) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.

Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.

Теплая простота Валентина Губарева

Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.

Чувственный реализм Сергея Маршенникова

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника - Наталья.

Близорукий мир Филипа Барлоу

В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.

Солнечные зайчики Лорана Парселье

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) - это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Динамика города в работах Джереми Манна

Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен - все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник.

Иллюзорный мир Нила Саймона

На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.

Любовная драма Жозефа Лорассо

Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.

Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина

Дмитрий Лёвин - признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства - привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.

Яркий восток Валерия Блохина

На Востоке все иначе: другие краски, другой воздух, другие жизненные ценности и реальность сказочнее вымысла - так считает современный художник Валерий Блохин . В живописи Валерий больше всего любит цвет. Его работа - это всегда эксперимент: он идет не от фигуры, как большинство художников, а от цветового пятна. У Блохина своя особая техника: сначала он наносит на полотно абстрактные пятна, а затем дорисовывает реальность.

Оригинал взят у vanatik05 в АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ – 5 (Реалистические традиции в 20 веке)

В 1913 году Ассоциацией американских художников и скульпторов была организована первая большая Международная выставка современного искусства, Арсенальная выставка (Armory Show), в помещении оружейных складов Национальной гвардии на Лексингтон-авеню. Она стала важным событием в истории американского искусства, вызвала разные эмоции: удивление, восхищение, возмущение, поклонение и полное неприятие у американской публики, привыкшей к реализму, в какой-то мере к импрессионизму, но не к тому авангардному европейскому искусству, которое она увидела на этой выставке. 1300 картин, скульптур и декоративных работ более 300 современных европейских и американских художников побывали не только в Нью-Йорке, но и в Чикаго и Вашингтоне.

В отзывах о выставке сыпались обвинения в безнравственности, непрофессионализме, безумии, шарлатанстве, многие работы называли карикатурами и пародиями на живопись, а Теодор Рузвельт сказал: «Это вообще не искусство!»

Гражданские власти, однако, не вмешивались и не пытались закрыть выставку, а скандалы вокруг неё только способствовали успешной распродаже многих работ, которые сегодня можно увидеть в американских музеях, а МоМА (The Museum of Modern Art) так вообще можно считать наследником и продолжателем той первой выставки современного искусства.

Она косвенно повлияла и на художников реалистического направления, а реалистические традиции никогда не умирали в Америке, она не только способствовала изменениям в технике рисунка, в тематике сюжетов, но и даже породила такие новые направления в живописи как, «магический реализм»*

И его ответвление – «прецизионизм»**, характерные именно для американских художников,

И рожденное в Америке художественное направление «регионализм»*** (или риджионализм).

Вот о художниках, представителях разных направлений реалистического искусства Америки 20 века, мы и поговорим.

Чарльз Берчфильд (1893-1967), один из самых выдающихся акварелистов Америки, писавший свои картины у мольберта в технике «сухой кисти», рано (уже к 1915 году) разработал свой неореалистический стиль, сочетающий модернистские тенденции, традиционную китайскую живопись и элементы фовизма.

На протяжении своей творческой жизни он менял направления и техники, писал пейзажи и картины на исторические сюжеты, сцены, наблюдаемые из окна его дома, и цветы, «галлюцинаторные», в духе магического реализма, виды природы и ее божественной силы.

В его честь в 1966 году в Буффало создан Центр природы и искусств, названный «Берчфильд Пенни Арт-центр», включающий в себя также крупнейшую в мире коллекцию работ художника.

Реджинальд Марш (1898-1954), родился в Париже, в обеспеченной семье художников, был учеником Д.Слоана, известен прежде всего, как живописец и иллюстратор городских сцен, уличной жизни, пляжей Нью-Йорка.

Его картины отличаются документалистской тщательностью, пронизаны ироничной любовью к персонажам, он много рисовал для бурлеска и водевилей, считая их «театром простого человека, выражающим юмор и фантазии бедных, старых и некрасивых».

Он работал в масле и тушью, акварелью, яичной темперой, а начинал свою творческую жизнь с литографии. Его стиль можно характеризовать как «социальный реализм», особенно ярко проявившийся в годы Великой депрессии, а преданность старым мастерам, творчеству которых он поклонялся, привела к созданию работ, содержащих религиозные метафоры.

Незадолго до своей смерти от сердечного приступа Марш получил Золотую медаль графического искусства Американской академии искусств.

Ферфилд Портер (1907-1975) родился в семье архитектора и поэтессы, учился в Гарварде и Лиге американских студентов, всю жизнь придерживался реалистического направления, писал в основном пейзажи и портреты семьи и друзей, стараясь выявить необычность в обычной жизни, сделать ее красивее.

В его работах чувствуется влияние отца-архитектора, работ Веласкеса, а позже художников Боннара и Вюйара, он считал, что «импрессионизм способен живописно воссоздать присутствие реальности».

Возможно, отсутствие хороших учителей масляной живописи, настороженное отношение к чувственности и натурализму, присущее многим американцам тех лет, помогает объяснить несколько примитивный характер работ Портера, неловкость, скованность его фигур, их статичность.

И только в поздних своих работах он начинает пересекать границу между импрессионизмом и фовизмом, его рисунок становится более свободным, краски ярче, а в его работах больше света.

Эдвард Хоппер (1882-1967) родился в Наяке, в центре яхтостроения на реке Гудзон, в зажиточной семье голландского происхождения. Художественный талант проявился у Хоппера уже в 5 лет, родители привили ему любовь к французскому и русскому искусству, поощряли его увлечение живописью и разнообразные интересы.

Хоппер работал пером и чернилами, углем, акварелью, маслом и в литографии, рисовал портреты и морские пейзажи, политические карикатуры и рисунки с натуры. В творчестве Хоппера угадываются влияния Роберта Генри, одного из его учителей, и Мане с Дега,

Уильяма Чейза и Рембрандта, особенно его «Ночной дозор», а живя в Париже, рисуя сценки на улицах, в кафе и театрах, он оставался в традициях реалистического искусства, хотя некоторые исследователи относят его творчество к прецизионизму из-за характерных для его работ четких геометрических форм, механистичности, стерильности и пустоты пространства.

Он говорил, что его «любимая вещь в живописи – солнечный свет на стене дома». Во время Великой депрессии Хопперу повезло больше, чем многим другим художником – он продолжал ежегодно выставляться и хорошо продавался на протяжении всей последующей жизни.

Его творчество оказало большое влияние не только на изобразительное искусство, но и на кино своими кинематографическими композициями и драматическим использованием света и темноты.

Пол Кадмус (1904-1999), представитель направления «магический реализм» объединил в своем творчестве элементы эротики и социальной критики,

приобрел скандальную известность благодаря откровенным гомосексуальным мотивам в своих картинах и изображению обнаженных мужских фигур.

Он родился в небогатой семье художника, отец поощрял занятия мальчика рисованием, в 14 лет он поступил на курсы при национальной академии дизайна, а затем и в Академию. Он много путешествовал со своими друзьями, писал большие полотна, отображавшие его впечатления от Европы, рисовал многофигурные картины из жизни рыбаков, моряков, сцены городской жизни,

А после знакомства с импресарио и балетоманом Кирстеном у Кадмуса появилось много работ на балетные темы, в основном изображавшие танцовщиков.

Пол Кадмус прожил долгую жизнь и умер в возрасте 95 лет на руках у своего друга и постоянной модели, который был с ним рядом на протяжении последних 35 лет жизни. Кадмус любил повторять слова Энгра: «Люди говорят, что мои картины не подходят этому времени. Возможно, они ошибаются, и я единственный кто идет со временем в ногу».

Айвен (Иван) Олбрайт (1897-1983), один из самых известных представителей магического реализма, родился со своим братом- близнецом в семье художника.

Братья большую часть своей жизни были неразлучны, оба учились в Чикагском институте искусств, брат Малвин стал скульптором, а Айвен – художником, но начинал как архитектор, а во время Первой мировой войны выполнял для больницы в Нанте медицинские рисунки. Он всегда очень требовательно относился к своей работе, тщательно выписывая все детали и посвящая многие свои работы таким сложным темам, как жизнь и смерть, материальность и дух, воздействие времени на внешность и внутренний мир человека.

Такая работа требовала много времени и поэтому продажи были редкими, многие картины оставались в его собственности. Олбрайт изготовлял собственные краски и угли, был одержим освещением до такой степени, что носил черную одежду и покрасил свою студию в черный цвет, чтобы предотвратить блики.

Он писал в реалистичной, но преувеличенно детализированной манере, он любил наблюдать течения времени и написал более 20 автопортретов только в последние 3 года жизни, чтобы отразить изменения, происходящие в человеке.

Джордж Клер Тукер -младший (1920-2011), работы которого представляют направления соцреализма и магического реализма, родился в семье с англо-франко-испано-кубинскими и американскими корнями, по настоянию родителей изучал в Гарварде английскую литературу, но большую часть времени посвящал живописи.

После службы в морской пехоте, откуда был уволен из-за слабого здоровья, посещал курсы Лиги студентов-художников, много работал в технике яичной темперы, восхищался искусством времен итальянского Возрождения.

