоже крупный писатель, как и он), просит прислать ему собственное изображение, чтобы людям показать, чтобы люди равнялись на добродетельного современника. А тот ему отвечает: «Какое изображение ты от меня хочешь – небесного или земного человека? Первого? Я знаю, что ты желаешь тот царственный образ, которого в тебе возлюбил царь небесный. Тебе не может понадобиться иное наше изображение, кроме того, по образу которого ты сам создал». Но Павлину стыдно и собственных грехов, и своего нынешнего состояния. «И рисовать меня таким, какой я есть – он говорит, – позорно. Изобразить меня таким, какой я не есть, дерзновенно».

И вот это внутреннее противоречие не могло не сказаться и на уходе натурализма из монументального искусства, и, в том числе, и из образа человека. Если мы сравним друг с другом мозаики времен расцвета, византийского могущества, охватывавшего, как известно, большую часть Запада, то мы увидим, что все эти лица в чем-то очень похожи, хотя это не значит, что они все абсолютно похожи; это не значит, что портретность исчезла совсем, монументальное искусство призвано все-таки было призвано не индивидуальные особенности органической жизни здесь на земле, но надмирные ценности.

Поэтому ангелы напоминают нам Христа своими широко распахнутыми глазами, и люди, взирая на них снизу верх, тоже стараются подражать этим ангельским ликам. Верующий христианин должен воспитывать в себе ангелоподобность. Хотя у человека нет крыльев, на самом деле читатель знал, что и у ангелов крыльев вовсе нет. Эти крылья, как считают некоторые историки искусства, например, Фриц Заксль, вообще пришли в христианскую иконографию из античной иконографии, то есть, по сути, были сняты со спины богини победы Ники. Ангел необязательно вещает о победе, он просто посланник Божий. Но, как говорили средневековые авторы, иногда они понимали, что у ангелов нет крыльев, художники их изображают, потому что ангелы очень быстро перемещаются. А как перемещаться по воздуху без крыльев быстро, человек не мог себе представить, потому что все, что перед его глазами летало (будь то насекомые, жуки или птицы небесные), все летает с помощью крыльев. Поэтому логика эта совершенно железная, и искусство этой логики вполне следует.

Восток в сердце Запада

Византия стала на протяжении всего Средневековья очень важным источником вдохновения, в особенности для монументального искусства и Востока, и Запада. Даже если Запад не входит в сферу византийского содружества – в том смысле, который вкладывал в него классик византинистики Дмитрий Оболенский – в жизни искусства постоянное влияние даже иногда враждебного греческого, греко-славянского православного мира совершенно очевидно. Очевидно, в том числе, и потому, что памятники византийского искусства стояли на территории католического мира. Такова, например, Равенна.

Великие базилики VI в. вообще-то видели в своих стенах многих западноримских императоров – Карла Великого, Оттона II, Оттона III, скорее всего Фридриха II Барбароссу и др. Все они здесь бывали. И, конечно, каким-то образом, пусть и не зафиксированными письменными источниками, эти памятники излучали, если угодно, свое величие на умы и сердца людей последующих веков. Поэтому и мы в нашей лекции не можем не сказать, хотя бы кратко, об этих памятниках.

Как мы видим, ранние памятники – это базилики. И в любой базилике наиболее важное, фигуративное значением имеет апсида с ее главным, часто поднятым над полом, алтарем. Поднят он для того, чтобы все видели, что над ним происходит. И для обозначения иерархии клир всегда выше, чем мир. В апсиде обычно, как в Сан-Витале, изображается Христос Пантократор или Дева Мария. В редких случаях это может быть и местный святой, как в уникальной церкви Сант-Аполлинаре-ин-Классе. Но в этом может быть и определенная бравада. Совершенно очевидно, что Санто-Палинаре как бы соперничает с более ранней базиликой святого Виталия.

И здесь мы опять видим, что святой изображен не сам по себе, а в Эдеме, в земном раю, который, в свою очередь, как-то связан с раем небесным, явленным нам в сцене Преображения. Крест окружен тремя агнцами и фигурами Ильи и Моисея, что и подсказывает, что перед нами символическое изображения Преображения, то есть конкретной сцены Нового Завета. В середине, в пересечении креста мы видим едва заметное издалека оплечное изображение Христа. Это Преображение, при котором присутствует местный святой, чьи мощи лежат здесь же, под этой конхой. И 12 агнцев являют собой образ одновременно и 12 апостолов, и всех нас многогрешных, которые молитвой местного святого восходят на небо. Внизу – предстоятели Церкви.

Совершенно очевидно, что перед нами своеобразная богословская программа, непростая, я на ней очень кратко остановился; ее можно очень долго трактовать в рамках именно византийского искусства. Для нас важно сейчас понимать, что это самое византийское наследие в виде самой престижной, самой дорогой и самой долговечной техники живописи передалось западному Средневековью.

Характерный пример восхищения перед Византией – это сицилийское королевство времен Отвилей и нормандской династии, и знаменитые храмы Сицилии – Палермо Монреаль и Чефалу. Это те храмы, которые сохранились. Но их было, несомненно, больше, хотя это именно королевские заказы. Поэтому и уровень исполнения этих мозаик, и грандиозность замысла связана с совершенно необозримыми по тем временам экономическими возможностями. Такие возможности снились в XII веке ну разве что только Константинополю и крупнейшим центрам, активно торговавшим с Византией – в первую очередь, с Венецией.

В Венеции базилика св. Марка сохранила тоже один из самых монументальных циклов византийской мозаики, причем такой сохранности цикла мы не найдем на территории Византии, и в какой-то степени они представляют собой отражение византийского опыта.

Но, как верно анализировал лучший знаток этих мозаик, австрийский историк искусства Отто Демус, эта система представляет собой одновременно и трансформацию традиционной византийской монументальной живописи. Это тоже важно понимать, что византийские техника и композиция трансформируются для решения новых задач. Классическая система византийской мозаики сложилась к XI в. Она была рассчитана на храмы типа той же самой базилики св. Марка, ориентировавшейся на церковь двенадцати апостолов в Константинополе. Но большая часть западных храмов все-таки не обладала куполами, а представляла собой вариации на тему базилики, как в Чефалу.

Византийская мозаика на плоскости далеко не так интересна, как на разного рода изогнутых, кружащихся, переходящих друг в друга, поверхностях. Поэтому в Сан-Марко, в Венеции, византийскому мастеру оказалось слишком много пространства. Известно, что им там помогали и западные ученики. Но надо учитывать, что мозаика – это, прежде всего, греческая техника, и если тот или иной заказчик хотел увидеть у себя настоящую мозаику, он звал греков, но искусство это вместе с тем хрупкое в смысле традиции. Если, например, ситуация тяжелая, как 1204 г. для Константинополя, то мозаика страдает именно в первую очередь. Даже фреске можно было обучить даже с меньшими затратами, чем мозаике, просто потому, что мозаика – это логистически очень сложная техника, требующая невероятных ресурсов.

И, вместе с тем, как можно видеть на примере знаменитого цикла церкви Спаса в Хорах в Константинополе (нынешняя Кахрие-джами), мозаика – это форма живописи, рассчитанная на кружащуюся архитектуру, на архитектуру сложных изгибов.

