Публикации раздела Музеи

Древнеримская трагедия, ставшая триумфом Карла Брюллова

23 декабря 1799 года родился Карл Брюллов. Сын скульптора французского происхождения Поля Брюлло, Карл был одним из семи детей в семье. Его братья Павел, Иван и Федор тоже стали живописцами, а брат Александр - архитектором. Однако самым известным оказался Карл, написавший в 1833 году полотно «Последний день Помпеи» - главное произведение своей жизни. «Культура.РФ» вспомнила, как создавалось это полотно.

Карл Брюллов. Автопортрет. 1836

История создания

Картина написана в Италии, куда в 1822 году художник отправился в пенсионерскую поездку от Императорской Академии художеств на четыре года. Но прожил там 13 лет.

Сюжет повествует о древнеримской трагедии - гибели старинного города Помпеи, расположенного у подножия Везувия: 24 августа 79 года н. э. извержение вулкана унесло жизни двух тысяч жителей.

В 1748 году военный инженер Рокке де Алькубьерре начал археологические раскопки на месте трагедии. Открытие Помпеи стало сенсацией и нашло свое отражение в творчестве разных людей. Так, в 1825 году появилась опера Джованни Пачини, а в 1834 году - исторический роман англичанина Эдварда Бульвер-Литтона, посвященный гибели Помпеи.

Брюллов впервые посетил место раскопок в 1827 году. Отправляясь на развалины, 28-летний художник и не подозревал, что эта поездка окажется судьбоносной для него: «Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего все забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом» , - писал художник.

Чувства, которые Карл Брюллов испытал на раскопках, не оставляли его. Так родилась идея полотна на историческую тему. Работая над сюжетом, живописец изучал археологические и литературные источники. «Декорацию сию я взял с натуры, не отступая нисколько и не прибавляя, стоя к городским воротам спиною, чтобы видеть часть Везувия как главную причину» . Моделями для персонажей стали итальянцы - потомки древних жителей Помпеи.

На стыке классицизма и романтизма

В этой работе Брюллов являет себя не традиционным классицистом, а художником романтического направления. Так, его исторический сюжет посвящен не одному герою, а трагедии целого народа. А в качестве сюжета он выбрал не идеализированный образ или идею, а реальный исторический факт.

Правда, композицию картины Брюллов строит в традициях классицизма - как цикл отдельных эпизодов, заключенных в треугольник.

В левой части картины на втором плане изображены несколько человек на ступеньках большого здания гробницы Скавра. Прямо на зрителя смотрит женщина, в глазах которой читается ужас. А за ней - художник с ящиком красок на голове: это автопортрет Брюллова, переживающего трагедию вместе со своими персонажами.

Ближе к зрителю - семейная пара с детьми, которая пытается спастись от лавы, а на первом плане женщина прижимает к себе дочерей… Рядом с ней - христианский священник, который уже вверил свою судьбу Богу и оттого спокоен. В глубине же картины мы видим языческого римского священника, который пытается спастись, унося ритуальные ценности. Здесь Брюллов намекает на падение античного языческого мира римлян и наступление христианской эпохи.

В правой части картины на втором плане изображен всадник на коне, который встал на дыбы. А ближе к зрителю - жених, охваченный ужасом, который пытается удержать на руках свою невесту (на ней венок из роз), потерявшую сознание. На первом плане - два сына несут своего старика отца на руках. А рядом с ними - юноша, умоляющий мать подняться и бежать далее от этой всепоглощающей стихии. Кстати, этот юноша не кто иной, как Плиний Младший, действительно спасшийся и оставивший свои воспоминания о трагедии. Вот отрывок из его письма Тациту: «Я оглядываюсь назад. Густой черный туман, потоком расстилающийся по земле, настигал нас. Вокруг наступила ночь, непохожая на безлунную или облачную: так темно бывает только в запертом помещении при потушенных огнях. Слышны были женские вопли, детский писк и крик мужчин, одни окликали родителей, другие детей или жен и старались узнать их по голосам. Одни оплакивали свою гибель, другие гибель близких, некоторые в страхе перед смертью молились о смерти; многие воздевали руки к богам; большинство объясняло, что нигде и никаких богов нет и для мира это последняя вечная ночь» .

В картине нет главного персонажа, но есть центральные: златокудрый ребенок возле распростертого тела своей погибшей матери в желтой тунике - символ падения старого мира и зарождения нового, это противопоставление жизни и смерти - в лучших традициях романтизма.

В этой картине Брюллов показал себя и как новатор, используя два источника света - горячий красный свет на заднем плане, передающий ощущение надвигающейся лавы, и холодный зеленовато-голубой на переднем плане, добавляющий сюжету дополнительную драматургию.

Яркий и насыщенный колорит этой картины также нарушает классические традиции и позволяет говорить о художнике как о романтике.

Триумфальное шествие картины

Карл Брюллов работал над полотном в течение шести лет - с 1827 по 1833 год.

Впервые картина была представлена публике в 1833 году на выставке в Милане - и тут же произвела фурор. Художника чествовали, как римского триумфатора, о картине писали хвалебные отзывы в прессе. Брюллова встречали на улице аплодисментами, а во время его переездов на границах итальянских княжеств не требовали паспорта: считалось, что каждый итальянец и без того знает его в лицо.

В 1834 году «Последний день Помпеи» был представлен на парижском Салоне. Французская критика оказалась не в пример итальянской сдержаннее. Но профессионалы оценили работу по достоинству, вручив Брюллову золотую медаль французской Академии художеств.

Полотно произвело сенсацию в Европе, и его с нетерпением ждали в России. В том же году оно было отправлено в Санкт-Петербург. Увидев картину, Николай I изъявил желание лично познакомиться с автором, однако художник отправился с графом Владимиром Давыдовым в путешествие по Греции, а на родину вернулся только в декабре 1835 года.

11 июня 1836 года в Круглом зале российской Академии художеств, где была выставлена картина «Последний день Помпеи», собрались почетные гости, члены Академии, художники и просто любители живописи. Автора полотна, «великого Карла», внесли в зал на руках под восторженные крики гостей.«Толпы посетителей, можно сказать, врывались в залы Академии, чтобы взглянуть на «Помпею» , - пишет современник и свидетель того успеха, равного которому ни один русский художник не знал.

Заказчик и владелец картины Анатолий Демидов подарил ее императору, а Николай I поместил ее в Эрмитаже , где она находилась в течение 60 лет. А в 1897 году была переведена в Русский музей .

Картина буквально взбудоражила все российское общество и лучшие умы того времени.

Искусства мирные трофеи
Ты внес в отеческую сень.
И был «Последний день Помпеи»,
Для русской кисти первый день! -

написал о картине поэт Евгений Боратынский.

Александр Пушкин также посвятил ей стихи:

Везувий зев открыл - дым хлынул клубом, пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают! Народ, гонимый страхом,
Под каменным дождем, под воспаленным прахом,
Толпами, стар и млад, бежит из града вон.