Картины Тукера изображают сцены повседневной американской жизни, человеческие фигуры на них часто не имеют определенной расовой и сексуальной принадлежности, выражают одиночество, изолированность и анонимность.

Он много внимания уделял соблюдению геометрических пропорций и симметрии, из-за этого очень медленно писал – не более двух картин в год. После его первой крупной выставки в 1951 году Тукер постоянно успешно выставлялся, его работы есть в крупнейших музеях Америки.

Петер Блуме (Питер Блюм) – (1906-1992), художник и скульптор, в работах которого есть элементы прецизионизма, пуризма, кубизма, сюрреализма и народного искусства. Он родился в России в еврейской семье, эмигрировавшей в Америку в 1912 году и поселившейся в Бруклине.

После изучения искусства в разных учебных заведениях он открыл собственную студию при покровительстве семьи Рокфеллера. Как и многие его современники-реалисты, он был поклонником Ренессанса, путешествовал по Италии, его первая картина, получившая признание в 1934 году - «Вечный город», в ней угадывается образ Муссолини, как чертик из коробки, выходящего из Колизея.

Его работы, часто изображающие разрушение, тем не менее могут быть истолкованы как символы восстановления и обновления после Второй мировой войны, об этом говорят камни, новые балки, фигурки работающих людей.

Художественный стиль Блуме представлял собой интересный гибрид разных художественных направлений американского и европейского искусства, его называют «художником сказочной повествовательности».

Эндрю Ньюэлл Уайет (1917-2009), представитель преимущественно регионалистического стиля в реализме, родился в семье художника-иллюстратора, внимательно относившегося к развитию талантов у своих пятерых детей, приучавшего их к хорошей литературе, музыке, изучению природы. Отец сам обучал дома своих детей, и все они были талантливы: художники, музыкант, композитор, изобретатель.

В их доме царила творческая обстановка, часто бывали знаменитости, такие как Скотт Фицджеральд и Мэри Пикфорд. Сам Уайет, как ни странно, считал себя абстракционистом, придавал большое значение осознанию глубинного смысла в простых объектах, любимыми темами его картин были земля и люди вокруг него.

Самая известная его картина «Мир Кристины» изображает девушку с соседней фермы, ставшую инвалидом после полиомиелита, одиноко ползущую к дому вдалеке.

Одной женщине Хельге Тесторф было посвящено 247 картин и рисунков, он изучал ее в различных условиях и эмоциональных состояниях, что является уникальным опытом в американском искусстве.

Несмотря на то, что у Уайета много технически прекрасных произведений и у него было много последователей, искусство его считается спорным, а искусствовед Розенблюм охарактеризовал его как «самого переоцененного и недооцененного» художника.

Грант Вуд (1891-1942), один из самых известных представителей регионализма, родился в Айове, рано потерял отца, работал в магазине металлоизделий, учился в художественной школе, а потом в Чикагском художественном институте.

Молодой Грант 4 раза ездил в Европу для изучения живописных стилей, уделяя особое внимание импрессионизму и постимпрессионизму, но восхищался работами Ван Эйка и мечтал объединить в своем творчестве современные методы и ясность, четкость, глубину средневекового искусства.

Недаром самая знаменитая его картина называется «Американская готика», она отражает традиционный еще для 19 века взгляд на роли мужчины и женщины в Америке, картина была принята неоднозначно, некоторые считали ее карикатурой, а газеты пародировали ее на разные лады.

Позже, преподавая живопись в Университете Айовы, Вуд становится ключевой фигурой культурного общества университета, но из-за слухов о его гомосексуальной связи со своим личным секретарем Вуд был уволен и вскоре умер от рака поджелудочной железы.

Томас Гарт (Харт) Бентон (1889-1975) родился в семье политиков, его отец, полковник, адвокат и меценат, четырежды был избран в Конгресс. Отец хотел, чтобы сын шел по его стопам, но мальчика интересовало искусство, мать поддерживала его выбор, и он поступил в Художественный институт Чикаго, а потом уехал в Париж, продолжить обучение в Академии Жулиана.

Вернувшись в Америку, продолжая рисовать, он служил во время Первой мировой войны в ВМС США, работал над созданием камуфляжных образов кораблей и верфей, что требовало реалистического документального изображения и повлияло в дальнейшем на его стиль. В начале 20-х годов Бентон объявил себя «врагом модернизма», стал одним из ведущих представителей регионализма и придерживался «левых» взглядов.

Он увлекся Эль Греко, влияние его творчества видно в работе над огромными фресками, отображающими разные этапы и события в жизни страны.

Бентон преподавал в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке, многие его студенты стали известными художниками (Хоппер, Поллак, Марш), но был уволен за осуждающие высказывания о чрезмерном влиянии гомосексуалистов в художественном мире. После Второй мировой войны регионализм как направление утерял свою актуальность, Бентон продолжал писать фрески,

работал активно еще около 30 лет, но не имел уже былой популярности.

Джон Стюарт Кэрри (1897-1946) родился на ферме в штате Канзас, ухаживал за животными, увлекался легкой атлетикой, с детства был окружен репродукциями картин Рубенса и Доре, которые сыграли свою роль в последующем выборе им художественного стиля.

Джон учился в Институте искусств Чикаго, работал иллюстратором в журналах, провел год в Париже, изучая работы Курбе, Домье, Тициана и Рубенса. Вернувшись в США некоторое время работал в своей мастерской, путешествовал с цирком, был назначен первым художником в Университет Висконсин-Мэдисон, ездил по стране для содействия развитию искусства в фермерских общинах.

Он выполнял роспись для Департамента юстиции в Вашингтоне и для Капитолия в Канзасе. Кэрри был одним из трех (Бентон и Вуд) столпов американского регионализма, который был особенно актуален в годы Великой депрессии.

Он изображал сцены труда, семьи и земли, борьбы со стихийными бедствиями, чтобы продемонстрировать миру настойчивость, работоспособность и веру людей, что Кэрри считал сутью американской жизни.

Если честно, меня не очень вдохновляют художники-реалисты вообще, с некоторым интересом я отношусь к творчеству только отдельных представителей магического реализма (Кадмус, Блуме, Хоппер), но в целом мне этот период в американском искусстве не близок, что поделать.
Следующая и последняя часть будет посвящена современному американскому искусству. Окончание следует...
Как всегда, слайдшоу, в котором гораздо больше картин и хорошая музыка:

* Магический реализм - Как художественное направление магический реализм сложился на американской почве, став эквивалентом европейского сюрреализма. Во многом отвечая вкусам и потребностям американского зрителя, произведения мастеров магического реализма носили эпатирующий, шокирующий своей откровенностью характер, при этом сочетая его с анекдотичностью ситуаций и карикатурностью персонажей, реальность скорее напоминала беспокойный сон или галлюцинаторный бред.
**Прецизионизм , или пресижинизм (англ. precision - точность, чёткость) - направление, характерное для американской живописи 30-х годов, разновидность магического реализма. Главный сюжет для прецизионистов - изображение города, Главная тема - механистическая эстетика, пространство картин стерильно, такое ощущение, что из них выкачан воздух, в нём нет человека.
***Риджионализм или регионализм (от англ. regional – местный) - художественное направление в искусстве США 1920-1940 годов, в основе которого лежало стремление создать подлинно американское искусство в противовес идущим из Европы авангардным течениям. Вдохновленные идеями национальной самобытности, художники-риджионалисты сосредоточились на изображении «подлинной» Америки. Темами их произведений стали американские пейзажи, сцены из жизни фермеров, быт маленьких городков, эпизоды из истории, местных легенд и фольклорных рассказов.

Американские художники очень разношерстные. Кто-то был явным космополитом, как Сарджент. По происхождению американец, но почти всю сознательную жизнь проживший в Лондоне и Париже.

Есть среди них и аутентичные американцы, которые изображали жизнь только своих соотечественников, как Роквелл.

А есть и вовсе художники не от мира сего, как Поллок. Или те, чьё искусство стало продуктом общества потребления. Это, конечно, об Уорхоле.

Тем не менее, все они американцы. Свободолюбивые, дерзкие, яркие. О семи из них читайте ниже.

1. Джеймс Уистлер (1834-1903 гг.)

Джеймс Уистлер. Автопортрет. 1872 г. Институт искусств в Детройте, США.

Уистлера сложно назвать настоящим американцем. Повзрослев, он жил в Европе. А детство и вовсе провёл … в России. Его отец строил железную дорогу в Петербурге.

Именно там мальчик Джеймс и полюбил искусство, посещая Эрмитаж и Петергоф благодаря отцовским связям (тогда ещё это были закрытые для публики дворцы).

Чем знаменит Уистлер? В каком бы стиле он ни писал, от реализма до тонализма*, его почти сразу можно узнать по двум признакам. Необычные цвета и музыкальные названия.

Часть его портретов – это подражание старым мастерам. Как, например, его знаменитый портрет «Мать художника».

Джеймс Уистлер. Мать художника. Аранжировка в сером и черном. 1871 г.

Художник создал удивительную работу, используя цвета от светло-серого до темно-серого. И немного желтого.