Запад же работал, прежде всего, с плоскими формами. Базилика, унаследованная средневековой архитектурой от раннехристианского зодчества, это длинный коридор, неф, который чередуется окнами и колоннами. И, когда в этом нефе есть большие пространства стен, достаточно значительные для размещения дидактического цикла, когда на это есть средства, тогда и возникает памятник.

Романский период и ранее

Вот так возникали на этих самых путях власти совершенно удивительные циклы живописи, которые еще более удивительным образом дожили до наших дней. Например, несколько фресок, созданных около 800 года в аббатстве св. Иоанна в Мюстайре, в кантоне Граубюнден на востоке Швейцарии, куда редко ступает нога современного туриста.

Или еще один замечательный цикл, тоже неплохо сохранившийся, хотя и частично поновлявшийся – в церкви св. Георгия на о. Райхенау. Эти фрески созданы примерно тогда же, тем же поколением мастеров, в которые создавали знаменитые Оттоновские рукописи, уже становившиеся предметом нашего анализа.

Очень часто живописная программа храма ограничивалась по нехватке средств или по каким-то другим причинам тем самым смысловым символическим центром (не геометрическим, а именно смысловым) храма – это алтарная апсида. Таких апсид сохранилось много. Есть возможность иногда посмотреть их даже в музейных условиях.

Фрески в Тауле, Каталония

Таков, прежде всего, замечательный музей средневекового искусства, в который надо стремиться попасть – это Национальный музей искусства Каталонии в Барселоне. Здесь мы можем видеть, спокойно созерцать, фотографировать сохранившиеся фрагменты из апсиды церкви св. Климента в Тауле (Каталония). Вообще, Каталония была одной из великих школ прежде всего монументальной живописи в XII в.; из такого количества ни из одной стран мира не дошло живописи тех лет. Хотя Новгород классического Средневековья, и даже по сохранности своей, вряд ли может найти себе равного по количеству сохранившейся живописи.

В Каталонии была особая ситуация в начале XX в., и охрана памятников решила снимать фрески из церквей, для того чтобы сохранить, и большая часть их была привезена в столицу области, где они находятся по сей день. Это специфический способ сохранения художественного материала, к которому очень по-разному относятся историки искусства. Извлечение фрагмента из его историко-культурного контекста – преступление перед памятником. Но, учитывая, скажем эвфемистически, некоторые сложности Испании в первой половине XX в., слава Богу, что хоть что-то сохранили.

Так вот, в этой самой апсиде, мы чаще всего видим изображение величия Господа (Majestas Domini), или даже просто Majestas. Как это называется в искусствоведческой литературе, этот термин вполне себе средневековый. Я предлагаю передать его старым русским термином «Господь в Силах», то есть смысл в том, что Господь здесь изображается как всесильный Государь и Судия. Здесь же могли реже изображать Богоматерь с младенцем. Это два основных сюжета для апсиды.

Казалось бы – ну, все повторяется, все время одно и то же: мы видим святых, четырех евангелистов с их символами. Мы также понимаем, если вчитаемся подробнее в историю средневекового искусства, что все эти образы создавались под влиянием восточной традиции, и романская эпоха уж ничего особенного здесь не изобрела. Но в византийской традиции всемогущество Творца не очень терпело наличие всяких лишних деталей. Даже радуга (весьма условная радуга, но это именно радуга), на которой сидит Господь из Апокалипсиса – это уже может казаться лишним, отвлекающей от сути деталью. То же самое можно сказать и о прихотливости знаменитой романской складки, по которой часто можно датировать эти произведения или атрибутировать. Складки замечательно выписаны, но очень условные. Они отрицают весомость тела, его классическое достоинство, которому на протяжении всей своей истории оставалось верным греческое искусство.

Мы видим также, что символы евангелистов сопровождаются еще и фигурами ангелов, и если присмотреться, то ангел хватает за лапу крылатого льва св. Марка. Конечно, такая вольность совершенно немыслима в греческой традиции. Это было бы просто какой-то карикатурой на искусство, и никогда не было бы допущено в монументальную программу, выполненную с такой тщательностью, с такими драгоценными красками.

Совершенно очевидно, что церковь св. Климента в Тауле – это перворазрядный памятник. Это шедевр, заслуживающий отдельного сложного анализа. Есть такое ощущение, что фигура Христа по своему масштабу превосходит все остальные – не потому, что она на переднем плане по отношению к заднему плану. Ни в коем случае такого нет. Ее масштаб, как и на культурном тимпане, связан с тем значением, которое придается этой фигуре.

И еще одна важная функция монументального образа божества – оно светится, излучает энергию, которая передается всем остальным присутствующим при сцене. Но если в византийской традиции достаточно было внутреннего свечения, чтобы передавать пустому и в то же время исполненному света фону из золота, то здесь, в романской живописи, на золото, конечно, и денег нет, потому что его не изобразишь с помощью красок. Но романскому художнику, как мне кажется, глядя на подобные изображения, важно связать композицию всеми возможными средствами. Отсюда, например, поделенный на чины, на ярусы фон, состоящий из трех цветов, причем эти цвета кажутся совершенно произвольными. Из них более-менее канонична ультрамариновая голубизна мандорлы и частично одеяния Бога и нижнего яруса. Далее идет желтый, вполне понятный в испанской традиции, там любили желтый цвет. И совершенно непонятный черный цвет.

Художник пытается связать самое святое с миром людей с помощью всех доступных ему средств. И то, что ангел хватает за хвост и льва, и крылатого быка, несет, словно сокровище, орла святого Иоанна – в этом только с современной точки зрения можно видеть какое-то чувство юмора. Для взгляда каталонца XII в. это, выражаясь метафорически, звено в цепочке. Если убрать эти фигуры, то получится сетка из архитектурных мотивов, из мандорлы. Затем мы добавим сюда основные фигуры, прочертим их жесты, и у нас получится удивительно спаянная композиция. И с какого бы конца мы ни начали, с угла, снизу или сверху, читать эту композицию, она, в конце концов, приведет наш взгляд к основному образу, и в левой руке Господа мы увидим надпись: «Аз есмь Свет мира». Это текст, приглашающий нас к диалогу с божеством, несмотря на его, казалось бы, иератическую отрешенность от нашего мира. Смотрит он, надо подчеркнуть, на нас.

В этом изображении Дева Мария с Христом. Казалось бы, ну что такого особенного? Почти ничего особенного, за исключением того, что это церковь, находившаяся в непосредственной близости от предшествующей. Соответственно, они как бы вступают в диалог друг с другом. Там – Бог Страшного суда, здесь – Бог родившийся, но Бог, уже облаченный в царское одеяние. В руках он держит евангельский свиток. Перед нами не просто изображение Богоматери с младенцем – образа на троне, в мандорле, изображение тоже являющее всемогущество Божества, но Божества воплощенного. Не только это. Здесь сцена поклонения волхвов – волхвы все подписаны, одна звезда горит по обеим сторонам (логично, что в композиции их две).