Упоминает «Последний день Помпеи» и Михаил Лермонтов в романе «Княгиня Лиговская»: «Если вы любите искусство, то я могу сказать весьма приятную новость: картина Брюллова «Последний день Помпеи» едет в Петербург. Про нее знала вся Италия, французы ее разбранили» , - Лермонтов явно знал об отзывах парижской прессы.

Российский историк и путешественник Александр Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии.

А Николай Гоголь посвятил картине большую статью, написав: «Кисть его вмещает в себе ту поэзию, которую только чувствуешь и можешь узнать всегда: чувства наши всегда знают и видят даже отличительные признаки, но слова их никогда не расскажут. Колорит его так ярок, каким никогда почти не являлся прежде, его краски горят и мечутся в глаза. Они были бы нестерпимы, если бы явились у художника градусом ниже Брюллова, но у него они облечены в ту гармонию и дышат тою внутреннею музыкою, которой исполнены живые предметы природы» .

Практически в каждом значимом произведении искусства есть загадка, «двойное дно» или тайная история, которую хочется раскрыть.

Музыка на ягодицах

Иероним Босх, "Сад земных наслаждений", 1500-1510.

Фрагмент части триптиха

Споры о значениях и скрытых смыслах самой известной работы голландского художника не утихают с момента ее появления. На правой створке триптиха под названием «Музыкальный ад» изображены грешники, которых истязают в преисподней при помощи музыкальных инструментов. У одного из них на ягодицах оттиснуты ноты. Студентка Христианского университета Оклахомы Амелия Хэмрик, изучавшая картину, переложила нотацию XVI века на современный лад и записала "песню с задницы из ада, которой исполнилось 500 лет".

Обнаженная Мона Лиза

Знаменитая "Джоконда" существует в двух вариантах: обнаженная версия называется "Монна Ванна", ее написал малоизвестный художник Салаи, который был учеником и натурщиком великого Леонардо да Винчи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы.

Старый Рыбак

В 1902 году венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари написал картину «Старый Рыбак». Казалось бы, ничего необычного в картине нет, но Тивадар заложил в нее подтекст, при жизни художника так и нераскрытый.

Мало кому пришло в голову прикладывать зеркало к середине картины. В каждом человеке может быть как Бог (продублировано правое плечо Старика), так и Дьявол (продублировано левое плечо старика).

А был ли кит?

Хендрик ван Антониссен «Сцена на берегу».

Казалось бы, обычный пейзаж. Лодки, люди на берегу и пустынное море. И только рентгеновское исследование показало, что люди собрались на берегу не просто так - в оригинале они рассматривали тушу кита, выброшенного на берег.

Однако художник решил, что никто не захочет смотреть на мертвого кита, и переписал картину.

Два "Завтрака на траве"

Эдуард Мане, "Завтрак на траве", 1863.

Клод Моне, "Завтрак на траве", 1865.

Художников Эдуарда Мане и Клода Моне иногда путают - ведь они оба были французами, жили в одно время и творили в стиле импрессионизма. Даже название одной из самых известных картин Мане «Завтрак на траве» Моне позаимствовал и написал свой «Завтрак на траве».

Двойники на "Тайной вечере"

Леонардо да Винчи, "Тайная вечеря", 1495-1498.

Когда Леонардо да Винчи писал «Тайную вечерю», он придавал особое значение двум фигурам: Христа и Иуды. Он очень долго искал натурщиков для них. Наконец, ему удалось найти модель для образа Христа среди юных певчих. Подобрать натурщика для Иуды Леонардо не удавалось в течение трех лет. Но однажды он наткнулся на улице на пьяницу, который валялся в сточной канаве. Это был молодой мужчина, которого состарило беспробудное пьянство. Леонардо пригласил его в трактир, где сразу же начал писать с него Иуду. Когда пьяница пришел в себя, он сказал художнику, что однажды уже позировал ему. Это было несколько лет назад, когда он пел в церковном хоре, Леонардо писал с него Христа.

"Ночной дозор" или "Дневной"?

Рембрандт, "Ночной дозор", 1642.

Одна из самых известных картин Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга» около двухсот лет провисела в разных залах и была обнаружена искусствоведами только в XIX веке. Поскольку казалось, что фигуры выступают на тёмном фоне, её назвали «Ночной дозор», и под этим названием она и вошла в сокровищницу мирового искусства.

И только при реставрации, проведённой в 1947 году, обнаружилось, что в зале картина успела покрыться слоем копоти, исказившим её колорит. После расчистки оригинальной живописи окончательно выяснилось, что сцена, представленная Рембрандтом, на самом деле происходит днём. Положение тени от левой руки капитана Кока показывает, что время действия - не более 14 часов.

Перевернутая лодка

Анри Матисс, "Лодка", 1937.

В Нью-Йоркском Музее современного искусства в 1961 году была выставлена картина Анри Матисса «Лодка». Только через 47 дней кто-то обратил внимание на то, что картина висит вверх ногами. На полотне изображены 10 фиолетовых линий и два голубых паруса на белом фоне. Два паруса художник нарисовал не просто так, второй парус - это отражение первого на глади воды.
Для того, чтобы не ошибиться в том, как должна висеть картина, нужно обратить внимание на детали. Больший парус должен быть верхом картины, а пик паруса картины должен быть направлен в правый верхний угол.

Обман в автопортрете

Винсент ван Гог, "Автопортрет с трубкой", 1889.

О том, что ван Гог якобы сам отрезал себе ухо, ходят легенды. Сейчас наиболее достоверной считается версия о том, что ухо ван Гог повредил в небольшой потасовке с участием другого художника - Поля Гогена.

Автопортрет же интересен тем, что отражает реальность в искаженном виде: художник изображен с перевязанным правым ухом, потому что он при работе использовал зеркало. На самом деле пострадало левое ухо.

Чужие мишки

Иван Шишкин, "Утро в Сосновом лесу", 1889.

Знаменитая картина принадлежит не только кисти Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Невинная история "Готики"

Грант Вуд, "Американская готика", 1930.

Работа Гранта Вуда считается одной из самых странных и угнетающих в истории американской живописи. Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей.
На самом деле художник не задумывал изображать никаких ужасов: во время поездки по штату Айова и он заметил небольшой дом в готическом стиле и решил изобразить тех людей, которые, по его мнению, идеально подошли бы в качестве обитателей. В виде персонажей, на которых так обиделись жители Айовы, увековечены сестра Гранта и его дантист.

Месть Сальвадора Дали

Картина "Фигура у окна" написана в 1925 году, когда Дали был 21 год. Тогда в жизнь художника еще не вошла Гала, и его музой была сестра Ана Мария. Отношения брата и сестры испортились, когда он на одной из картин написал "порой я плюю на портрет собственной матери, и это доставляет мне удовольствие". Ана Мария не смогла простить такой эпатаж.