Но это не значит, что Уистлер любил такие цвета. Он был человеком неординарным. Легко мог появиться в обществе в желтых носках и с ярким зонтом. И это тогда, когда мужчины одевались исключительно в чёрное и серое.

Есть у него и гораздо более светлые работы, чем «Мать». Например, «Симфония в белом». Так картину назвал один из журналистов на выставке. Уистлеру эта идея понравилась. С тех пор почти все свои работы он называл по-музыкальному.

Джеймс Уистлер. Симфония в белом # 1. 1862 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Но тогда, в 1862 году, «Симфония» публике не понравилась. Опять же из-за своеобразных цветовых решений Уистлера. Людям казалось странным писать женщину в белом на белом фоне.

На картине мы видим рыжеволосую любовницу Уистлера. Вполне в духе прерафаэлитов. Ведь тогда художник дружил с одним из главных зачинателей прерафаэлизма, Габриэлем Россетти. Красавица, лилии, необычные элементы (шкура волка). Все как полагается.

Но Уистлер быстро отошёл от прерафаэлизма. Так как ему была важна не внешняя красота, а настроение и эмоции. И он создал новое направление – тонализм.

Его пейзажи-ноктюрны в стиле тонализма и вправду похожи на музыку. Монохромные, тягучие.

Сам Уистлер говорил, что музыкальные названия помогают фокусироваться на самой живописи, линиях и цвете. При этом не думая о месте и людях, которые изображены.

Джеймс Уистлер. Ноктюрн в синем и серебряном: Челси. 1871 г. Галерея Тейт, Лондон
Мэри Кассат. Спящий ребенок. Пастель, бумага. 1910 г. Музей искусств в Далласе, США

Но она осталась верна своему стилю до конца. Импрессионизм. Мягкая пастель. Матери с детьми.

Ради живописи Кассат отказалась от материнства. Но ее женское начало все чаще проявлялось именно в таких нежных работах, как «Спящий ребёнок». Жаль, что консервативное общество поставило ее когда-то перед таким выбором.

3. Джон Сарджент (1856-1925 гг.)

Джон Сарджент. Автопортрет. 1892 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Джон Сарджент был уверен, что всю жизнь будет портретистом. Карьера складывалась удачно. Аристократы выстраивались в очередь, чтобы сделать ему заказ.

Но однажды художник по мнению общества перешагнул черту. Нам сейчас сложно понять, что же такого недопустимого в картине «Мадам Икс».

Правда в первоначальной версии у героини была опущена одна из брителек. Сарджент ее «поднял», но это делу не помогло. Заказы сошли на нет.

Джон Сарджент. Мадам Х. 1878 г. Метрополитен музей, Нью-Йорк

Что же непристойного увидела публика? А то, что Сарджент изобразил модель в слишком самоуверенной позе. Да ещё полупрозрачная кожа и розовое ушко весьма красноречивы.

Картина как бы говорит, что эта женщина с повышенной сексуальностью не прочь принимать ухаживания других мужчин. Притом будучи замужем.

К сожалению, за этим скандалом современники не разглядели шедевра. Темное платье, светлая кожа, динамичная поза – простое сочетание, которое дано найти только самым талантливым мастерам.

Но нет худа без добра. Сарджент получил взамен свободу. Начал больше экспериментировать с импрессионизмом. Писать детей в непосредственных ситуациях. Так появилась работа «Гвоздика, лилия, лилия, роза».

Сарджент хотел поймать определенный момент сумерек. Поэтому работал только 2 минуты в день, когда освещение было подходящим. Работал летом и осенью. А когда цветы завяли, заменил их искусственными.

Джон Сарджент. Гвоздика, лилия, лилия, роза. 1885-1886 гг. Галерея Тейт, Лондон

В последние десятилетия Сарджент так вошёл во вкус свободы, что и вовсе начал отказываться от портретов. Хотя репутация его уже восстановилась. Одну клиентку он даже грубо отшил, сказав, что с большим удовольствием напишет ее калитку, нежели ее лицо.

Джон Сарджент. Белые корабли. 1908 г. Бруклинский музей, США

Современники относились к Сардженту с иронией. Считая его устаревшим в век модернизма. Но время расставило все по своим местам.

Сейчас его работы стоят не меньше, чем работы самых прославленных модернистов. Ну а уж о любви публики и говорить нечего. На выставках с его работами всегда аншлаг.

4. Норман Роквелл (1894-1978 гг.)

Норман Роквелл. Автопортрет. Иллюстрация к выпуску журнала «The Saturday Evening Post” от 13 февраля 1960 г.

Сложно представить более популярного художника при жизни, чем Норман Роквелл. Несколько поколений американцев выросло на его иллюстрациях. Любя их всей душой.

Ведь Роквелл изображал обычных американцев. Но при этом показывая их жизни с самой позитивной стороны. Роквелл не хотел показывать ни злых отцов, ни равнодушных матерей. Да и несчастных детей вы у него не встретите.

Норман Роквелл. Всей семьей на отдых и с отдыха. Иллюстрация в журнале Evening Saturday Post от 30 августа 1947 года. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Его работы полны юмора, сочных цветов и очень умело схваченных из жизни выражений лиц.

Но это иллюзия, что работы давались Роквеллу легко. Чтобы создать одну картину, он мог сначала сделать до сотни фотографий со своими моделями, чтобы уловить верные жесты.

Работы Роквелла оказывали колоссальное влияние на умы миллионов американцев. Ведь он часто высказывался с помощью своих картин.

Во время Второй Мировой войны он решил показать, за что борются солдаты его страны. Создав в том числе картину «Свобода от нужды». В виде дня благодарения, на которой все члены семьи, сытые и довольные, радуются семейному празднику.

Норман Роквелл. Свобода от нужды. 1943 г. Музей Нормана Роквелла в Стокбридже, Массачусетс, США

Через 50 лет работы в Saturday Evening Post Роквелл ушёл в более демократичный журнал «Look», где смог выражать свои позиции о социальных проблемах.

Самая яркая работа тех лет – «Проблема, с которой мы живём».

Норман Роквелл. Проблема, с которой мы живем. 1964 г. Музей Нормана Роквелла, Стокбридж, США

Это реальная история чернокожей девочки, которая пошла в школу для белых. Так как был принят закон о том, что люди (а значит и учебные заведения) больше не должны разделяться по расовому признаку.

Но гневу обывателей не была предела. По дороге в школу девочку охраняла полиция. Вот такой «рутинный» момент и показал Роквелл.

Если хотите узнать жизнь американцев немного в приукрашенном свете (какой они сами хотели ее видеть), обязательно смотрите картины Роквелла.

Пожалуй, из всех представленных в этой статье живописцев, Роквелл – самый что ни на есть американский художник.

5. Эндрю Уайет (1917-2009 гг.)

Эндрю Уайет. Автопортрет. 1945 г. Национальная академия дизайна, Нью-Йорк

В отличие от Роквелла, Уайет не был так позитивен. Затворник по характеру, он не стремился ничего приукрашивать. Наоборот, изображал самые обычные пейзажи и ничем не примечательные вещи. Просто пшеничное поле, просто деревянный дом. Но умудрялся даже в них подсмотреть что-то магическое.

Самая известная его работа – «Мир Кристины». Уайет показал судьбу одной женщины, своей соседки. Будучи парализованной с детства, она передвигалась по окрестностям вокруг своей фермы ползком.

Так что ничего романтичного в этой картине нет, как может показаться сначала. Если приглядеться, то у женщины болезненная худоба. А зная, что у героини парализованы ноги, понимаешь с грустью, насколько ей ещё далеко до дома.

На первый взгляд Уайет писал самое обыденное. Вот старое окно старого дома. Ветхая занавеска, которая уже начала превращаться в клочья. За окном темнеет лес.

Но во всем этом какая-то загадочность. Какой-то некий другой взгляд.

Эндрю Уайет. Ветер с моря. 1947 г. Национальная галерея Вашингтона, США

Так дети умеют смотреть на мир незашоренным взглядом. Так смотрит и Уайет. И мы вместе с ним.

Всеми делами Уайета занималась его супруга. Она была хорошим организатором. Именно она контактировала с музеями и коллекционерами.

Романтики в их отношениях было мало. Муза обязана была появиться. И ей стала простая, но с неординарной внешностью Хельга. Именно её мы встречаем на многочисленных работах.

Эндрю Уайет. Косы (из серии «Хельга»). 1979 г. Частная коллекция

Казалось бы, мы видим всего лишь фотографичное изображение женщины. Но почему-то от неё сложно оторваться. Слишком сложный у неё взгляд, напряженные плечи. Мы как бы вместе с ней внутренне напрягаемся. Силясь найти объяснение этого напряжению.

Изображая действительность во всех деталях, Уайет волшебным образом наделял ее эмоциями, которые не могут оставить равнодушными.

Художника долго не признавали. Со своим реализмом, пусть и магическим, он никак не вписывался в модернистские тренды 20 века.

Когда музейщики покупали его работы, то старались делать это тихо, не привлекая внимания. Выставки его организовывали редко. Но на зависть модернистам они всегда имели оглушительный успех. Люди приходили толпами. И до сих пор приходят.