Такая несуразица может казаться несуразицей только нам с вами, что звезды две, хотя Писание говорит об одной. Живопись вполне способна на логические дополнения, следуя собственным законам. Представьте себе, что у одного из трех волхвов-царей звезда есть, а у двух других нету. Возникает логичный для взгляда вопрос: а те что? они как пришли? То есть, у живописи своя логика есть. И опять, как в любом русском храме, и в византийском, сохранившим живопись, мы видим, что под надмирной сценой всегда над алтарем стоят фигуры предстоятелей, то есть святых. Часто это местные святые. А иногда здесь можно встретить и ктиторов (или донаторов – название в западной традиции). Если человек действительно потратился и духовно, и материально, и физически на создание этого храма, то он может претендовать на место в небесных чертогах.

Сант-Анджело-ин-Формис, Кампания

К XI в. такая монументальная живопись в Западной Европе достигла быстро удивительной зрелости. Один из таких памятников – Сант-Анджело-ин-Формис, монастырь в Кампании, неподалеку от Неаполя, можно доехать на автобусе примерно за час. Церковь монастыря сохранила в очень хорошем состоянии цикл фресок, созданных в последней четверти XI в. при непосредственном участии крупнейшего аббатства того времени Монте-Кассино. Сам Монте-Кассино толком не сохранился, уцелела только библиотека. Но то средневековое, что там было, еще оставалось, погибло во Вторую мировую войну. Таким образом, Сант-Анджело-ин-Формис являет нам образец той живописи, которую мы называем романской в ее классическом обличии.

Мы видим, что стилистически образ Пантократора выделяется невероятной эмоциональной мощью. Но когда ты входишь в храм (я не случайно показываю такой странный слайд), за плечами у тебя невероятно яркое кампанское солнце, а в храме царит полумрак. Вы мне резонно скажите, что здесь ничего не видно. Только постепенно привыкаешь к этому разреженному освещению, окна небольшие. Но зато, если солнце падает на фрески, их дидактическая ясность, цельность и в то же время богатство содержания совершенны очевидны.

Перед нами параллельные изображения истории Ветхого и Нового Заветов с акцентом, естественно, на земную жизнь Христа, на его страсти (страдания), крестную смерть и Страшный суд.

Но начинается все с сотворения мира, и искупительная жертва Христа становится понятной, когда на противоположной стене видишь, откуда все началось. Например, перед нами изгнание из рая Адама и Евы. Адам уже с мотыгой, потому что ему предстоит в поте лица добывать хлеб для себя и для жены. Оба плачут, потому что понимают, что они натворили. Ева, как бы почти обнаженная, потому что тем самым, при всей странности изображения наготы, изображена ее обнаженная грудь, потому что ей предстоит кормить своих детей и в муках рожать. Это примерно то, что, не открывая рта, говорит им ангел. Но, при этом, чувствуется совершенно неуместная, казалось бы здесь, жалость ангела по отношению к этим людям. Лик ангельский написан так же, как и лица, страдающие за собственный грех наших праотцев, с той лишь разницей, что его брови не сведены в жесте страдания, потому что ангел не страдает.

И стены и своды

Монументальная живопись располагалась обычно на стенах, но могла в более редких случаях в романскую эпоху располагаться и на своде. Когда этот свод появился около 1100 г., бочкообразный свод сменяет обычный деревянный потолок.

Вполне возможно, что деревянные потолки тоже могли украшаться изображениями. В редких случаях они сохранились, как, например, в Циллисе в Швейцарии (XII в.). В целом же, мы не можем судить о сохранности живописи на дереве такого далекого времени.

В XII в. потолок тоже мог украшаться циклом, похожим на тот, которым украшались стены. И мог располагаться своеобразным бустрофедоном, то есть, по ходу быка ветхозаветная история. Здесь вы узнаете Ноев ковчег – это спасительная история. Эта история прочитывается бустрофедоном, и, в конце концов, приводит тебя в Святая Святых – к алтарю. Таким образом, весь свод призван внимательного зрителя, способного на такой высоте хоть что-то различить, настроить на евхаристический лад. Это классическое Средневековье.

Витраж как ответ Запада

Между тем, в недрах романской цивилизации рождается такое новое и очень важное для средневековой живописи, как витраж. Он был известен в какой-то форме в античности, во всяком случае в поздней античности. Он известен в Византии. Византия, как известно, умела все, но не всем пользовалась. И, при всей любви византийских архитекторов к игре света, византийская мозаика взяла на себя все основные функции для создания монументального фигуративного храмового пространства. Если византийский храм хочет что-то рассказать, он рассказывает это либо во фреске, либо, если хватает денег, в мозаике.

На Западе возможно в какой-то степени из духа соревнования с почтенной византийской традицией в XII в. активно развивается искусство витража. И витраж mutatis mutandis в глобальной истории искусства стал ответом Запада на Восток. Витраж стал языком монументального зодчества к 1200 году. Он сохранял свои позиции до эпохи Возрождения включительно во всех странах, кроме Италии. Витраж в Италии тоже существовал. Это искусство никуда не делось и существует по сей день, хотя и потеряло фигуративность, фигуративный смысл. В целом, вообще монументальная живопись сейчас не двигатель прогресса, в отличие от Средневековья или эпохи Возрождения. В эпоху Возрождения мы обычно воспринимаем ее как Сикстинскую капеллу. Но на севере витраж вполне жил здоровой, полнокровной и полноценной жизнью на протяжении, по крайней мере, всего XVI века.

В XII в. витраж особенно активно развивается во Франции, Англии на землях империи, прежде всего в Германии. Его можно рассмотреть в деталях, как мы видим на этом слайде, прежде всего в музеях. Это очень полезно. 3 Здесь мы видим фрагмент витража из Клостернойбургского монастыря в Австрии. Он подсвечивается изнутри электрическим светом. Мы видим этот витраж примерно так, как его должен был видеть прихожанин XIII в., только сблизи. Между тем, если посмотреть на монументальную форму витража, то далеко не все издалека можно разобрать.

Вот, например, южный трансепт собора в Шартре, созданный в 1220-х гг. Перед нами наверху знаменитая готическая роза. В сердце этой розы мы видим Господа в окружении 24 старцев Апокалипсиса. В нижнем регистре мы видим Богоматерь с младенцем, в центральном ланцете, в окружении четырех великих пророков, несущих на себе четырех евангелистов. Перед нами как бы образ гармонии между Ветхим и Новым заветами. Новый завет воплощает в себе Ветхий завет. Евангелисты рассказывают об исполнении пророчеств. Издалека не разглядишь, но если хватает зрения, то прочтешь надписи, и они нам показывают, что это четыре пророка, и у них на плечах четыре евангелиста.

Витраж создан в первой трети XIII в. Но за столетие до этого в том же Шартре крупный местный магистр Бернард Шартрский говорил: «Мы с вами карлики на плечах гигантов. Они видели далеко, зрение у них было очень сильное. Мы видим еще дальше не потому, что мы умнее и прозорливее, а потому, что мы сидим у них на плечах». Эта фраза была зафиксирована духовными наследниками магистра Бернарда Шартрского.