В своей книге 1949 года "Сальвадор Дали глазами сестры" она пишет о брате без всякого восхваления. Книга привела Сальвадора в бешенство. Еще лет десять после этого он гневно вспоминал ее при каждом удобном случае. И вот, в 1954 появляется картина "Молодая девственница, предающаяся содомскому греху при помощи рогов собственного целомудрия". Поза женщины, ее локоны, пейзаж за окном и цветовая гамма картины явно перекликаются с "Фигурой у окна". Есть версия, что так Дали отомстил сестре за ее книгу.

Двуликая Даная

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Даная", 1636 - 1647.

Многие тайны одной из самых известных картин Рембрандта были раскрыты только в 60-е годы ХХ века, когда полотно просветили рентгеновскими лучами. Например, съемка показала, что в ранней версии лицо царевны, которая вступила в любовную связь с Зевсом, было похоже на лицо Саскии - супруги живописца, умершей в 1642 году. На финальном варианте картины оно стало напоминать лицо Гертье Диркс - любовницы Рембрандта, с которой художник жил после смерти жены.

Желтая спальня Ван Гога

Винсент Ван Гог, "Спальня в Арле", 1888 - 1889.

В мае 1888 года Ван Гог обзавелся небольшой мастерской в Арле, на юге Франции, куда он сбежал от не понимающих его парижских художников и критиков. В одной из четырех комнат Винсент обустраивает спальню. В октябре все готово, и он решает нарисовать «Спальню Ван Гога в Арле». Для художника очень важен был колорит, уют комнаты: все должно было наводить на мысли об отдыхе. При этом картина выдержана в тревожных желтых тонах.

Исследователи творчества Ван Гога объясняют это тем, что художник принимал наперстянку - средство от эпилепсии, которое вызывает у пациента серьезные изменения в восприятии цвета: вся окружающая действительность окрашивается в зелено-желтые тона.

Беззубое совершенство

Леонардо да Винчи, "Портрет госпожи Лизы дель Джокондо", 1503 - 1519.

Общепризнанное мнение состоит в том, что Мона Лиза - совершенство и улыбка ее прекрасна своей загадочностью. Однако американский искусствовед (и по совместительству стоматолог) Джозеф Борковски считает, что, судя по выражению лица, героиня потеряла много зубов. Изучая увеличенные фотографии шедевра, Борковски обнаружил также шрамы вокруг ее рта. «Она так «улыбается» именно из-за того, что произошло с нею, - считает эксперт. - Выражение ее лица типично для людей, потерявших передние зубы».

Майор на фейсконтроле

Павел Федотов, "Сватовство майора", 1848.

Публика, впервые увидевшая картину "Сватовство майора", смеялась от души: художник Федотов наполнил ее ироничными деталями, понятными зрителям того времени. Например, майор явно не знаком с правилами дворянского этикета: он явился без положенных букетов для невесты и ее матери. А саму невесту ее родители-купцы разрядили в вечернее бальное платье, хотя на дворе день (все светильники в комнате потушены). Девушка явно впервые примерила декольтированное платье, смущена и пытается убежать в свою светелку.

Почему Свобода обнажена

Фердинан Виктор Эжен Делакруа, "Свобода на баррикадах", 1830.

По мнению искусствоведа Этьена Жюли, Делакруа писал лицо женщины со знаменитой парижской революционерки - прачки Анны-Шарлотты, которая вышла на баррикады после гибели брата от рук королевских солдат и убила девятерых гвардейцев. Художник изобразил ее с обнаженной грудью. По его замыслу, это символ бесстрашия и самоотверженности, а также торжества демократии: нагая грудь показывает, что Свобода, как простолюдинка, не носит корсета.

Неквадратный квадрат

Казимир Малевич, "Черный супрематический квадрат", 1915.

На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне, и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. А темный цвет - это результат смешения различных красок, среди которых не было черной. Считается, что это была не небрежность автора, а принципиальная позиция, стремление создать динамическую, подвижную форму.

Специалисты Третьяковской галереи обнаружили авторскую надпись на известной картине Малевича. Надпись гласит: «Битва негров в темной пещере». Эта фраза отсылает к названию шутливой картине французского журналиста, писателя и художника Альфонса Алле «Битва негров в темной пещере глубокой ночью», представлявшей собой абсолютно черный прямоугольник.

Мелодрама Австрийской Моны Лизы

Густав Климт, "Портрет Адели Блох-Бауэр", 1907.

На одном из самых значительных полотен Климта запечатлена жена австрийского сахарного магната Фердинада Блох-Бауэра. Вся Вена обсуждала бурный роман Адели и знаменитого художника. Уязвленный муж захотел отомстить любовникам, но выбрал очень необычный способ: он решил заказать Климту портрет Адели и заставить его сделать сотни эскизов, пока художника не начнет выворачивать от нее.

Блох-Бауэр хотел, чтобы работа продлилась несколько лет, и натурщица могла видеть, как угасают чувства Климта. Он сделал художнику щедрое предложение, от которого тот не смог отказаться, и все сложилось по сценарию обманутого мужа: работа была закончена за 4 года, любовники давно остыли друг к другу. Адель Блох-Бауэр так никогда и не узнала, что муж был в курсе ее отношений с Климтом.

Картина, вернувшая Гогена к жизни

Поль Гоген, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?", 1897-1898.

Самое известное полотно Гогена имеет одну особенность: оно "читается" не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался художник. Именно в этом порядке разворачивается аллегория духовной и физической жизни человека: от зарождения души (спящий ребенок в правом нижнем углу) до неизбежности смертного часа (птица с ящерицей в когтях в левом нижнем углу).

Картина была написана Гогеном на Таити, куда художник несколько раз сбегал от цивилизации. Но в этот раз жизнь на острове не задалась: тотальная бедность привела его к депрессии. Закончив полотно, которое должно было стать его духовным завещанием, Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы, чтобы умереть. Однако он не рассчитал дозу, и суицид не удался. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. А в 1898 году его дела пошли в гору, и в творчестве начался более светлый период.

112 пословиц на одной картине

Питер Брейгель - старший, «Нидерландские пословицы», 1559

Питер Брейгель - старший изобразил землю, населённую буквальными изображениями нидерландских пословиц тех дней. В написанной картине присутствуют приблизительно 112 распознаваемых идиом. Некоторые из них используются и по сей день, например, такие, как: «плыть против течения», «биться головой о стену», «вооружен до зубов» и «большая рыбка ест маленькую».

Другие пословицы отражают человеческую глупость.

Субъективность искусства

Поль Гоген, «Бретонская деревня под снегом», 1894

Картина Гогена «Бретонская деревня в снегу» была продана после смерти автора всего за семь франков и, к тому же, под названием «Ниагарский водопад». Человек, проводивший аукцион, случайно повесил картину вверх ногами, разглядев в ней водопад.

Скрытая картина

Пабло Пикассо, «Голубая комната», 1901

В 2008 году инфракрасное излучение показало, что под «Голубой комнатой» скрыто еще одно изображение - портрет мужчины, одетого в костюм с бабочкой и положившего голову на руку. «Как только у Пикассо появлялась новая идея, он брался за кисть и воплощал ее. Но у него не было возможности покупать новый холст каждый раз, когда его посещала муза», - объясняет возможную причину этого искусствовед Патриция Фаверо.