6. Джексон Поллок (1912-1956 гг.)

Джексон Поллок. 1950 г. Фото Ханса Намута

Джексона Поллока невозможно обойти стороной. Он перешёл определённую черту в искусстве, после чего живопись не могла быть прежней. Он показал, что в искусстве вообще можно обойтись без границ. Когда положил холст на пол и забрызгал его краской.

А начал этот американский художник с абстракционизма, в котором все же прослеживалось фигуративное. В его работе 40-х годов «Стенографическая фигура» мы видим очертания и лица, и рук. И даже понятные нам символы в виде крестиков и ноликов.

Джексон Поллок. Стенографическая фигура. 1942 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Его работы хвалили, но покупать не спешили. Он был беден, как церковная мышь. И безбожно пил. Несмотря на счастливый брак. Его жена преклонялась перед его талантом и делала все для успеха мужа.

Но Поллок изначально был личностью надломленной. С самой юности по его поступкам было понятно, что ранняя смерть – его удел.

Эта надломленность в результате и приведёт его к смерти в 44 года. Но он успеет совершить революцию в искусстве и прославиться.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США

А получилось у него это в период двухлетней трезвости. Он смог плодотворно работать в 1950-1952 годах. Он долго экспериментовал, пока не пришёл к капельной технике.

Раскладывая огромный холст на полу своего сарая, он ходил вокруг него, находясь как бы в самой картине. И разбрызгивал или просто лил краску.

Эти необычные картины у него начали охотно покупать за невероятную оригинальность и новизну.

Джексон Поллок. Синие столбы. 1952 г. Национальная галерея Австралии, Канберра

Поллок был оглушен славой и провалился в депрессию, не понимая, куда ему двигаться дальше. Смертельная смесь алкоголя и депрессии не оставила ему шансов на выживание. Однажды он сел за руль сильно пьяным. В последний раз.

7. Энди Уорхол (1928-1987 гг.)

Энди Уорхол. 1979 г. Фото Артура Тресса

Только в стране с таким культом потребления, как в Америке, мог родиться поп-арт. И главным его зачинателем был, конечно, Энди Уорхол.

Прославился он тем, что брал самые обыденные вещи и превращал их в произведение искусства. Так случилось с банкой супа Кэмпбелл.

Выбор был не случаен. Мать Уорхола кормила сына каждый день таким супом более 20 лет. Даже когда он переехал в Нью-Йорк и взял свою мать с собой.

Энди Уорхол. Банки супа «Кэмпбелл». Полимер, ручная печать. 32 картины 50х40 каждая. 1962 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

После этого эксперимента Уорхол увлёкся трафаретной печатью. С тех пор он брал изображения поп-звёзд и раскрашивал их в разные цвета.

Так появилась его знаменитая разукрашенная Мэрилин Монро.

Таких Мэрилин кислотных цветов было выпущено несметное количество. Искусство Уорхол поставил на поток. Как и полагается в обществе потребления.

Энди Уорхол. Мэрилин Монро. Шелкография, бумага. 1967 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке (МОМА)

Раскрашенные лица придуманы Уорхолом не на пустом месте. И вновь не обошлось без влияния матери. В детстве во время затяжной болезни сына она таскала ему пачками раскраски.

Это детское увлечение переросло в то, что стало его визитной карточкой и сделало его баснословно богатым.

Он раскрашивал не только поп-звёзд, но и шедевры предшественников. Досталось и .

«Венер», как и Мэрилин было сделано немало. Эксклюзивность произведения искусства «стёрта» Уорхолом в порошок. Для чего художник это делал?

Чтобы популяризировать старых шедевров? Или, наоборот, попытаться их обесценить? Обессмертить поп-звёзд? Или приправить смерть иронией?

Энди Уорхол. Венера Боттичелли. Шелкография, акрил, холст. 122х183 см. 1982 г. Музей Э. Уорхола в Питтсбурге, США

Его раскрашенные работы Мадонны, Элвиса Пресли или Ленина порой более узнаваемы, чем изначальные фото.

А вот шедевры вряд ли удалось затмить. Все равно первозданная «Венера» остаётся бесценной.

Уорхол был заядлым тусовщиком, привлекая к себе массу маргиналов. Наркоманы, неудавшиеся актеры или просто неуравновешенные личности. Одна из которых однажды выстрелила в него.

Уорхол выжил. Но через 20 лет из-за последствий когда-то перенесённого ранения, умер в одиночестве в своей квартире.

Плавильный котёл США

Несмотря на короткую историю американского искусства, диапазон получился широченный. Среди американских художников есть и импрессионисты (Сарджент), и магические реалисты (Уайет), и абстрактные экспрессионисты (Поллок), и зачинатели поп-арта (Уорхол).

Что ж, американцы любят свободу выбора во всем. Сотни конфессий. Сотни наций. Сотни направлений искусства. На то он и плавильный котёл Соединенных Штатов Америки.

Вконтакте

«Игроки в карты»

Автор

Поль Сезанн

Страна Франция
Годы жизни 1839–1906
Стиль постимпрессионизм

Художник родился на юге Франции в небольшом городке Экс-ан-Прованс, но живописью стал заниматься в Париже. Настоящий успех пришел к нему после персональной выставки, организованной коллекционером Амбруазом Волларом. В 1886 году, за 20 лет до своего ухода, он перебрался на окраину родного города. Поездки к нему молодые художники называли «паломничеством в Экс».

130х97 см
1895 год
стоимость
$250 млн
продана в 2012 году
на частных торгах

Творчество Сезанна понять легко. Единственным правилом художника была прямая передача предмета или сюжета на холст, поэтому его картины не вызывают недоумения зрителя. Сезанн соединил в своем искусстве две главные французские традиции: классицизм и романтизм. С помощью красочной фактуры он придавал форме предметов удивительную пластичность.

Серия из пяти картин «Игроки в карты» написана в 1890–1895 годах. Сюжет их одинаков – несколько людей увлеченно играют в покер. Отличаются работы только количеством игроков и размерами холста.

Четыре картины хранятся в музеях Европы и Америки (Музей д’Орсе, Метрополитен-музей, Фонд Барнса и Институт искусств Курто), а пятая до недавнего времени была украшением частной коллекции греческого миллиардера-судовладельца Георга Эмбирикоса. Незадолго до своей смерти, зимой 2011 года, он решил выставить ее на продажу. Потенциальными покупателями «свободной» работы Сезанна стали арт-дилер Уильям Аквавелла и галерист с мировым именем Ларри Гагосян, предлагавшие за нее около 220 млн долларов. В результате картина досталась королевской семье арабского государства Катар за 250 млн. Крупнейшая арт-сделка в истории живописи была закрыта в феврале 2012 года. Об этом в Vanity Fair сообщила журналистка Александра Пирс. Она узнала стоимость картины и имя нового владельца, а затем информация проникла в СМИ всего мира.

В 2010 году в Катаре открылись Арабский музей современного искусства и Катарский национальный музей. Сейчас их коллекции пополняются. Возможно, пятая версия «Игроков в карты» приобретена шейхом с этой целью.

Самая дорогая картина в мире

Владелец
Шейх Хамад
бин Халифа аль-Тани

Династия аль-Тани правит Катаром более 130 лет. Около полувека назад здесь были обнаружены огромные запасы нефти и газа, что вмиг сделало Катар одним из богатейших регионов мира. Благодаря экспорту углеводородов в этой маленькой стране зафиксирован самый большой ВВП на душу населения. Шейх Хамад бин Халифа аль-Тани в 1995 году, пока отец находился в Швейцарии, при поддержке членов семьи захватил власть. Заслуга действующего правителя, по мнению экспертов, в четкой стратегии развития страны, создании успешного имиджа государства. Сейчас в Катаре появились конституция и премьер-министр, а женщины получили право голоса на парламентских выборах. Кстати, именно эмир Катара основал новостной канал «Аль-Джазира». Огромное внимание власти арабского государства уделяют культуре.

2

«Номер 5»

Автор

Джексон Поллок

Страна США
Годы жизни 1912–1956
Стиль абстрактный экспрессионизм

Джек Разбрызгиватель – такое прозвище Поллоку дала американская публика за особую технику живописи. Художник отказался от кисти и мольберта, а краску разливал по поверхности холста или фибролита во время непрерывного движения вокруг и внутри них. С ранних лет он увлекался философией Джидду Кришнамурти, главный посыл которой – истина открывается во время свободного «излияния».

122х244 см
1948 год
стоимость
$140 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Ценность работ Поллока – не в результате, а в процессе. Автор не случайно называл свое искусство «живописью действия». С его легкой руки оно стало главным достоянием Америки. Джексон Поллок смешивал краску с песком, битым стеклом, а писал куском картона, мастихином, ножом, совком. Художник был настолько популярен, что в 1950-х подражатели нашлись даже в СССР. Картина «Номер 5» признана одной из самых странных и дорогих в мире. Один из создателей компании DreamWorks Дэвид Геффен приобрел ее для частной коллекции, а в 2006 году продал на аукционе Sotheby`s за 140 млн долларов мексиканскому коллекционеру Дэвиду Мартинесу. Однако вскоре юридическая фирма от имени своего клиента выпустила пресс-релиз, где сообщалось, что Дэвид Мартинес не является владельцем картины. Доподлинно известно только одно: мексиканский финансист действительно в последнее время коллекционировал произведения современного искусства. Вряд ли он упустил бы такую «крупную рыбу», как «Номер 5» Поллока.