Можно предполагать, что создатели этого витража как бы вспомнили эту фразу и решили ее воплотить в такой монументальной форме. Это не точно, нигде это четко не сказано. Более того, некоторые историки средневековой мысли отрицают такую связь. Мне кажется, что такая связь вполне возможна, потому что Шартр сохранил гуманистическую преемственность по отношению к своим магистрам в XIII в. И семейству графов Дрё и Бретани, которые скинулись на этот витраж, вполне могло польстить создание особенной иконографической программы на тему крылатого выражения, почему бы и нет.

Вот собор Нотр-Дам в Лане, чтобы показать вам, чего достигло это монументальное искусство уже к началу XIII в. Витраж встраивается в тело собора, при этом постепенно съедая стены этого собора и превращая его в своеобразную говорящую оранжерею. Мы здесь тоже видим в главном хоре собора, в его прямоугольной по форме апсиде, ту же самую розу. И я вам показываю очень маленький фрагмент одного из ланцетов – это встреча Марии и Елизаветы. То есть, новозаветная история в витраже может рассказываться с каким угодно количеством деталей.

В этом плане витраж оказался при всей своей дороговизне намного выгоднее, чем фреска. Это первое. Второе. Витраж, как ни странно, сохраннее, чем фреска во французском и в германском климате. Фрески здесь тоже создавали, но их немного. Конечно, многое погибло, в том числе уже многое перестраивалось уже в те времена, потому что, представим себе, что в XIII в. фреска уже, мягко говоря, не в моде. И если у города вдруг появляются средства, он просто снесет старый храм или перенесет его, разбив и расширив окна, укрепив контрфорсами основное тело.

Поучающее сокровище

Рассказывающее в таких ярких драгоценных красках стекло воспринималось как сокровище и в прямом, и в переносном смысле этого слова. Для изготовления крашеной слюды зачастую использовались настоящие драгоценные камни. Их жертвовали местные сеньоры. И сами епископы, которые часто сами были ближайшими родственниками феодальных семейств. Мы должны учитывать, что церковь – феодальный, богатый сеньор. И церковь – это власть, которая должна не только воспитывать свою паству, но еще и являть свое величие, например, по отношению к ближайшему соседу, городу или деревне.

История великих готических соборов – это также история церковной гордыни, в которую вклинивалась светская гордыня. Возьмем один из самых замечательных витражей классической эпохи витража – житие св. Евстафия Плакиды в Шартре. Его можно хорошо разглядеть в деталях и в нижнем ярусе без сякого бинокля. Трогать не советую, но можно и рукой дотянуться. А с биноклем можно разглядеть и сцены наверху. Вместе, когда мы смотрим весь витраж целиком, он представляет собой невероятно сложную схему. На моем слайде мы толком ничего не различим. Различим только сотню фигур. Мы также понимаем, что три геометрических фигуры, два круга (большой и малый) и ромб призваны эту историю организовать. И предполагаем, что в ромбах будут самые главные истории. Потом в парных крупных клеймах какие-то еще важные истории, и в малых клеймах – побочные истории и детали. Примерно как в литературном произведении. У нас есть основная тема, завязка, акме и развязка. Примерно также будет и здесь.

Мы видим, что нижняя сцена представляет собой изображение охоты. Представим себе этот ромб. Расставив средней длины руки, мы получим размер этого витража – он примерно около метра в ширину. Это монументальная живопись, но не то, что каких-то невообразимых размеров. В этом небольшом ромбе мы видим две конных фигуры: один – с луком, другой – либо уже выстрелил, либо собирается стрелять, а другой трубит в охотничий рог. Они преследуют трех оленей, и помогают им в этом четыре собаки. То есть, на совсем небольшом пространстве у нас размещено большое количество фигур. При этом у нас не создается ощущение перезаполненности, переизбыточности этой сцены. Она композиционно вполне логична, мы чувствуем ее невероятную динамику. И эта первая сцена призвана, наряду с орнаментальной рамой, нас настроить на динамический лад.

И дальше начинается рассказ об охотнике Плакиде – это римлянин III в., который охотится. Куда-то его конь занес, и он встречает в лесу оленя, посреди рогов которого высится крест. И, казалось бы, что это ключевой момент его истории, точно так же как и его крещение. Потому что, античный язычник, просто охотник, превращается в нового человека, в христианина. С точки зрения христианской дидактики, Житие св. Евстафия призвано показать мирянину 1200 г., что и он тоже, будучи христианином, зачастую ведет себя вовсе не как христианин. И он должен молиться о том, чтобы Господь как-то явил свою силу, себя самого даже таким чудесным образом, чтобы потом быть в состоянии пройти через любые испытания, как Евстафий, чтобы стяжать небесную благодать. Эта самая небесная благодать изливается ему на голову в обоих этих клеймах с помощью красного огня. Что-то подобное мы видели на миниатюре Хильдегарды Бингенской. И здесь – тоже. Мы видим, что сфера Господа, его локус обозначен в клейме отдельным рисунком – желто-зелено-бело-красным (в первом случае). Локус божества обозначен отдельной сферой. И, в первом случае, десница Божия как бы выступает из этой сферы, вторгается в сферу человеку, потому что здесь явлен крест. И на Плакиду изливается Божественный свет, как бы разбивая надвое прежнее имя будущего Евстафия.

В следующем клейме он получает крещение, как ни трудно догадаться. И, вместе с ним, новое имя, которое подписано (сейчас едва заметно) – это имя Евстафий, Евстахий, Евстациус по-латыни. Далее у него разные приключения, и, в конце концов, он стяжает небесную славу. Здесь мы видим, что витраж, как и миниатюра его времени (мы это тоже видели в предыдущих лекциях), сочетает в себе вкус к рассказу, нарратив с классификацией. Такова и богословская вероучительная мысль того времени. Она полностью основывается на библейском рассказе.

Замысловатое наглядное пособие

Но смысл библейского рассказа в том, чтобы дать средневековому христианину, верующему прихожанину церкви некую систему знаний. И в этом смысле витраж опять здорово выигрывает перед фреской. Фреска может либо дать нам икону – например, образ «Спаса в силах», или образ для подражания – Христос омывает ноги апостолам. Точно так же и мы должны быть готовы помочь ближнему. Все это понятно. Витраж, будучи частью монументального архитектурного пространства, самой своей сутью, своими свинцовыми перепонками как бы вклинивается особенным образом в тело храма. И саму человеческую мысль витраж организует тоже новым, не известным даже мозаике, образом. Вот перед нами один из моих любимых витражей – «Новый Завет», но не в смысле Новый Завет как книга, а по-французски это называется Nouvelle Alience (Новый Союз). Но надо учитывать, что слово «Завет» в библейской традиции означает договор, союз между Богом и людьми. И новый он по отношению к старому. Не случайно такое название возникло. Это так называемый типологический витраж, в отличие от витража нарративного.