Недоступные марокканки

Зинаида Серебрякова, «Нагая», 1928

Однажды Зинаида Серебрякова получила заманчивое предложение - отправиться в творческое путешествие, чтобы изобразить обнаженные фигуры восточных дев. Но оказалось, что в тех местах найти натурщиц просто невозможно. На помощь пришел переводчик Зинаиды - он привел к ней своих сестер и невесту. Никому до этого и после этого не удавалось запечатлеть закрытых восточных женщин обнаженными.

Спонтанное озарение

Валентин Серов, «Портрет Николая II в тужурке», 1900

Долгое время Серов не мог написать портрет царя. Когда художник совсем сдался, он извинился перед Николаем. Николай немного расстроился, сел за стол, вытянув руки перед собой... И тут художника осенило - вот он образ! Простой военный в офицерской тужурке с чистыми и грустными глазами. Этот портрет считается лучшим изображением последнего императора.

Опять двойка

© Федор Решетников

Знаменитая картина «Опять двойка» - это всего лишь вторая часть художественной трилогии.

Первая часть - «Прибыл на каникулы». Явно обеспеченная семья, зимние каникулы, радостный ученик-отличник.

Вторая часть - «Опять двойка». Небогатая семья с рабочей окраины, разгар учебного года, понурый обалдуй, опять схвативший двойку. В левом верхнем углу видна картина «Прибыл на каникулы».

Третья часть - «Переэкзаменовка». Сельский дом, лето, все гуляют, один злостный неуч, проваливший годовой экзамен, вынужден сидеть в четырёх стенах и зубрить. В левом верхнем углу видна картина «Опять двойка».

Как рождаются шедевры

Джозеф Тёрнер, «Дождь, пар и скорость», 1844

В 1842 году миссис Симон путешествовала на поезде по Англии. Внезапно начался сильный ливень. Пожилой джентльмен, сидевший напротив нее, встал, открыл окно, высунул голову и так смотрел минут десять. Не в силах сдержать свое любопытство, женщина тоже открыла окно и стала смотреть вперед. Через год она обнаружила картину «Дождь, пар и скорость» на выставке в Королевской академии художеств и смогла узнать в ней тот самый эпизод в поезде.

Урок анатомии от Микеланджело

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1511

Пара американских экспертов в области нейроанатомии считают, что Микеланджело на самом деле оставил некоторые анатомические иллюстрации в одной из его самых известных работ. Они полагают, что в правой части картины изображен огромный мозг. Удивительно, но можно найти даже сложные его компоненты, такие как мозжечок, зрительные нервы и гипофиз. А броская зеленая лента идеально совпадает с местонахождением позвоночной артерии.

«Тайная вечеря» Ван Гога

Винсент Ван Гог, «Ночная терраса кафе», 1888

Исследователь Джаред Бакстер полагает, что на полотне Ван Гога «Ночная терраса кафе» зашифровано посвящение «Тайной вечере» Леонардо да Винчи. В центре картины стоит официант с длинными волосами и в белой тунике, напоминающей одежды Христа, а вокруг него ровно 12 посетителей кафе. Также Бакстер обращает внимание на крест, расположенный прямо за спиной официанта в белом.

Образ памяти у Дали

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931

Не секрет, что мысли, посещавшие Дали во время создания его шедевров, всегда были в виде очень реалистичных образов, которые художник затем переносил на холст. Так, по признанию самого автора, картина «Постоянство памяти» была написана в результате ассоциаций, возникших при виде плавленого сыра.

О чем кричит Мунк

Эдвард Мунк, "Крик", 1893.

Мунк так рассказывал о появлении у него идеи одной из самых загадочных картин в мировой живописи: "Я шёл по тропинке с двумя друзьями - солнце садилось - неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и опёрся о забор - я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-чёрным фьордом и городом - мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу". Но что за закат мог так напугать художника?

Есть версия, что идея "Крика" родилась у Мунка в 1883 году, когда произошло несколько сильнейших извержений вулкана Кракатау - настолько мощных, что они изменили на один градус температуру атмосферы Земли. Обильное количество пыли и пепла распространилось по всему земному шару, добравшись даже до Норвегии. Несколько вечеров подряд закаты выглядели так, будто бы вот-вот настанет апокалипсис - один из них и стал источником вдохновения художника.

Писатель в народе

Александр Иванов, "Явление Христа народу", 1837-1857.

Десятки натурщиков позировали Александру Иванову для его главной картины. Один из них известен не менее самого художника. На заднем плане, среди путников и римских всадников, еще не слышавших проповедь Иоанна Предтечи, можно заметить персонажа в корчиневом хитоне. Его Иванов писал с Николая Гоголя. Писатель тесно общался с художником в Италии, в частности по религиозным вопросам, и давал ему советы в процессе написания картины. Гоголь считал, что Иванов "уже давно умер для всего мира, кроме своей работы".

Подагра Микеланджело

Рафаэль Санти, "Афинская школа", 1511.

Создавая знаменитую фреску "Афинская школа", Рафаэль увековечил своих друзей и знакомых в образах древнегреческих философов. Одним из них стал Микеланджело Буонаротти "в роли" Гераклита. Несколько столетий фреска хранила тайны личной жизни Микеланджело, а современные исследователи сделали предположение, что странно угловатое колено художника свидетельствует о наличии у него болезни суставов.

Это вполне вероятно, если учесть особенности образа жизни и условий работы художников эпохи Возрождения и хронический трудоголизм Микеланджело.

Зеркало четы Арнольфини

Ян ван Эйк, "Портрет четы Арнольфини", 1434 г.

В зеркале позади супругов Арнольфини можно увидеть отражение еще двух человек, находящихся в комнате. Скорее всего, это свидетели, присутствующие при заключении договора. Один из них - ван Эйк, о чем свидетельствует и латинская надпись, помещенная, вопреки традиции, над зеркалом в центре композиции: «Ян ван Эйк был здесь». Так обычно скрепляли контракты.

Как недостаток превратился в талант

Рембрандт Харменс ван Рейн, "Автопортрет в возрасте 63", 1669.

Исследователь Маргарет Ливингстон изучила все автопортреты Рембрандта и обнаружила, что художник страдал косоглазием: на изображениях его глаза смотрят в разные стороны, чего не наблюдается на портретах других людей кисти мастера. Недуг привел к тому, что художник лучше мог воспринимать реальность в двух измерениях, чем люди с нормальным зрением. Это явление называется "стереослепота" - неспособность видеть мир в 3D. Но так как живописцу приходится работать с двухмерным изображением, именно этот недостаток Рембрандта мог быть одним из объяснений его феноменального таланта.

Безгрешная Венера

Сандро Боттичелли, "Рождение Венеры", 1482-1486.