3

«Женщина III»

Автор

Виллем де Кунинг

Страна США
Годы жизни 1904–1997
Стиль абстрактный экспрессионизм

Выходец из Нидерландов, он эмигрировал в США в 1926 году. В 1948-м состоялась персональная выставка художника. Арт-критики оценили сложные, нервные черно-белые композиции, признав в их авторе великого художника-модерниста. Большую часть жизни он страдал алкоголизмом, но радость создания нового искусства чувствуется в каждой работе. Де Кунинга отличает импульсивность живописи, широкие мазки, из-за чего порой изображение не умещается в границах холста.

121х171 см
1953 год
стоимость
$137 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

В 1950-х на картинах де Кунинга появляются женщины с пустыми глазами, массивной грудью, уродливыми чертами лица. «Женщина III» стала последней работой из этой серии, участвующей в торгах.

С 1970-х годов картина хранилась в Тегеранском музее современного искусства, однако после введения жестких правил морали в стране от нее стремились избавиться. В 1994-м работа была вывезена из Ирана, а еще через 12 лет ее владелец Дэвид Геффен (тот самый продюсер, который продал полотно Джексона Поллока «Номер 5») уступил картину миллионеру Стивену Коэну за 137,5 млн долларов. Интересно то, что Геффен в один год стал распродавать свою коллекцию живописи. Это породило массу слухов: например, что продюсер решил купить газету Los Angeles Times.

На одном из арт-форумов было высказано мнение о сходстве «Женщины III» с картиной Леонардо да Винчи «Дама с горностаем». За зубастой улыбкой и бесформенной фигурой героини ценитель живописи разглядел грацию особы королевских кровей. Об этом говорит и плохо прорисованная корона, венчающая голову женщины.

4

«Портрет Адели Блох-Бауэр I»

Автор

Густав Климт

Страна Австрия
Годы жизни 1862–1918
Стиль модерн

Густав Климт родился в семье художника-гравера и был вторым из семи детей. Три сына Эрнеста Климта стали художниками, а прославился на весь мир только Густав. Большую часть детства он провел в бедности. После смерти отца на него легла ответственность за всю семью. Именно в это время Климт развивает свой стиль. Перед его картинами замирает любой зритель: под тонкими мазками золота отчетливо виден откровенный эротизм.

138х136 см
1907 год
стоимость
$135 млн
продана в 2006 году
на аукционе Sotheby’s

Судьба картины, которую называют «Австрийской Моной Лизой», легко может стать основой для бестселлера. Работа художника стала причиной конфликта целого государства и одной пожилой дамы.

Итак, на «Портрете Адели Блох-Бауэр I» изображена аристократка, жена Фердинанда Блоха. Ее последней волей было передать картину австрийской государственной галерее. Однако Блох в своем завещании отменил дарение, и полотно экспроприировали нацисты. Позже галерея с трудом выкупила «Золотую Адель», но тут объявилась наследница – Мария Альтман, племянница Фердинанда Блоха.

В 2005 году начался громкий процесс «Мария Альтман против Австрийской республики», по итогам которого картина «уехала» вместе с ней в Лос-Анджелес. Австрия приняла беспрецедентные меры: велись переговоры о займах, население жертвовало деньги, чтобы выкупить портрет. Добро так и не победило зло: цену Альтман подняла до 300 млн долларов. На момент разбирательства ей было 79 лет, и она вошла в историю как человек, изменивший волю Блох-Бауэр в пользу личных интересов. Картина была приобретена Рональдом Лаудерем, владельцем «Новой галереи» в Нью-Йорке, где и находится по сей день. Не для Австрии, для него Альтман снизила цену до 135 млн долларов.

5

«Крик»

Автор

Эдвард Мунк

Страна Норвегия
Годы жизни 1863–1944
Стиль экспрессионизм

Первая картина Мунка, ставшая известной во всем мире, – «Больная девочка» (существует в пяти экземплярах) – посвящена сестре художника, умершей от туберкулеза в возрасте 15 лет. Мунка всегда интересовала тема смерти и одиночества. В Германии его тяжелая, маниакальная живопись даже спровоцировала скандал. Однако, несмотря на депрессивные сюжеты, его картины обладают особым магнетизмом. Взять хотя бы «Крик».

73,5х91 см
1895 год
стоимость
$119,992 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Полное название картины – Der Schrei der Natur (в переводе с немецкого – «крик природы»). Лицо то ли человека, то ли инопланетянина выражает отчаяние и панику – эти же эмоции испытывает зритель при взгляде на картину. Одно из ключевых произведений экспрессионизма предупреждает темы, ставшие острыми в искусстве XX века. По одной из версий, художник создал ее под влиянием психического расстройства, которым страдал всю жизнь.

Картина дважды была украдена из разных музеев, но ее возвращали. Получивший небольшие повреждения после кражи «Крик» отреставрировали, и он снова был готов к показу в Музее Мунка в 2008 году. Для представителей поп-культуры произведение стало источником вдохновения: Энди Уорхол создал серию его принтов-копий, а маска из фильма «Крик» сделана по образу и подобию героя картины.

На один сюжет Мунк написал четыре версии произведения: та, что находится в частной коллекции, выполнена пастелью. Норвежский миллиардер Петтер Олсен выставил ее на аукцион 2 мая 2012 года. Покупателем стал Леон Блэк, не пожалевший за «Крик» рекордной суммы. Основатель компаний Apollo Advisors, L.P. и Lion Advisors, L.P. известен своей любовью к искусству. Блэк – покровитель колледжа Дартмута, Музея современного искусства, Арт-центра Линкольна, Столичного музея искусств. Он обладает крупнейшей коллекцией картин современных художников и классических мастеров прошлых столетий.

6

«Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев»

Автор

Пабло Пикассо

Страна Испания, Франция
Годы жизни 1881–1973
Стиль кубизм

По происхождению он испанец, а по духу и месту жительства – настоящий француз. Собственную художественную студию Пикассо открыл в Барселоне, когда ему было всего 16 лет. Потом он уехал в Париж и провел там большую часть жизни. Именно поэтому в его фамилии двойное ударение. В основе стиля, придуманного Пикассо, лежит отрицание мнения, что изображенный на холсте предмет можно рассматривать только под одним ракурсом.

130х162 см
1932 год
стоимость
$106,482 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Во время своей работы в Риме художник встретил танцовщицу Ольгу Хохлову, ставшую вскоре его женой. Он покончил с бродяжничеством, переехал вместе с ней в роскошную квартиру. К тому времени признание нашло героя, а вот брак был разрушен. Одна из самых дорогих картин мира создана почти случайно – по большой любви, которая, как всегда у Пикассо, была недолгой. В 1927 году он увлекся юной Мари-Терез Вальтер (ей было 17 лет, ему – 45). Втайне от жены уехал с любовницей в городок под Парижем, где и написал портрет, изобразив Мари-Терез в образе Дафны. Полотно приобрел нью-йоркский дилер Поль Розенберг, а в 1951 году продал его Сидни Ф. Броуди. Супруги Броуди показали картину миру всего однажды и только потому, что художнику исполнялось 80 лет. После смерти мужа госпожа Броуди в марте 2010 года выставила произведение на торги в доме Christie’s. За шесть десятилетий цена выросла более чем в 5000 раз! Неизвестный коллекционер приобрел ее за 106,5 млн долларов. В 2011 году в Британии состоялась «выставка одной картины», где она увидела свет во второй раз, а вот имя владельца до сих пор неизвестно.

7

«Восемь Элвисов»

Автор

Энди Уорхол

Страна США
Годы жизни 1928-1987
Стиль
поп-арт

«Секс и вечеринки – это единственные места, где нужно появляться собственной персоной», – говорил культовый художник поп-арта, режиссер, один из основателей журнала Interview, дизайнер Энди Уорхол. Он работал с Vogue и Harper`s Bazaar, оформлял обложки пластинок, придумал обувь для компании I.Miller. В 1960-х появились картины с изображением символов Америки: супа Campbell`s и Coca-Cola, Пресли и Монро – сделавшие его легендой.

358х208 см
1963 год
стоимость
$100 млн
продана в 2008 году
на частных торгах

Уорхоловские 60-е – так называли эпоху поп-арта в Америке. В 1962 году он работал на Манхэттене в студии «Фабрика», где собиралась вся богема Нью-Йорка. Яркие ее представители: Мик Джаггер, Боб Дилан, Трумен Капоте и другие известные в мире личности. В то же время Уорхол опробовал технику шелкографии – многократного повтора одного изображения. Этот метод он использовал и при создании «Восьми Элвисов»: зритель словно видит кадры из кино, где звезда оживает. Здесь есть все, что так любил художник: беспроигрышный публичный образ, серебряный цвет и предчувствие смерти как главный посыл.