Главная сцена – спасительная смерть Христа легко прочитывается, несмотря на то, что лики пострадали от времени. Мы видим, что Эклезия, Церковь, в чашу набирает кровь, вытекающую из груди Христа. Синагога же в одной своей руке держит скрижаль 10 заповедей и сломанное копье. Она слепа. У Синаноги повязка на глазах, и с ее головы падает корона. То есть, когда-то она была царицей. Но, из-за того, что она предала Христа, она как бы убила его – мы видим, что ее копье направлено в Христа, и это совсем не случайно. Мы знаем, что бок Христа на самом деле проткнул римлянин, и средневековый христианин это тоже знал. И это было жестом милосердия. Но, в целом, в напряженной антииудейской атмосфере эпохи Крестовых походов, Синагога становится метоминией всех тех злыдней, которые Христа предали. Это в какой-то степени и знак иудаизма, и даже антисемитизма тех лет. Но это не значит, что в Бурже все поголовно были антисемитами.

По бокам этой сцены мы видим Моисея. Слева он извергает с помощью палки-жезла воду из скалы, творя чудо. Справа он создает медного змея, то есть отливает из меди змея, ставит его на столп и говорит своим иудеям: «Поклонитесь ему, и кара Господня вас минет». Это история из хождения 40-летнего перехода иудеев из Египта в Израиль. Они воспринималась как спасительная история, как предвестие спасения христианского народа. Точно так же, как они 40 лет ходили по пустыне, и были у них испытания и искушения – точно так же Христос потом 40 дней был искушаем в пустыне, и, в конце концов, спас человечество. И точно так же, как и мы, христиане, сегодня должны поститься Великим постом, сопереживая эту историю.

Казалось бы, Моисей создает истукана, кумира. Но художник нам показывает, что кумир кумиру рознь. Христово распятие и крест как знак этого Распятия – это спасительный «идол». Но идол здесь будет совершенно неправильным словом, поскольку в русском языке оно отрицательное, но внутри Ветхого Завета – подсказывает нам художник и богослов, стоящий за ним – есть предвестие истории Нового Завета.

И, казалось бы, порядок этого рассказа сбивает нас с толку. На самом деле, мыслители того времени (например, Гуго Сен-Викторский) вполне хорошо понимали нелогичность рассказа в Библии, отсутствие четкой последовательности в нем, но они давали этой видимой непоследовательности совершенно четкое объяснение.

Вот как пишет об этом Гуго Сен-Викторский: «В рассказе нужно иметь в виду прежде всего то, что божественное Писание не всегда идет естественным непрерывным чередом. Часто оно более поздние события излагает раньше предшествующих. Перечислив что-то, вдруг возвращается назад так, будто речь идет о прямой последовательности».

Такие витражи, рассказывающие одновременно несколько историй, сливающих их в своеобразную таблицу, схему или даже в многоплановую икону, могли сбивать с толку. У нас даже есть свидетельство середины XIII в. о том, что буржские витражи казались прихожанам выдумкой клириков, которые самую простую историю умудряются превратить в набор несуразиц. Мы должны понимать, что у витража в Средние века, как и сегодня, существовало несколько уровней понимания. Это совершенно нормально для любой культуры. Главное, что средневековый человек понимал, что божественное Писание далеко не всегда идет естественным непрерывным чередом. Часто оно более поздние события излагает раньше предшествующих. Перечислив что-то, вдруг возвращается назад, как будто речь идет о прямой последовательности. Так говорил Гуго Сен-Викторский в 1120-х гг. в своем сочинении «Дидаскаликон». И примерно так же рассуждали богословы эпохи расцвета витража, современники Петра Ломбардского, или позже Фомы Аквинского.

Витраж стал своеобразной квинтэссенцией средневековой монументальной живописи, поэтому разглядывать его по сей день невероятно интересно.

Источники

1. Kemp W. Sermo corporeus. Die Erzählung der mittelalterlichen Glasfenster. München, 1997.
2. Castelnuovo E. Vetrate medievali: officine, tecniche, maestri. Torino, 2007.
3. Caviness M. Stained glass windows. Turnhout, 1996.
4. Caviness M. Paintings in Glass: Studies in Romanesque and Gothic Monumental Art. Ashgate, 1997.
5. Grodecki L., Brisac C. Le vitrail gothique au XIIIe siècle. P., 1984.

В современных школах ученикам старших классов преподается очень важный и нужный предмет под названием «Мировая художественная культура». Курс МХК рассказывает школьникам о шедеврах архитектуры и изобразительного искусства от древности до наших дней. В программу входит и такой раздел, как монументальное искусство. С ним мы сейчас познакомимся поближе.

Что такое монументальное искусство?

Это особенный раздел отличающийся пластической или смысловой нагрузкой архитектурного произведения, а также важностью и значительностью идейного содержания. Слово «монументальное» произошло от латинского moneo, что означает «напоминаю». И не мудрено, ведь данный тип искусства - один из самых древних на земле.

История монументального творчества

Корни данного вида зодчества и живописи восходят к первобытному обществу. Древние люди тогда только научились рисовать, неумело держали в пальцах уголек, но их произведения монументальной живописи на пещерных стенах уже поражали воображение. Конечно, они были нарисованы коряво, обилие красок отсутствовало, но зато присутствовал смысл. Он заключался в представлении древних людей о силах природы, собственной жизни, различных умениях. Поэтому стены пещер украшали различные сценки из жизни первобытного человека: добыча мамонта, самая красивая женщина в пещере, ритуальные танцы у костра и многие, многие другие.

Первобытное общество сменилось Древним миром, и там монументальное творчество тоже нашло свое место. В Древнем Египте данное искусство очень уважали и любили. Об этом нам говорят сохранившиеся до наших дней сфинксы и египетские пирамиды. В эпоху Возрождения произошел расцвет монументальной архитектуры. На свет появились такие шедевры, как картина «Сотворение Адама», а также Сикстинской капеллы. Все эти работы выполнены гением своего времени - Микеланджело Буонарроти.

В конце 19-начале 20 века искусство идет по новому пути. Наиболее популярный тогда стиль «модерн» отразился и на данном творчестве, из-за чего большинство монументальных произведений было выполнено в данном направлении. Особенно это коснулось живописи и нашло отражение в работах таких художников, как М. Врубель, М.Дени и другие. Но не было забыто и зодчество, в это время работают такие скульпторы как Э. Бурдель и А. Майоль. Их руками было создано большинство произведений в жанре которыми мы восхищаемся и любуемся по сей день.

Наибольшее развитие и признание данный вид искусства получил в СССР. Страна Советов ставила перед собой и внушительные памятники и постаменты как нельзя лучше отражали ее задумки. Впечатляющие, высокие, стремящиеся ввысь статуи отражают смелость и силу духа рабочих того времени.

Примеры данного вида искусства

Сюда относятся как архитектурные, так и живописные произведения. Монументальное искусство включает в себя мозаики, фрески, памятники и бюсты, различные скульптурные и декоративные композиции, витражи и даже… фонтаны. Теперь можно убедиться, как много сюда входит произведений искусства. Немудрено, что по всему миру созданы тысячи музеев, где на всеобщее восхищение выставлены панно, бюсты и скульптуры самых разных эпох и поколений.

Разнообразие произведений

Сюда входят два вида творчества: скульптура и изобразительное искусство. обычно представляет собой различные панно, росписи на стенах, барельефы и др. Они служат украшением окружающей обстановки и обязательно входят в состав какого-либо ансамбля, являясь его важной частью. В монументальной живописи различают разнообразные техники: это фреска, витраж, мозаика и т.д. Стоит отметить, что монументальная живопись располагается на специально созданной под нее конструкции или на недвижимой архитектурной основе.