До появления "Рождения Венеры" изображение нагого женского тела в живописи символизировало только идею первородного греха. Сандро Боттичелли первым из европейских живописцев не нашел ничего греховного в нем. Более того, искусствоведы уверены, что языческая богиня любви символизирует на фреске христианский образ: ее явление - аллегория возрождения души, прошедшей обряд крещения.

Лютнист или лютнистка?

Микеланджело Меризи да Караваджо, "Лютнист", 1596.

Долгое время картина экспонировалась в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Только в начале ХХ века искусствоведы сошлись во мнении, что на полотне изображен все-таки юноша (вероятно, Караваджо позировал его знакомый художник Марио Миннити): на нотах перед музыкантом видна запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас». Женщина вряд ли могла сделать такой выбор - это просто тяжело для горла. Кроме того, лютня, как и скрипка у самого края картины, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

Ни для кого не секрет, что знаменитые личности попадают чаще других в неординарные жизненные ситуации и различные истории, которые благодаря очевидцам запечатлеваются в ихних биографиях на века. Как правило, эти истории бывают анекдотично смешными, иногда курьезными и не весьма приятными, а также поучительными, перешедшими в разряд притч. Сегодня речь пойдет об интересных фактах из жизни знаменитых русских и европейских художников-классиков.

Автограф художника, стоящий дороже самой картины в десять раз

Илья Ефимович Репин. Однажды некая дама приобрела картину с подписью «И. Репин», заплатив за нее 100 рублей. Через время, придя в мастерскую живописца, она показала художнику свое приобретение. Репин, посмеявшись над незадачливой покупательницей, приписал внизу холста: «Это не Репин». После этого дама перепродала картину, но уже за тысячу рублей.

Живопись бессмертна

Пабло Пикассо. Один довольно известный доктор на выставке подошел к Пикассо и важно заявил: - Я неплохо знаю анатомическое строение тела человека. Так вот, могу сказать, что люди на ваших полотнах вызывают некое сожаление и недоумение. - Вполне возможно, - парировал Пикассо. - Но я могу вас заверить, что они проживут гораздо дольше ваших пациентов.

Детский индивидуализм

Автопортреты. Пабло Пикассо в 15 и в 90 лет. Как-то, посетив экспозицию детских рисунков, Пабло Пикассо задумчиво произнес: - Когда я был в их возрасте, я мог писать как Рафаэль, но потребовалась целая моя жизнь, чтобы научиться рисовать как они. Портрет матери художника (1896 год), написанный 15-летним Пикассо.

Дорогостоящий чек

Сальвадор Дали. У Сальвадора Дали была очень хитрая уловка для владельцев ресторанов. Посещая развлекательное заведение впервые, он собирал большую компанию друзей и знакомых, и целый вечер угощал всех любыми блюдами и напитками из меню. Когда же приходило время расплачиваться по счетам, художник демонстративно выписывал чек на огромную сумму, а затем... переворачивал чек и на обратной стороне писал несколько теплых слов в благодарность хозяину заведения и ставил свой автограф. Расчет мэтра был прост и безотказен: пользуясь своей славой живого гения, Дали был уверен, что хозяин ресторана ни за что не решится обналичить чек с оригиналом подписи самого Дали! Так оно обычно и бывало: рестораторы понимали, что смогут со временем выручить гораздо больше денег за этот чек, чем просто сумма по счету, ну а мэтр экономил кучу денег.

Кто сошёл с ума?

Сальвадор Дали. Как-то в беседе со своими друзьями Сальвадор Дали заявил, что все катаклизмы, происходящие в природе его уже ничуть не удивляют. Тогда собеседник начал воодушевленно приводить пример возможной ситуации: - Хорошо, пусть так, но если бы в полночь на горизонте вдруг возник свет, возвещающий утреннюю зарю? Вы вглядываетесь и видите, что восходит солнце. Неужели бы вас это не поразило? Неужели бы вы не подумали, что сошли с ума? - Наоборот, - не задумываясь заявил Дали, - Я бы подумал, что это солнце сошло с ума.

Творческие союзы

Исаак Левитан./«Осенний день. Сокольники». (1879)./ Николай Чехов. Как известно, художник Исаак Левитан "специализировался" только на пейзажной живописи, но есть в его наследии одно полотно с изображением женской фигуры, прогуливающейся по парку. «Осенний день. Сокольники» - так называется эта картина, написанная им в студенческие годы. Художник рисовать людей никогда не брался и справедливости ради нужно заметить, что единственный образ женщины был написан не самим художником, а его другом по художественному училищу, братом известного писателя – Николаем Чеховым.
Иван Айвазовский./ «Пушкин на берегу моря»./ Илья Репин. К стати это было не единственное творческое сотрудничество в истории искусства. Почему «по дружбе» не помочь другу-художнику, у которого что-то не получается? Не многие знают, что фигура Пушкина на картине Айвазовского «Пушкин на берегу моря» написана Ильей Репиным.
К. А. Савицкий и И. И. Шишкин. Начало 1880-х гг. Фото. / «Утро в сосновом лесу». А знаменитых медведей на картине Шишкина «Утро в сосновом лесу» написал художник Савицкий. Ну не получались у гениального мастера пейзажа эти забавные звери. Но и гонорар в четыре тысячи рублей от продажи этой картины был разделен по-братски, да и автографов изначально было на полотне два. Все по-справедливости... Однако владелец картины, Павел Третьяков, решил авторство оставить за Шишкинын и собственноручно стер подпись Савицкого.

Пожалованная буква "В" к фамилии художника самим императором

Карл и Александр Брюлловы. До начала 19 столетия фамилии Брюллов в России не существовало. Карл Брюллов, знаменитый русский художник, родился в семье академика орнаментной скульптуры Павла Брюлло, предки которого были родом из Франции. Буква «в» в конец фамилии была пожалована Карлу и его брату Александру, архитектору по профессии, высочайшим императорским указом перед пенсионерской поездкой в Италию.

Выставка одного шедевра

Архип Куинджи. В 1880 году в мире русского искусства произошел беспрецедентный случай. В Санкт-Петербурге была впервые выставлена на обозрение публике картина Архипа Куинджи «Лунная ночь на Днепре». Удивительным было то, что она была единственной на выставке. Слухи о необычайном полотне разошлись по городу задолго до его показа, а в сам день открытия, казалось, что весь город собрался посмотреть на него. Множество экипажей загородили все близлежащие улицы, а люди толпились в длинных очередях у входа. Многие посещали выставку по несколько раз.
«Лунная ночь на Днепре». Публика была очарована необыкновенной реалистичностью лунного света на картине, многие высказывали предположения, что художник использовал светящиеся краски, некоторые даже тайком заглядывали за картину, пытаясь выяснить, нет ли там лампы подсвечивающей луну.

Обет Модильяни

Амедео Модильяни. Амедео Модильяни - известный итальянский художник, - очень ранних лет стал интересовался рисованием и живописью. Окончательное решение стать художником он принял в одиннадцатилетнем возрасте после тяжелого плеврита, когда, лежа в бреду, Амедео решил: если он выживет, то посвятит себя живописи. И он сдержал слово.