Есть два арт-дилера, продвигающих сегодня творчество Уорхола на мировом рынке: Ларри Гагосян и Альберто Муграби. Первый в 2008 году потратил 200 млн долларов на приобретение более 15 работ Уорхола. Второй покупает и продает его картины как рождественские открытки, только дороже. Но не они, а скромный французский арт-консультант Филипп Сегало помог римскому ценителю искусства Аннибале Берлингьери продать неизвестному покупателю «Восемь Элвисов» за рекордную для Уорхола сумму – 100 млн долларов.

8

«Оранжевый, красный, желтый»

Автор

Марк Ротко

Страна США
Годы жизни 1903–1970
Стиль абстрактный экспрессионизм

Один из создателей живописи цветового поля родился в Двинске, Россия (сейчас – Даугавпилс, Латвия), в многодетной семье еврейского фармацевта. В 1911 году они эмигрировали в США. Ротко обучался на художественном факультете Йельского университета, добился стипендии, но антисемитские настроения вынудили его оставить учебу. Несмотря ни на что, арт-критики боготворили художника, а музеи преследовали всю жизнь.

206х236 см
1961 год
стоимость
$86,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первые художественные опыты Ротко были сюрреалистической направленности, но со временем он упростил сюжет до цветовых пятен, лишив их всякой предметности. Сначала они имели яркие оттенки, а в 1960-е налились коричневым, фиолетовым, сгустившись до черного ко времени смерти художника. Марк Ротко предостерегал от поиска любого смысла в своих картинах. Автор хотел сказать ровно то, что сказал: только цвет, растворяющийся в воздухе, и ничего больше. Он рекомендовал смотреть на произведения с расстояния 45 см, чтобы зрителя «затягивало» в цвет, как в воронку. Осторожно: просмотр по всем правилам может привести к эффекту медитации, то есть постепенно приходят осознание бесконечности, полная погруженность в себя, расслабление, очищение. Цвет в его картинах живет, дышит и оказывает сильнейшее эмоциональное воздействие (говорят, иногда – целительное). Художник заявлял: «Зритель должен плакать, глядя на них», – и такие случаи действительно были. По теории Ротко, в этот момент люди проживают тот же духовный опыт, что и он в процессе работы над картиной. Если вы сумели понять его на таком тонком уровне, то не удивитесь тому, что эти произведения абстракционизма критики часто сравнивают с иконами.

Работа «Оранжевое, красное, желтое» выражает всю суть живописи Марка Ротко. Ее начальная стоимость на аукционе Christie’s в Нью-Йорке 35–45 млн долларов. Неизвестный покупатель предложил цену, вдвое превышающую эстимейт. Имя счастливого обладателя картины, как это часто бывает, не разглашается.

9

«Триптих»

Автор

Фрэнсис Бэкон

Страна
Великобритания
Годы жизни 1909–1992
Стиль экспрессионизм

Приключения Фрэнсиса Бэкона, полного тезки и к тому же дальнего потомка великого философа, начались, когда отец отрекся от него, не в силах принять гомосексуальных наклонностей сына. Бэкон уехал сначала в Берлин, потом в Париж, а затем его следы путаются по всей Европе. Еще при жизни его работы экспонировались в ведущих культурных центрах мира, среди которых Музей Гуггенхайма и Третьяковская галерея.

147,5х198 см (каждый)
1976 год
стоимость
$86,2 млн
продан в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Престижные музеи стремились обладать картинами Бэкона, а вот чопорная английская публика не спешила раскошелиться на такое искусство. Легендарный премьер-министр Великобритании Маргарет Тэтчер говорила о нем: «Человек, который рисует эти ужасающие картины».

Отправным периодом в своем творчестве сам художник считал послевоенное время. Вернувшись со службы, он вновь занялся живописью и создал главные шедевры. До участия «Триптиха, 1976» в торгах самой дорогой работой Бэкона был «Этюд к портрету Папы Иннокентия X» (52,7 млн долларов). В «Триптихе, 1976» художник изобразил мифический сюжет преследования Ореста фуриями. Разумеется, Орест – это сам Бэкон, а фурии – его терзания. Более 30 лет картина находилась в частной коллекции и не участвовала в выставках. Этот факт придает ей особую ценность и, соответственно, повышает стоимость. Но что такое несколько миллионов для ценителя искусства, да еще и по-русски щедрого? Роман Абрамович начал создавать свою коллекцию в 1990-х годах, в этом на него значительно повлияла подруга Даша Жукова, ставшая в современной России модной галеристкой. По неофициальным данным, в личном владении бизнесмена есть работы Альберто Джакометти и Пабло Пикассо, купленные за суммы, превышающие 100 млн долларов. В 2008 году он стал обладателем «Триптиха». Кстати, в 2011 году была приобретена еще одна ценная работа Бэкона – «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Скрытые источники говорят, что покупателем вновь стал Роман Аркадьевич.

10

«Пруд с кувшинками»

Автор

Клод Моне

Страна Франция
Годы жизни 1840–1926
Стиль импрессионизм

Художник признан родоначальником импрессионизма, «запатентовавшим» этот метод в своих полотнах. Первой значительной работой стала картина «Завтрак на траве» (оригинальная версия произведения Эдуарда Мане). В юности он рисовал карикатуры, а настоящей живописью занялся во время своих путешествий по побережью и на открытом воздухе. В Париже вел богемный образ жизни и не оставил его даже после службы в армии.

210х100 см
1919 год
стоимость
$80,5 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Кроме того, что Моне был великим художником, он еще и увлеченно занимался садоводством, обожал живую природу и цветы. В его пейзажах состояние природы сиюминутно, предметы как будто размыты движением воздуха. Впечатление усиливается за счет крупных мазков, с определенного расстояния они становятся незаметными и сливаются в фактурное, объемное изображение. В живописи позднего Моне особое место занимает тема воды и жизни в ней. В местечке Живерни у художника был собственный пруд, где он выращивал кувшинки из семян, специально привезенных им из Японии. Когда их цветки распускались, он приступал к рисованию. Серия «Кувшинки» состоит из 60 работ, которые художник писал на протяжении почти 30 лет, до самой смерти. Его зрение с возрастом ухудшалось, но он не останавливался. В зависимости от ветра, времени года и погоды вид пруда постоянно менялся, эти перемены и хотел запечатлеть Моне. Через тщательную работу к нему приходило понимание сути природы. Некоторые из полотен серии хранятся в ведущих галереях мира: Национальный музей западного искусства (Токио), Оранжери (Париж). Версия очередного «Пруда с кувшинками» ушла в руки неизвестного покупателя за рекордную сумму.

11

False Start

Автор

Джаспер Джонс

Страна США
Год рождения 1930
Стиль поп-арт

В 1949 году Джонс поступил в дизайнерскую школу в Нью-Йорке. Наравне с Джексоном Поллоком, Виллемом де Кунингом и другими он признан одним из главных художников XX века. В 2012 году получил «Президентскую медаль свободы» – высшую гражданскую награду США.

137,2х170,8 см
1959 год
стоимость
$80 млн
продана в 2006 году
на частных торгах

Как и Марсель Дюшан, Джонс работал с реальными предметами, изображая их на холсте и в скульптуре в полном соответствии с оригиналом. Для своих работ он использовал простые и понятные всем предметы: пивную бутылку, флаг или карты. В картине False Start нет четкой композиции. Художник словно играет со зрителем, часто «неверно» подписывая цвета на картине, переворачивая само понятие цвета: «Я хотел найти способ изобразить цвет так, чтобы он мог быть определен каким-то другим методом». Его самая взрывная и «неуверенная в себе», по мнению критиков, картина была приобретена неизвестным покупателем.

12

«Сидящая обнаженная на диване»

Автор

Амедео Модильяни

Страна Италия, Франция
Годы жизни 1884–1920
Стиль экспрессионизм

Модильяни с самого детства часто болел, во время лихорадочного бреда он распознал свое предназначение художника. Учился рисованию в Ливорно, Флоренции, Венеции, а в 1906 году уехал в Париж, где и расцвело его искусство.

65х100 см
1917 год
стоимость
$68,962 млн
продана в 2010 году
на аукционе Sotheby’s

В1917 году Модильяни встретил 19-летнюю Жанну Эбютерн, которая стала его моделью, а потом и женой. В 2004-м один из ее портретов был продан за 31,3 млн долларов, что стало последним рекордом перед продажей «Сидящей обнаженной на диване» в 2010 году. Картину приобрел неизвестный покупатель за максимальную для Модильяни на данный момент цену. Активные продажи работ начались только после смерти художника. Он умер в нищете, больной туберкулезом, а на следующий день с собой покончила и Жанна Эбютерн, пребывавшая на девятом месяце беременности.

13

«Орел на сосне»

Автор

Ци Байши

Страна Китай
Годы жизни 1864–1957
Стиль гохуа

Интерес к каллиграфии привел Ци Байши к живописи. В 28 лет он стал учеником художника Ху Циньюаня. Министерство культуры Китая присвоило ему титул «Великого художника китайского народа», в 1956 году он получил Международную премию мира.