Эпоха СССР и данный вид творчества

Монументальное искусство высоко ценилось в СССР. Оно способствует развитию художественного вкуса, воспитанию нравственности и патриотических чувств к своей Родине. Оно эмоционально обогащает, даря при взгляде на него незабываемые воспоминания, которые навсегда остаются в душе и сердцах как детей, так и взрослых. Советскому монументальному искусству присущи гуманизм и художественная организация. Произведения живописи и архитектуры, выполненные в соответствующем стиле, можно было встретить везде: около школ и садиков, заводов и в парках. Умудрялись строить памятники даже в самых необычных местах.

Этот вид творчества получил широкое распространение после Октябрьской революции, когда строилась новая страна с новыми законами, порядками и социализмом. Именно тогда произведения монументального искусства получили особое признание в народе. Все живописцы, скульпторы, архитекторы были охвачены порывом создать шедевр монументального искусства, чтобы показать, что время изменилось, наступила новая жизнь, новый бытовой уклад, новые открытия в науке и новый вид искусства.

Бессмертное произведение

Одним из самых запоминающихся творений тех времен стала великолепная монументальная скульптура Веры Мухиной «Рабочий и колхозница», олицетворяющее собой тяжелый труд и подвиг советского народа. История памятника очень интересна и познавательна. В 1936 году заканчивали строительство Дворца Советов, наверху которого должен был стоять памятник «Рабочий и колхозница». Для создания скульптурного сооружения отобрали лучших мастеров, в число которых попала и Вера Мухина. На работу им дали два месяца и сказали, что статуя должна олицетворять собой две фигуры - рабочего и колхозницы. Одну и ту же идею четыре скульптора выполнили совершенно по-разному. У кого-то фигуры спокойно и безмятежно стояли, у кого-то наоборот, яростно рвались вперед, будто стремясь кого-то обогнать. И только Мухина Вера Игнатьевна запечатлела в своей работе прекрасный момент начатого, но не законченного движения. Именно ее работа и была одобрена комиссией. Сейчас памятник «Рабочий и колхозница» находится на реставрации.

Монументальная живопись: примеры

Как уже было сказано выше, изобразительное искусство этого типа уходит корнями в древние времена. Уже тогда создавались великолепные рисунки на стенах пещер, изображающие процесс охоты, древние ритуалы и др.

Монументально-декоративная живопись подразделяется на несколько типов:

• Фреска . Данное изображение создается на сырой штукатурке несколькими типами красок, которые получились из пигмента в виде порошка. При высыхании такой краски образуется пленка, защищающая работу от внешнего воздействия.
• Мозаика . Рисунок выкладывается на поверхности маленькими стеклышками или разноцветными камнями.
• Темпера . Произведения этого типа выполнены красками из пигмента растительного происхождения, разведенного в яйце или масле. Как и фреска, наносится на невысохшую штукатурку.
• Витраж . Схож с мозаикой, так же выкладывается из кусочков разноцветного стекла. Разница в том, что кусочки соединяются между собой спайками, а готовое произведение помещают в оконный проем.

Наиболее известные произведения монументальной живописи - фрески Феофана Грека, например двусторонняя икона «Богоматерь Донская», на другой стороне которой изображено «Успение Богородицы». Также к произведениям искусства можно отнести «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля Санти, «Тайную вечерю» Леонардо да Винчи и другие картины.

Монументальное зодчество: шедевры мирового искусства

Хорошие скульпторы во все времена ценились на вес золота. Поэтому мир и обогатился такими произведениями, как Триумфальная арка, расположенная в Москве, памятник Петру 1 «Медный всадник», скульптура Давида, выполненная Микеланджело и находящаяся в Лувре, статуя прекрасной Венеры, у которой отсечены руки, и многие другие. Такие виды монументально-декоративного искусства завораживают и притягивают к себе взгляды миллионов, на них хочется любоваться снова и снова.

Существует несколько типов зодчества этого типа:

• Памятник . Обычно это скульптура одного или нескольких людей, стоящих неподвижно или замерших в какой-либо позе. Производятся из камня, гранита, мрамора.
• Монумент . Увековечивает в камне какое-либо событие истории, например Отечественную войну, или великую личность.
• Стела . Данный тип зодчества представляет собой плиту из камня, гранита или мрамора, стоящую вертикально и имеющую какую-либо надпись или рисунок.
• столб, состоящий из четырех заостряющихся кверху граней.

Заключение

Монументальное искусство - вещь сложная и неоднозначная. У всех людей она вызывает разные чувства, у кого-то - гордость за мастеров, что человеческие руки смогли произвести на свет шедевр. Кто-то чувствует недоумение: как такая работа вообще могла быть выполнена обычным человеком, ведь в ней столько мелких деталей? Иной зритель просто остановится и залюбуется памятниками живописи и архитектуры, как древними, так и современными. Но объекты монументального искусства не оставят равнодушным ни одного человека. Это происходит потому, что у всех мастеров, сделавших что-либо в этом стиле, имеется огромный, недюжинный, самый настоящий талант, терпение и бескрайняя любовь к своему делу.

Образы живописи очень наглядны и убедительны. Она способна передавать объемы и пространства, природу, воплощать общечеловеческие идеи, события исторического прошлого и полет фантазии, раскрывать сложный мир человеческих чувств и характера. Живопись может быть однослойной (выполняется сразу) и мнослойной, включающей подмалевки и пессировки , наносимые на просохший красочный слой прозрачный и полупрозрачный слои краски.
Этим достигаются тончайшие нюансы и оттенки цвета.
Построение объема и пространства в живописи связано с линейной и воздушной перспективой , пространственными свойствами теплых и холодных цветов, свето-теневой моделировкой формы, передачей общего цветового фона полотна . Для создания картины, кроме цвета, необходимы хороший рисунок и выразительная композиция . Художник, как правило, начинает работу рад полотном с поиска наиболее удачного решения в эскизах. Затем, в многочисленных живописных этюдах с натуры, он прорабатывает необходимые элементы композиции.

СТАНКОВАЯ ЖИВОПИСЬ .
Станковыми называются картины, которые имеют самостоятельное значение (пишутся на станке). У станковой живописи много жанров.

Жанр (франц. "манера", "вид", "вкус", "обычай", "род") - исторически складывающийся и развивающийся тип художественного произведения.
Жанр может отмечаться в названии картины (прим. "Торговец рыбой").

Жанры станковой живописи :

По тому, что изображено на картине :
1.Портрет
2.Пейзаж
3.Натюрморт
4.Бытовой (жанровый)
5.Исторический
6.Батальный
7.Анималистический
8.Библейский
9.Мифологический
10.Сказка

1.Портрет - изображение человека или группы людей, существующих или существовавших в действительности.
Виды портрета : поясной, поплечный, погрудный, портрет в рост, портрет на фоне пейзажа, портрет в интерьере (комнаты), портрет с аксессуарами, автопортрет, двойной портрет, групповой портрет, парный портрет, костюмированный портрет, миниатюрный портрет.