Куинджи и птицы

Архип Куинджи. Архип Куинджи очень любил птиц. Он часами мог просиживать на крыше своего дома, «беседуя» с голубями и воронами. А своим друзьям частенько рассказывал, что птицы понимают его слова и запросто идут ему в руки. Ну еще бы.... Ведь ежемесячно художник тратил на прокорм пернатых немало денег, покупая по 60 французских булок, до 10 кг мяса и 6 кулей овса. А однажды иллюстратор Павел Щербов опубликовал карикатуру, на которой Куинджи ставит птице клизму. Говорят, не отличавшийся особым чувством юмора Архип Иванович ужасно обиделся на коллегу.
Карикатура. Пернатые пациенты (А.И.Куинджи на крыше своего дома). Автор: Павел Щербов.

Пять тысяч за плафон

Константин Егорович Маковский. / Девушка в костюме Флоры. Константин Маковский славился не только салонными портретами жен состоятельных мужей, но и заоблачными ценами на них. А еще художник очень любил вкусно поесть, что называется был истинным гурманом. Но однажды он чуть не попал в просак. Барон Аккурти, только купив роскошный особняк с плафонами, расписанными Маковским, но без его автографов, пригласил популярнейшего художника позавтракать в ресторане. В надежде на то, что художник в знак благодарности подпишет плафоны бесплатно. Так бы оно и случилось если бы не одно "но"... Маковский уже было размяк в предвкушении изысканной трапезы и пообещал сразу же после нее поехать и подписать все три плафона бесплатно. И прижимистый барон, наконец сделал заказ: велел подать корюшку и хлебца. «Корюшку? Мне?», - возмутился про себя Маковский. А вслух произнес: «Пять тысяч рублей за подпись на каждом плафоне!»

Валентин или Антон Серов

Портрет Мики Морозова. / Валентин Серов. Друзья и родные звали Валентина Серова Антоном. Это имя к нему накрепко приклеилось еще в детстве, когда родители от избытка чувств к малышу звали маленького Валентина Валентошей, Тошей, иногда - Тоней. Немногим позже в семье Мамонтовых Тоша превратился в Антошу. И письма, которые Илья Репин писал уже взрослому Серову, нередко начинались обращением: «Антон, Антон!».

Маленькая шантажистка

*Девочка с персиками*. Автор: В. Серов. О том, что Валентин Серов работал медленно - особенно хорошо знали его близкие. И когда художник задумал написать портрет 11-летней дочери Саввы Мамонтова - Веры, (а полотно было задумано как подарок ко дню рождения Елизаветы Мамонтовой - матери девочки) то Серов натолкнулся на категорический протест будущей модели. Верочка сразу смекнула чем грозит ей согласие на позирование художнику. Ее совершенно не прельщало просиживать неделями в недвижимой позе, вместо того, чтобы бегать по деревенским окрестностям со сверстниками. Верочка упрямилась и Серову ничего не оставалось как согласиться не ее условия: после каждого сеанса кататься с ней на лошадях.
*Девочка с персиками*. фрагмент. / Верочка Мамонтова.

Сегодня в каждом музее можно послушать замечательных экскурсоводов, которые подробно расскажут и о собрании, и о художниках, в нем представленных. В то же время многие родители знают, что большинству детей сложно провести в музее даже час, а рассказы об истории живописи довольно быстро их утомляют. Чтобы дети в музее не заскучали, мы предлагаем «шпаргалку» для родителей - десять занимательных историй о картинах из Третьяковской галереи, которые будут интересны и детям, и взрослым.

1. Иван Крамской. «Русалки», 1871 г.

Иван Крамской в первую очередь известен как автор картины «Неизвестная» (ее часто ошибочно называют «Незнакомка»), а также целого ряда прекрасных портретов: Льва Толстого, Ивана Шишкина, Дмитрия Менделеева. Но детям лучше начинать знакомство с его творчеством с волшебной картины «Русалки», с которой связана вот какая история.
В августе 1871 года художник Иван Крамской гостил в загородном имении своего знакомого, любителя искусства и знаменитого мецената Павла Строганова. Гуляя по вечерам, он любовался луной и восхищался ее волшебным светом. Во время этих прогулок художник решил написать ночной пейзаж и постараться передать все очарование, все волшебство лунной ночи, «поймать луну» - по его собственному выражению.
Крамской приступил к работе над картиной. Появились берег реки в лунную ночь, пригорок и домик на нем, окруженный тополями. Пейзаж был прекрасен, но чего-то не хватало - волшебство на холсте не рождалось. На помощь художнику пришла книга Николая Гоголя «Вечера на хуторе близ Диканьки», точнее история под названием «Майская ночь, или Утопленница» - сказочная и немного жутковатая. И вот на картине появились девушки-русалки, освещенные лунным светом.
Художник так тщательно работал над картиной, что она стала ему сниться и ему постоянно хотелось что-то в ней доделать. Спустя год после того, как ее купил основатель Третьяковской галереи - Павел Третьяков, - Крамской в очередной раз захотел что-то в ней изменить и вносил небольшие правки прямо в выставочном зале.
Полотно Крамского стало первой «сказочной» картиной в истории русской живописи.

2. Василий Верещагин. «Апофеоз войны», 1871 г.


Так сложилось, что люди воевали всегда. Испокон веков отважные вожди и могущественные правители снаряжали свои армии и отправляли их на войну. Конечно же, они хотели, чтобы об их военных подвигах узнали далекие потомки, поэтому поэты слагали стихи и песни, а художники создавали прекрасные картины и скульптуры. На этих картинах война обычно походила на праздник - яркие краски, бесстрашные воины, идущие в бой…
Художник Василий Верещагин знал о войне не понаслышке - он не раз принимал участие в боях - и написал множество картин, на которых изобразил то, что видел собственными глазами: не только бравых солдат и их военачальников, но и кровь, боль и страдание.
Однажды он задумался о том, как показать в одной картине все ужасы войны, как дать зрителям понять, что война - это всегда горе и смерть, как дать другим взглянуть на ее отвратительные подробности? Он понял, что недостаточно написать картину с полем боя, усеянным погибшими воинами, - такие полотна были и раньше. Верещагин придумал символ войны, образ, только взглянув на который, каждый сможет представить, насколько страшна любая война. Он написал выжженную пустыню, посреди которой возвышается пирамида из человеческих черепов. Вокруг - лишь сухие, безжизненные деревья, и только воронье слетается на свой пир. Вдалеке виднеется полуразрушенный город, и зритель с легкостью может догадаться, что и там жизни больше нет.

3. Алексей Саврасов. «Грачи прилетели», 1871 г.