10х26 см
1946 год
стоимость
$65,4 млн
продана в 2011 году
на аукционе China Guardian

Ци Байши интересовался теми проявлениями окружающего мира, которым многие не придают значения, и в этом его величие. Человек без образования стал профессором и выдающимся творцом в истории. Пабло Пикассо говорил о нем: «Я боюсь ехать в вашу страну, ведь в Китае есть Ци Байши». Композиция «Орел на сосне» признана самым крупным произведением художника. Кроме полотна, она включает в себя два иероглифических свитка. Для Китая сумма, за которую куплено произведение, представляет рекорд – 425,5 млн юаней. Только свиток древнего каллиграфа Хуан Тинцзяня был продан за 436,8 млн.

14

«1949-A-№1»

Автор

Клиффорд Стилл

Страна США
Годы жизни 1904–1980
Стиль абстрактный экспрессионизм

В 20 лет посетил Метрополитен-музей в Нью-Йорке и был разочарован. Позже записался на курс студенческой лиги искусств, но ушел через 45 минут после начала занятия – оказалось «не его». Первая персональная выставка вызвала резонанс, художник нашел себя, а вместе с этим и признание

79х93 см
1949 год
стоимость
$61,7 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Все свои работы, а это более 800 холстов и 1600 произведений на бумаге, Стилл завещал американскому городу, где будет открыт музей его имени. Таким городом стал Денвер, но только строительство обходилось властям дорого, и для его завершения четыре работы были выставлены на аукцион. Произведения Стилла вряд ли будут участвовать в торгах когда-либо еще, что заранее повысило их цену. Картина «1949-A-No.1» продана за рекордную для художника сумму, хотя эксперты прогнозировали продажу максимум за 25–35 млн долларов.

15

«Супрематическая композиция»

Автор

Казимир Малевич

Страна Россия
Годы жизни 1878–1935
Стиль супрематизм

Малевич учился живописи в Киевской художественной школе, затем в Московской академии искусств. В 1913 году начал писать абстрактно-геометрические картины в стиле, который назвал супрематизмом (от лат. «доминирование»).

71х 88,5 см
1916 год
стоимость
$60 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

В городском музее Амстердама картина хранилась около 50 лет, но после 17-летнего спора с родственниками Малевича музей отдал ее. Художник написал эту работу в один год с «Манифестом супрематизма», поэтому на Sotheby`s еще до торгов объявили, что менее чем за 60 млн долларов она не уйдет в частную коллекцию. Так и случилось. Смотреть на нее лучше сверху: фигуры на полотне напоминают вид на землю с воздуха. Кстати, несколькими годами ранее те же самые родственники экспроприировали у музея МоМА другую «Супрематическую композицию», чтобы продать ее на аукционе Phillips за 17 млн долларов.

16

«Купальщицы»

Автор

Поль Гоген

Страна Франция
Годы жизни 1848–1903
Стиль постимпрессионизм

До семи лет художник жил в Перу, затем с семьей вернулся во Францию, но детские воспоминания постоянно подталкивали его к путешествиям. Во Франции он начал писать красками, дружил с Ван Гогом. Он даже провел с ним несколько месяцев в Арле, до того момента, как Ван Гог во время ссоры отрезал себе ухо.

93,4х60,4 см
1902 год
стоимость
$55 млн
продана в 2005 году
на аукционе Sotheby’s

В 1891 году Гоген устроил распродажу своих картин, чтобы на вырученные деньги отправиться вглубь острова Таити. Там он создал работы, в которых чувствуется тонкая связь природы и человека. Гоген жил в соломенной хижине, а на его полотнах расцветал тропический рай. Его женой стала 13-летняя таитянка Техура, что не помешало художнику вступать в беспорядочные связи. Заболев сифилисом, он уехал во Францию. Однако там Гогену было тесно, и он вернулся на Таити. Этот период называют «вторым таитянским» – именно тогда была написана картина «Купальщицы», одна из самых роскошных в его творчестве.

17

«Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах»

Автор

Анри Матисс

Страна Франция
Годы жизни 1869–1954
Стиль фовизм

В 1889 году у Анри Матисса случился приступ аппендицита. Когда он оправлялся от операции, мать купила ему краски. Сначала Матисс со скуки копировал цветные открытки, потом – произведения великих живописцев, что видел в Лувре, а в начале XX века придумал стиль – фовизм.

65,2х81 см
1911 год
стоимость
$46,4 млн
продана в 2009 году
на аукционе Christie’s

Картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах» долгое время принадлежала Иву Сен-Лорану. После смерти кутюрье вся его коллекция искусства перешла в руки его друга и любовника Пьера Берже, который решил выставить ее на аукционе Christie’s. Жемчужиной проданной коллекции стала картина «Нарциссы и скатерть в синих и розовых тонах», написанная на обыкновенной скатерти вместо холста. Как образец фовизма, она наполнена энергией цвета, краски словно взрываются и кричат. Из известной серии картин, написанных на скатерти, сегодня эта работа единственная, которая находится в частной коллекции.

18

«Спящая девушка»

Автор

Рой Ли

хтенштейн

Страна США
Годы жизни 1923–1997
Стиль поп-арт

Художник родился в Нью-Йорке, а окончив школу, уехал в Огайо, где пошел на курсы по искусству. В 1949 году Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств. Интерес к комиксам и умение иронизировать сделали из него культового художника прошлого века.

91х91 см
1964 год
стоимость
$44,882 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Однажды в руки Лихтенштейну попала жевательная резинка. Он перерисовал картинку со вкладыша на холст и стал знаменитым. В этом сюжете из его биографии заключен весь месседж поп-арта: потребление – новый бог, и в фантике от жвачки не меньше красоты, чем в «Моне Лизе». Его картины напоминают комиксы и мультфильмы: Лихтенштейн просто увеличивал готовое изображение, прорисовывал растры, использовал трафаретную печать и шелкографию. Картина «Спящая девушка» почти 50 лет принадлежала коллекционерам Беатрис и Филиппу Герш, чьи наследники продали ее на аукционе.

19

«Победа. Буги-вуги»

Автор

Пит Мондриан

Страна Нидерланды
Годы жизни 1872–1944
Стиль неопластицизм

Свою настоящую фамилию – Корнелис – художник сменил на Мондриан, когда в 1912 году переехал в Париж. Вместе с художником Тео ванн Дусбургом основал движение «неопластицизм». В честь Мондриана назван язык программирования Piet.

27х127 см
1944 год
стоимость
$40 млн
продана в 1998 году
на аукционе Sotheby’s

Самый «музыкальный» из художников XX века зарабатывал на жизнь акварельными натюрмортами, хотя прославился как неопластический художник. В США перебрался в 1940-х и провел там остаток жизни. Джаз и Нью-Йорк – вот что вдохновляло его больше всего! Картина «Победа. Буги-Вуги» – лучший тому пример. «Фирменные» аккуратные квадраты получались благодаря использованию липкой ленты – любимого материала Мондриана. В Америке его назвали «самым знаменитым иммигрантом». В шестидесятых Ив Сен-Лоран выпустил известные на весь мир платья «Мондриан» с принтом в крупную цветную клетку.

20

«Композиция № 5»

Автор

Василий Кандинский

Страна Россия
Годы жизни 1866–1944
Стиль авангардизм

Художник родился в Москве, а его отец был родом из Сибири. После революции он пытался сотрудничать с советской властью, но вскоре понял, что законы пролетариата созданы не для него, и не без сложностей эмигрировал в Германию.

275х190 см
1911 год
стоимость
$40 млн
продана в 2007 году
на аукционе Sotheby’s

Кандинский одним из первых полностью отказался от предметной живописи, за что и получил звание гения. Во время нацизма в Германии его картины были отнесены к «дегенеративному искусству» и нигде не выставлялись. В 1939 году Кандинский принял французское гражданство, в Париже он свободно участвовал в художественном процессе. Его картины «звучат», словно фуги, поэтому многие получили название «композиций» (первая написана в 1910 году, последняя – в 1939-м). «Композиция № 5» – одна из ключевых работ в этом жанре: «Слово “композиция” звучало для меня как молитва», – говорил художник. В отличие от многих последователей, он планировал то, что изобразит на огромном холсте, будто писал ноты.

21

«Этюд женщины в голубом»

Автор

Фернан Леже

Страна Франция
Годы жизни 1881–1955
Стиль кубизм-постимпрессионизм

Леже получил архитектурное образование, а затем был слушателем Школы изящных искусств в Париже. Художник считал себя последователем Сезанна, был апологетом кубизма, а в XX веке имел успех еще и как скульптор.

96,5х129,5 см
1912–1913 год
стоимость
$39,2 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

Дэвид Норманн, президент интернационального отдела импрессионизма и модернизма Sotheby`s, считает огромную сумму, заплаченную за «Даму в голубом», вполне оправданной. Картина относится к знаменитой коллекции Леже (художник написал три картины на один сюжет, в частных руках сегодня – последняя из них. – Прим. ред.), и поверхность полотна сохранилась в первозданном виде. Автор сам отдал эту работу в галерею Der Sturm, потом она попала в коллекцию Херманна Ланга, немецкого собирателя модернизма, а теперь принадлежит неизвестному покупателю.