По характеру изображения все портреты можно разделить на 3 группы :
а) парадные портреты , как правило предполагают изображение человека в полный рост (на коне, стоящим или сидящим), обычно на пейзажном или архитектурном фоне;
б) полупарадные портреты (возможно не совсем во весь рост, нет архитектурного фона);
в) камерные (интимные) портреты, в которых используется поплечное, по грудное, поясное изображение, чаще на нейтральном фоне.

Русские художники-портретисты: Рокотов, Левицкий, Боровиковский, Брюллов, Кипренский, Тропинин, Перов, Крамской, Репин, Серов, Нестеров

2.Пейзаж (франц. "место", "страна", "родина") - изображает природу, вид местности, ландшафт.
Виды пейзажа : сельский, городской, морской (марина), городской архитектурный (ведута), индустриальный.
Пейзаж может носить лирический, героический, эпический, исторический, фантастический характер .

Русские художники-пейзажисты: Щедрин, Айвазовский, Васильев, Левитан, Шишкин, Поленов, Саврасов, Куинджи, Гробарь и др.

3.Натюрморт (франц. "мертвая природа") - изображает своеобразные портреты вещей, их тихую жизнь. Художники изображают самые обычные вещи, показывают их красоту и поэтичность.

Художники: Серебрякова, Фальк

4.Бытовой жанр (жанровая живопись) - изображает повседневную жизнь человека и знакомит нас жизнью людей давно ушедших времен.

Художники: Венецианов, Федотов, Перов, Репин и др.

5.Исторический жанр - изображает значимые исторические события, события прошлого, былинные времена. Этот жанр часто перелеплетается с другими жанрами: бытовым, батальным, портретом, пейзажем .

Художники: Лосенко, Угрюмов, Иванов, Брюллов, Репин, Суриков, Ге и др.
Суриков, выдающийся мастер исторической живописи: "Утро стрелецкой казни", "Боярыня Морозова", "Меньшиков в Березове", "Переход Суворова через Альпы", "Покорение Сибири Ермаком".

6.Батальный жанр - изображает военные походы, сражения, ратные подвиги, боевые действия.

7.Анималистический жанр - изображает мир животных.

МОНУМЕНТАЛЬНАЯ ЖИВОПИСЬ.

Всегда связана с архитектурой. Украшает стены и потолки, полы, проемы окон.

Виды монументальной живописи (различаются в зависимости от техники исполнения):

1.Фреска (итал. "по сырому") - пишется по сырой известковой штукатурке красками (сухой пигмент, краситель в порошке), разведенными водой. Высыхая,известь выделяет тончайшую кальциевую пленку, которая закрепляет находящиеся под ней краски, делает живопись несмываемой и очень прочной.

2.Темпера - краски разведенные на яйце,казеиновом клее или синтетическом связующем веществе. Это самостоятельный и распространенный вид стенной живописи. Иногда темперой пишут по уже сухой фреске. Темпера быстро высыхает и при высыхании меняет цвет.

3.Мозаика (лат. "посвященная музам") - живопись, выложенная из небольших кусочков цветных камней или смальты (специально сваренное непрозрачное цветное стекло)

4. Витраж (франц. "остекление", от лат. "стекло") - живопись, выполненная из кусочков прозрачного цветного стекла, соединенных между собой свинцовыми полосками (спаивание свинцом)

5.Панно (франц. " доска", "щит")
- а) часть стены или потолка (плафон), выделенная лепной рамой или ленточным орнаментом и заполненная живописью;
б) выполнено красками на холсте, а затем прикреплено к стене. Для наружных стен панно может быть выполнено из керамических плиток.

АРХИТЕКТУРА

Архитектура - искусство создавать здания и их комплексы, образующие среду для жизни людей. От других видов искусства отличается тем, что выполняет не только идейно-художественные, но и практические задачи.

Виды архитектуры :
общественная (дворцовая);
общественная жилая;
градостроительство;
реставрация;
садово-парковая (ландшафтная);
промышленная.

Выразительные средства архитектуры :
композиция здания;
масштаб;
ритм;
светотень;
цвет;
окружающая природа и застройка;
живопись и скульптура.

1. Композиция здания - расположение его основных частей и элементов в определенной последовательности. Композиция здания очень важна, так как от нее зависит впечатление, которое производит здание . Создавая архитектурную композицию архитектор пользуется различными приемами: чередованием и сочетанием различных пространств (открытых и закрытых, освещенных и затемненных, сообщающихся и изолированных и др.); различных объемов (высоких и низких, прямолинейных и криволинейных, тяжелых и легких, простых и сложных); элементов ограждающих поверхностей (плоских и рельефных, глухих и ажурных, однотонных и красочных). Выбор композиции зависит от того, для чего здание предназначается.

Виды композиции :
- Симметричная . Одинаковое расположение элементов здания относительно оси симметрии, которая отмечает центр композиции. Такие здания были характерны для архитектуры эпохи классицизма.
- Асимметричная . Главная часть здания смещается в сторону от центра. Используются различные, контрастные по форме, материалу и цвету объемы, что приводит к динамичному архитектурному образу. Характерно для современного строительства.
Прием симметрии и асимметрии при композиции отдельных элементов, расстановке колонн, окон, лестниц, дверей и т.д.

2. Ритм .Большое организующее значение в архитектурной композиции принадлежит ритму, т.е., четкому распределению повторяющихсч с определенным интервалом объемов и деталей здания (анфилад комнат и залов, последовательных изменений объемов помещений, группировке колонн, окон, скульптур)

Виды ритма :
-Вертикальный ритм . Чередование отдельных элементов в вертикальном направлении. Придает зданию впечатление легкости, устремленности вверх.
- Горизонтальный ритм . Чередование элементов в горизонтальном направлении.Делает здание приземистым, устойчивым.
Собирая, сгущая отдельные детали в одном месте и разряжая их в другом, архитектор может подчеркнуть центр композиции, придать зданию динамичный или статичный характер.

3. Масштаб . Пропорциональное соотношение здания и его частей. Определяет величину отдельных частей и деталей здания по отношению к величине всего здания в целом, к человеку, окружающему пространству и другим постройкам. Масштаб здания зависит не от размеров здания, а от общего впечатления, которое оно производит на человека.

4. Светотень . Свойство, выявляющее распределение светлых и темных участков на поверхности формы. Усиливает и облегчает зрительное восприятие архитектурной формы, придает ей более живописный вид. Искусственное освещение объемов зданий используется на уровне уличного, магистрального и подсветки. Отраженный свет в интерьере создает иллюзию легкости форм.

Особенность архитектуры как искусства заключается в создании единства архитектурной композиции из множества архитектурных форм. Простейшее средство создания единства- придание объему здания простой геометрической формы. В сложном ансамбле здания единство достигается соподчинением: главному объему (композиционному центру) подчиняются второстепенные части здания. Композиционным средством также является тектоника.

Тектоника -художественно выявленное конструктивное строение здания.

5. Цвет . Часто используется в архитектурных сооружениях, особенно во внутренних помещениях (особенно в постройкам в классическом стиле и барокко). Для современного интерьера характерны яркие, светлые тона.