Картину «Грачи прилетели» все знают с детства, и наверняка каждый писал по ней школьные сочинения. И сегодня учителя обязательно расскажут детям про лирические пейзажи Саврасова и про то, что уже в самом названии этой картины слышится радостное предвестие утра года и все в ней исполнено глубокого, близкого сердцу смысла. Между тем, мало кто знает о том, что знаменитых «Грачей…», равно как и всех остальных работ Саврасова, могло и вовсе не быть.
Алексей Саврасов был сыном мелкого московского галантерейщика. Желание мальчика заниматься живописью не вызывало у родителя восторга, но тем не менее в Московское училище живописи и ваяния Кондрат Саврасов сына отпустил. И учителя, и одноклассники признавали талант юного художника и прочили ему великое будущее. Но сложилось так, что, не проучившись и года, Алексей, по-видимому, из-за болезни матери, был вынужден прекратить учебу. Его преподаватель Карл Рабус обратился за помощью к обер-полицмейстеру Москвы генерал-майору Ивану Лужину, который помог талантливому юноше получить художественное образование.
Если бы Лужин не принял участия в судьбе молодого художника, одна из самых известных картин в истории отечественной живописи никогда не появилась бы на свет.

4. Василий Поленов. «Московский дворик», 1878 г.


Иногда, для того чтобы написать прекрасную картину, художник много путешествует, долго и придирчиво ищет самые красивые виды, в конце концов, находит заветное место и раз за разом приходит туда с этюдником. А бывает и так, что для того, чтобы создать замечательную работу, ему достаточно просто подойти к собственному окну, взглянуть на совершенно обычный московский дворик - и случается чудо, появляется удивительный пейзаж, наполненный светом и воздухом.
Именно такое чудо произошло с художником Василием Поленовым, который выглянул из окна своей квартиры в начале лета 1878 года и довольно быстро написал увиденное. Легко скользят по небу облака, все выше поднимается солнце, нагревая своим теплом землю, зажигая блеском купола церквей, укорачивая густые тени… Казалось бы - незамысловатая картина, к которой сам художник поначалу серьезно не относился: написал и почти забыл о ней. Но тут его пригласили принять участие в выставке. Ничего значительного у него не оказалось, и Поленов решил выставить «Московский дворик».
Как ни странно, именно эта «незначительная картинка» принесла Василию Поленову известность и славу - ее полюбили и публика, и критики: в ней есть и тепло, и яркие краски, а ее героев можно рассматривать бесконечно, придумывая историю про каждого из них.

5. Иван Шишкин. «Утро в сосновом лесу», 1889 г.

«Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина - наверное, самая знаменитая картина из коллекции Третьяковской галереи. В нашей стране ее знают все, благодаря репродукциям в школьных учебниках, а может, благодаря шоколадным конфетам «Мишка косолапый».
Но далеко не всем известно, что сам Шишкин написал только утренний лес в туманной дымке, а к медведям отношения не имеет. Эта картина - плод совместного творчества Шишкина и его друга, художника Константина Савицкого.
Иван Шишкин был непревзойденным мастером изображать всякие ботанические тонкости - критик Александр Бенуа его изрядно ругал за пристрастие к фотографической точности, называл его картины безжизненными и холодными. А вот с зоологией художник не дружил. Рассказывают, что именно поэтому Шишкин обратился к Савицкому с просьбой помочь ему с медведями. Савицкий приятелю не отказал, но всерьез к своей работе не отнесся - и подпись ставить не стал.
Позже Павел Третьяков приобрел это полотно у Шишкина, и художник предложил Савицкому оставить подпись на картине - все-таки они вместе над ней работали. Савицкий так и сделал, однако Третьякову это не понравилось. Заявив, что картину он покупал у Шишкина, а про Савицкого и знать ничего не желает, потребовал растворитель и собственными руками удалил «лишнюю» подпись. Так и получилось, что сегодня в Третьяковской галерее указывают авторство только одного художника.

6. Виктор Васнецов. «Богатыри», 1898 г.


Самым «сказочным» художником в истории русской живописи считается Виктор Васнецов - именно его кисти принадлежат такие известные работы, как «Аленушка», «Витязь на распутье», «Богатырский скок» и многие другие. Но самая его известная картина - «Богатыри», на которой изображены главные герои русских былин.
Сам художник описывал картину так: «Богатыри Добрыня, Илья и Алеша Попович на богатырском выезде - примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?».
Посередине на вороном коне Илья Муромец, смотрит вдаль из-под ладони, в одной руке у богатыря копье, в другой булатная палица. Слева на белом коне Добрыня Никитич, вынимает меч из ножен. Справа на коне рыжей масти Алеша Попович, держит в руках лук со стрелами. С героями этой картины - точнее с их прообразами - связана любопытная история.
Виктор Васнецов долго думал, как должен выглядеть Илья Муромец, и долго не мог найти «правильное» лицо - смелое, честное, выражающее одновременно и силу, и доброту. Но однажды совершенно случайно он встретился с крестьянином Иваном Петровым, который приехал в Москву на заработки. Художник был поражен - на московской улице он увидел настоящего Илью Муромца. Крестьянин согласился позировать Васнецову и… остался в веках.
В былинах Добрыня Никитич довольно молод, но на картине Васнецова почему-то изображен человек средних лет. Почему же художник решил столь вольно поступить с народными сказаниями? Разгадка проста: в образе Добрыни Васнецов изобразил себя, достаточно сравнить картину с портретами и фотографиями художника.

7. Валентин Серов. «Девочка с персиками. Портрет В. С. Мамонтовой», 1887 г.

«Девочка с персиками» - один из самых известных портретов в истории русской живописи, написанный художником Валентином Серовым.
Девочка на портрете - Верочка, дочь мецената Саввы Мамонтова, в доме которого художник часто бывал. Интересно, что персики, лежащие на столе, не были привезены из теплых краев, а выросли неподалеку от Москвы, прямо в усадьбе Абрамцево, что в XIX веке было делом совсем необычным. У Мамонтова работал садовник-волшебник - в его умелых руках фруктовые деревья цвели даже в феврале, а урожай собирали уже в начале лета.
Благодаря серовскому портрету, Вера Мамонтова вошла в историю, но сам художник вспоминал, каких трудов стоило ему уговорить позировать 12-летнюю девочку, которая отличалась на редкость непоседливым характером. Серов работал над картиной почти месяц, и каждый день Вера по несколько часов смирно сидела в столовой.
Труды оказались не напрасными: когда художник представил портрет на выставке, картина очень понравилась публике. И сегодня, спустя более ста лет, «Девочка с персиками» восхищает посетителей Третьяковской галереи.

8. Илья Репин. «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», 1883–1885 гг.


Разглядывая ту или иную картину, нередко задаешься вопросом, что послужило источником вдохновения для художника, что подтолкнуло его написать именно такую работу? В случае с картиной Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» догадаться об истинных причинах совсем непросто.
На картине изображен легендарный эпизод из жизни Ивана Грозного, когда он в припадке гнева нанес смертельный удар своему сыну царевичу Ивану. Впрочем, многие историки считают, что на самом деле убийства не было и царевич умер от болезни, а вовсе не от руки своего отца. Казалось бы, что может заставить художника обратиться к подобному историческому эпизоду?
Как вспоминал сам художник, мысль написать картину «Иван Грозный и сын его Иван» появилась у него после… концерта, на котором он услышал музыку композитора Римского-Корсакова. Это была симфоническая сюита «Антар». Звуки музыки завладели художником, и он захотел воплотить в живописи настроение, которое создалось у него под влиянием этого произведения.
Но не только музыка стала источником вдохновения. Путешествуя по Европе в 1883 году, Репин посетил бой быков. Вид этого кровавого зрелища впечатлил художника, который писал о том, что, «заразившись… этой кровавостью, по приезде домой, сейчас же принялся за кровавую сцену “Иван Грозный с сыном”. И картина крови имела большой успех».