6. Живопись и скульптура .К художественным средствам создания композиционного единства постройки относится монументальное и прикладное искусство, в частности скульптура и живопись, сочетание которых с архитектурой получило название "синтез искусств".

7. Окружающая природа и застройка .Архитектура тяготеет к ансаблевости. Для ее сооружений важна вписанность в естественный (природный) или урбанистический (городской) пейзаж. Формы архитектуры обусловлены: природно (зависят от географических и климатических условий, от характера ландшафта, интенсивности солнечного света); социально (зависят от характера общественного строя, эстетических идеалов, утилитарных и художественных потребностей общества).

Архитектура тесно связана с развитием производительных сил и техники. Ни одно искусство не требует такого сосредоточения коллективных усилий и материальных средств , например: Исакиевский собор строили 500 тысяч человек в течение 40 лет.

Триединство архитектуры: польза, прочность, красота. Другими словами, это важнейшие составляющие архитектурного целого: функция, конструкция, форма (Витрувий, I в. н.э. древнеримский архитектурный теоретик). Строительство стало архитектурой тогда, когда целесообразная постройкам обрела эстетический вид.

Архитектура зародилась в глубокой древности. В Древнем Египте грандиозные сооружения создавались во имя духовно-культовых целей (гробницы, храмы, пирамиды). В Древней Греции архитектура обретает демократический облик и культовые сооружения (храмы) уже утверждают красоту, достоинство грека-гражданина. Возникают новые виды общественных построек: театры, стадионы, школы. А зодчие следуют гуманистическому принципу красоты, сформулированному Аристотелем: "Прекрасное должно быть не слишком большим и не слишком маленьким". В Древнем Риме зодчие широко применяют арочные сводчатые конструкции из бетона. Новые типы сооружений, форумы, триумфальные арки и колонны отражают идеи государственности и военной мощи . В Средние века архитектура становится ведущим и самым массовым видом искусства . В устремленных к небу готических соборах выражался религиозный порыв к Богу, и страстная земная мечта народа о счастье. Архитектура Возрождения развивает на новой основе принципы и формы античной классики, вводится новая архитектурная форма - этаж.Классицизм канонизирует композиционные приемы античности.

Единство архитектурной композиции подразумевает единство стиля, которое создается совокупностью признаков, типичных для искусства определенного времени. На стиль каждой эпохи влияли различные факторы: идеологические и эстетические взгляды, материалы и техника строительства, уровень развития производства, бытовые запросы, художественные формы.

Стиль - сумма элементов, которые раскрывают особенности данной эпохи.
Стиль - исторически сложившаяся совокупность художественных средств и приемов, которые характеризует особенности искусства определенного времени.
Стиль присутствует во всех видах искусства, но формируется преимущественно в архитектуре. Архитектурный стиль формируется десятилетиями, а то и веками, например в Древнем Египте стиль сохранился в течение 3 т.л., в связи с чем получил название канонический (канон (норма, правило) - свод правил, сложившийся в процессе художественной практики и закрепленных традицией).

Основные принципы египетского стиля, характерные для всего искусства Древнего Египта :
- единство изображений и иероглифических надписей;
- вертикальное изображение предметов и людей (менее значимое изображается на плоскости выше);
- построчное изображение сложных сцен горизонтальными поясами;
- разномасштабность фигур, величина которых зависит не от расположения в пространстве, а от значимости каждой из них;
- изображение фигуры человека как бы с разных точек зрения (фаснопрофильное) - принцип распластывания фигуры на плоскости (когда голова и ноги изображались в профиль, а торс и глаза в фас).

КАЛЕНДАРНО-ТЕМАТИЧЕСКОЕ ПЛАНИРОВАНИЕ УРОКА.

Календарно-тематическое планирование зависит от возраста учащихся. Идеальный вариант - наличие уроков в 5(6)-11 классах, на это рассчитана государственная программа Ю. А. Солодовникова и Л. Н. Предчетенской. Необходимо учитывать что специфику работы в среднем и старшем звене различны. Старшеклассники уже способны к восприятию обобщенных представлений, заключенных, например, в понятии стиля, где преобладает явление принципа "от общего к частному". Учащиеся среднего звена, особенно в 5-6 классах, еще не всегда готовы к осознанию стиля, то есть еще не владеют умением видеть общую закономерность во многих конкретных явлениях. Этот навык развивается постепенно, поэтому в среднем звене больший результат дадут уроки "погружения" в какое-либо произведение, событие, явление, жизненный и творческий путь автора, например, "Мифы Древней Греции", "Рождение оперы", "Флорентийская коммерата". Эти занятия могут проходить в виде инсценировок, деловых игр, викторин, диспутов и т.д. При этом ученики получают информацию, связанную с конкретными героями, особенностями выразительных средств конкретного искусства. Умение за этими "частными" моментами увидеть общие закономерности возникает на подсознательном уровне. Зато хорошо, ярко и надолго запоминаются конкретные образы и ситуации.
Позже, ученики, накопившие опыт общения с отдельными произведениями искусства, явлениями культуры, получает способность осознать, сформулировать и выразить обобщение суждение. Этот момент наступает, когда ученик подходит к 9 классу, реже к 8 классу. У учащихся 8 и 9 классов восприятие отличается. 8 класс - этап переходного возрастного периода, который проявляется по разному. В одном случае восьмиклассники уже готовы для более сложного уровня восприятия, в другом - нет. Подобная ситуация решается учителем в каждом конкретном случае.
Если в школе МХК изучается с 5 по 11 класс, то наиболее результативным может быть подход, состоящий из двух ступеней. Уроки в 5-7(8) классах - это увлекательные "погружения" в мир конкретных явлений культуры, искусства и т.д., с использованием активных практических форм работы. Это могут быть инсцинирование, игры, диспуты, использование компьютерных программ, исследования при помощи интернета, работа над проектами, викторины и т.д. При этом принцип историзма сохраняется - в тематическое планирование учитель включает ключевые произведения и явления культуры, отражающие различные этапы ее развития. Очень хорошо, если это будет сочетаться с курсом истории, которую параллельно проходят учащиеся. Возможна связь с уроками ИЗО, литературы, музыки и т. д.
Концепция, избранная учителем в качестве основы может определять различный материал и виды деятельност. Солодовников предлагает в качестве возможного принципа организаций предмета опора на мифологию. Но возможны и другие принципы.
Выйдя на вторую ступень, имея знания о конкретном явлении культуры, учащиеся 9-11 класса могут еще раз пройти этот путь, но уже с точки зрения стилей, особенности художественного образа в ту или иную эпоху. Отдельные представления, полученные ранее, складываются в единую систему взаимосвязей, становятся ясны причины и следствие.

Составляя программу для 6-8 класса учитель может взять за основу содержание факультативного курса МХК Даниловой, где из обширного и разнопластного материала учитель может выбрать то, что ему наиболее близко и отвечает условиям его работы.
Возможен и такой вариант планирования уроков МХК в среднем звене, когда концентрический принцип действует в каждом классе, т.е. в каждом классе ученики последовательно проходят темы касающиеся искусства Древнего Мира, Средневековья, Востока, России, Ренессанса и т.д.