9. Михаил Врубель. «Демон сидящий», 1890 г.


Как иногда много значит название картины. Что видит зритель при первом взгляде на полотно Михаила Врубеля «Демон сидящий»? Мускулистый молодой человек сидит на скале и с печалью смотрит на закат. Но как только мы произносим слово «демон», сразу же возникает образ волшебного недоброго существа. Между тем демон Михаила Врубеля - это вовсе не злобный дух. Сам художник не раз говорил, что демон - дух «не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный, …величавый».
Эта картина интересна своей живописной техникой. Художник наносит краску на холст не привычной кистью, а тонкой стальной пластиной - мастихином. Подобная техника позволяет соединять приемы живописца и скульптора, буквально «вылепливать» картину с помощью красок. Так достигается «мозаичный» эффект - создается впечатление, что небо, скалы, да и само тело героя не написаны краской, а выложены из тщательно отполированных, быть может, даже драгоценных камней.

10. Александр Иванов. «Явление Христа народу (Явление Мессии)», 1837–1857 гг.


Картина Александра Иванова «Явление Христа народу» - событие уникальное в истории отечественной живописи. О ней непросто говорить с детьми, особенно 6–7-летними, но увидеть это монументальное полотно, над которым художник работал более 20 лет и которое стало делом всей его жизни, они должны обязательно.
Сюжет картины основывается на третьей главе Евангелия от Матфея: Иоанн Предтеча, крестящий иудейский народ на берегу Иордана во имя ожидаемого Спасителя, вдруг видит идущим Того, во имя Которого он крестит людей. О композиционных особенностях картины, о ее символах и о художественном языке дети узнают позже. Во время первого знакомства стоит рассказать о том, как одна картина стала делом всей жизни художника.
После окончания учебы в петербургской Академии художеств Александр Иванов был отправлен «на стажировку» в Италию. «Явление Христа народу» должно было стать отчетным произведением. Но художник очень серьезно относится к своей работе: тщательно изучает Священное Писание, историю, месяцами находится в поисках нужного пейзажа, бесконечное количество времени ищет образ для каждого героя картины. Заканчиваются деньги, которые ему выделялись на работу, Иванов ведет нищенское существование. Кропотливая работа над картиной привела к тому, что художник испортил зрение и вынужден был долго лечиться.
Когда Иванов завершил свой труд, итальянская публика с восторгом приняла картину, это был один из первых случаев европейского признания русского художника. В России же ее оценили далеко не сразу - лишь после смерти художника к нему пришла настоящая слава.
Работая над картиной, Иванов создал более 600 эскизов. В зале, где она выставлена, можно увидеть некоторые из них. Интересно на этих примерах проследить, как художник работал над композицией, пейзажем, над образами героев картины.

Подборка записей

Произведения искусства, которые знают все, часто хранят в себе неизвестные увлекательные истории.

Казимир Малевич был шестым художником, кто нарисовал черный квадрат, Шишкин написал свое «Утро в сосновом лесу» в соавторстве, у Дали была серьезная психосексуальная травма, а Пабло Пикассо выжил после смелого ответа гестаповцам. Мы любуемся красотой величайших полотен, но истории, которые случились до, во время или после написания шедевров, часто остаются за пределами нашего внимания. И совершенно зря. Иногда такие истории позволяют лучше понять художника или просто удивиться причудливости жизни и творчества.

«Черный квадрат» Малевича - одно из самых известных и обсуждаемых произведений искусства - не такое уж и новаторство.

Художники экспериментировали с черным цветом «сплошь», начиная аж с XVII века. Первым наглухо черное произведение искусства под название «Великая тьма» написал Роберт Фладд в 1617 году, за ним в 1843 году последовали Берталь и его работа «Вид на La Hougue (под покровом ночи)». Спустя более чем двести лет. А дальше уже практически без перерывов - «Сумеречная история России» Гюстава Доре в 1854, «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхолда в 1882, совсем уж плагиат «Битва негров в пещере глубокой ночью» за авторством Альфонса Алле. И только в 1915 году Казимир Малевич представил публике свой «Черный супрематический квадрат», именно так картина называется полностью. И именно его картина известна всем, тогда как прочие знакомы только историкам искусств. Сам Малевич нарисовал как минимум четыре версии своего «Черного супрематического квадрата», различающиеся рисунком, фактурой и цветом в надежде найти абсолютное «безвесие» и полет форм.

«Крик», Эдвард Мунк

Как и в случае с «Черным квадратом» в мире существует четыре версии «Крика». Два варианта написаны маслом и два - пастелью. Существует мнение, что Мунк, страдавший маниакально-депрессивным психозом, писал ее несколько раз в попытках выместить все те страдания, которые охватывали его душу. И не исключено, что странных орущих от невыносимых мук человечков было бы больше, если бы художник не лег в клинику. После курса лечения он больше никогда не пытался воспроизвести свой «Крик», ставший культовым.

«Герника», Пабло Пикассо

Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц - первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя. «Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. И самый интересный момент в связи с этой картиной произошел в 1940 году, когда Пикассо вызвали в гестапо в Париже. «Это сделали вы?», спросили у него фашисты. «Нет, это сделали вы».

«Великий мастурбатор», Сальвадор Дали

В картине со странным и наглым даже для нашего времени названием на самом деле нет никакого вызова обществу. Художник фактически изобразил свое подсознание, исповедался перед зрителем. На полотне изображена его супруга Гала, которую он страстно любил; саранча, которую он панически боялся; фрагмент мужчины с порезанными коленями, муравьи и прочие символы страсти, страха и отвращения. Истоки этой картины (но в первую очередь истоки его странного отвращения и одновременно тяги к сексу) лежат в том, что в детстве Сальвадор Дали просмотрел книгу о венерических болезнях, случайно оставленную его отцом.

Историческое полотно, повествующее зрителю о драматическом моменте в истории нашей страны, в действительности было вдохновлено не столько фактом убийства сына и наследника царем Иоанном Васильевичем, сколько убийством Александра II террористами-революционерами, и - самое неожиданное - корридой в Испании. Художник писал об увиденном: «Несчастья, живая смерть, убийства и кровь составляют влекущую к себе силу… И я, заразившись, вероятно, этой кровавостью, по приезде домой, сейчас же принялся за кровавую сцену».

«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин

Шедевр, знакомый каждому советскому ребенку по умопомрачительно вкусным и дефицитным конфетам, принадлежит перу не только Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому. Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».