22

«Уличная сценка. Берлин»

Автор

Эрнст Людвиг Кирхнер

Страна Германия
Годы жизни 1880–1938
Стиль экспрессионизм

Для немецкого экспрессионизма Кирхнер стал знаковой персоной. Однако местные власти обвинили его в приверженности к «дегенеративному искусству», что трагически сказалось на судьбе его картин и на жизни художника, покончившего с собой в 1938 году.

95х121 см
1913 год
стоимость
$38,096 млн
продана в 2006 году
на аукционе Christie’s

После переезда в Берлин Кирхнер создал 11 зарисовок уличных сцен. Его вдохновляли суматоха и нервозность большого города. В картине, проданной в 2006 году в Нью-Йорке, особенно остро чувствуется тревожное состояние художника: люди на берлинской улице напоминают птиц – изящных и опасных. Она стала последней работой из знаменитой серии, проданной на аукционе, остальные хранятся в музеях. В 1937 году нацисты жестоко обошлись с Кирхнером: 639 его работ были изъяты из немецких галерей, уничтожены или проданы за границу. Художник не смог этого пережить.

23

«Отдыхающая танцовщица»

Автор

Эдгар Дега

Страна Франция
Годы жизни 1834–1917
Стиль импрессионизм

История Дега как художника началась с того, что он работал копировальщиком в Лувре. Он мечтал стать «знаменитым и неизвестным», и в итоге ему удалось это. В конце жизни оглохший и ослепший 80-летний Дега продолжал посещать выставки и аукционы.

64х59 см
1879 год
стоимость
$37,043 млн
продана в 2008 году
на аукционе Sotheby’s

«Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить ткани и ухватить движение», – говорил Дега. Сюжеты из жизни танцовщиц как будто подсмотрены: девушки не позируют художнику, а просто становятся частью атмосферы, пойманной взглядом Дега. «Отдыхающая танцовщица» была продана за 28 млн долларов в 1999 году, а меньше чем через 10 лет ее купили уже за 37 млн – сегодня это самая дорогая работа художника, когда-либо выставленная на торги. Большое внимание Дега уделял рамам, сам проектировал их и запрещал менять. Интересно, какая рама установлена на проданной картине?

24

«Живопись»

Автор

Хуан Миро

Страна Испания
Годы жизни 1893–1983
Стильабстрактное искусство

Во время гражданской войны в Испании художник был на стороне республиканцев. В 1937 году он бежал от фашистской власти в Париж, где жил в нищете вместе с семьей. В этот период Миро пишет картину «Помогите Испании!», обращая внимание всего мира на засилье фашизма.

89х115 см
1927 год
стоимость
$36,824 млн
продана в 2012 году
на аукционе Sotheby’s

Второе название картины – «Голубая звезда». Художник написал ее в том же году, когда объявил: «Я хочу убить живопись» и нещадно издевался над холстами, царапая краску гвоздями, приклеивая к полотну перья, покрывая работы мусором. Его целью было развенчать мифы о таинстве живописи, но, справившись с этим, Миро создал собственный миф – сюрреалистическую абстракцию. Его «Живопись» относится к циклу «картин-сновидений». На аукционе за нее бились четверо покупателей, однако один телефонный звонок инкогнито решил спор, и «Живопись» стала самой дорогой картиной художника.

25

«Голубая роза»

Автор

Ив Кляйн

Страна Франция
Годы жизни 1928–1962
Стиль монохромная живопись

Художник родился в семье живописцев, но обучался восточным языкам, мореходству, ремеслу золотильщика рам, дзен-буддизму и многому другому. Его личность и нахальные выходки были в разы интереснее монохромных картин.

153х199х16 см
1960 год
стоимость
$36,779 млн
продана в 2012 году
на аукционе Christie’s

Первая выставка однотонных желтых, оранжевых, розовых работ не вызвала интереса у публики. Кляйн обиделся и в следующий раз представил 11 одинаковых холстов, окрашенных ультрамарином вперемешку с особой синтетической смолой. Он даже запатентовал этот метод. В историю цвет вошел как «международный синий цвет Кляйна». Еще художник продавал пустоту, создавал картины, подставляя бумагу под дождь, поджигая картон, делая на холсте отпечатки тела человека. Словом, экспериментировал как мог. Для создания «Голубой розы» использовал сухие пигменты, смолы, гальку и натуральную губку.

26

«В поисках Моисея»

Автор

Сэр Лоуренс Альма-Тадема

Страна Великобритания
Годы жизни 1836–1912
Стиль неоклассицизм

Приставку «альма» к своей фамилии сэр Лоуренс добавил сам, чтобы в художественных каталогах значиться первым. В викторианской Англии его картины были настолько востребованы, что художнику присвоили рыцарское звание.

213,4х136,7 см
1902 год
стоимость
$35,922 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

Главной темой творчества Альма-Тадемы была античность. На картинах он старался в мельчайших деталях изобразить эпоху Римской империи, для этого даже занимался археологическими раскопками на Апеннинском полуострове, а в своем лондонском доме воспроизвел исторический интерьер тех лет. Мифологические сюжеты стали для него еще одним источником вдохновения. Художник был крайне востребован при жизни, однако после смерти его быстро забыли. Сейчас интерес возрождается, о чем говорит и стоимость картины «В поисках Моисея», в семь раз превысившая предпродажную оценку.

27

«Портрет спящей обнаженной чиновницы»

Автор

Люсьен Фрейд

Страна Германия,
Великобритания
Годы жизни 1922–2011
Стиль фигуративная живопись

Художник – внук Зигмунда Фрейда, отца психоанализа. После установления фашизма в Германии его семья эмигрировала в Великобританию. Произведения Фрейда находятся в лондонском музее «Собрание Уоллеса», где ранее не выставлялся ни один современный художник.

219,1х151,4 см
1995 год
стоимость
$33,6 млн
продана в 2008 году
на аукционе Christie’s

Пока модные художники XX века создавали позитивные «цветовые пятна на стену» и продавали их за миллионы, Фрейд писал предельно натуралистичные картины и продавал их еще дороже. «Я запечатлеваю крики души и страдания увядающей плоти», – говорил он. Критики считают, что все это «наследство» Зигмунда Фрейда. Картины так активно выставлялись и успешно продавались, что у специалистов зародилось сомнение: а не обладают ли они гипнотическими свойствами? Проданный на аукционе «Портрет спящей обнаженной чиновницы», по информации издания Sun, приобрел ценитель прекрасного и миллиардер Роман Абрамович.

28

«Скрипка и гитара»

Автор

Х уан Грис

Страна Испания
Годы жизни 1887–1927
Стиль кубизм

Родился в Мадриде, где и окончил школу искусств и ремесел. В 1906 году переехал в Париж и вошел в круг самых влиятельных художников эпохи: Пикассо, Модильяни, Брака, Матисса, Леже, также работал с Сергеем Дягилевым и его труппой.

5х100 см
1913 год
стоимость
$28,642 млн
продана в 2010 году
на аукционе Christie’s

Грис, по собственным словам, занимался «плоскостной, цветной архитектурой». Его картины точно продуманы: он не оставлял ни одного случайного мазка, что роднит творчество с геометрией. Художник создал свой вариант кубизма, хотя очень уважал Пабло Пикассо, отца-основателя направления. Преемник даже посвятил ему свою первую работу в стиле кубизм «Дань уважения Пикассо». Картина «Скрипка и гитара» признана выдающейся в творчестве художника. При жизни Грис был известен, обласкан критиками и искусствоведами. Его работы выставлены в крупнейших мировых музеях, хранятся в частных коллекциях.

29

«Портрет Поля Элюара»

Автор

Сальвадор Дали

Страна Испания
Годы жизни 1904–1989
Стиль сюрреализм

«Сюрреализм – это я», – сказал Дали, когда его исключили из группы сюрреалистов. Со временем он стал самым известным художником-сюрреалистом. Творчество Дали повсюду, а не только в галереях. Например, это он придумал упаковку для «Чупа-Чупса».

25х33 см
1929 год
стоимость
$20,6 млн
продана в 2011 году
на аукционе Sotheby’s

В 1929 году навестить великого провокатора и скандалиста Дали приехали поэт Поль Элюар со своей русской женой Галой. Встреча стала началом истории любви, продолжавшейся более полувека. Картина «Портрет Поля Элюара» написана как раз во время этого исторического визита. «Я чувствовал, что на меня возложена обязанность запечатлеть лик поэта, с Олимпа которого я похитил одну из муз», – говорил художник. До знакомства с Галой он был девственником и испытывал отвращение при мысли о сексе с женщиной. Любовный треугольник существовал до смерти Элюара, после чего стал дуэтом Дали–Гала.

30

«Юбилей»

Автор

Марк Шагал

Страна Россия, Франция
Годы жизни 1887–1985
Стиль авангард

Мойша Сегал родился в Витебске, но в 1910 году эмигрировал в Париж, сменил имя, сблизился с ведущими авангардистами эпохи. В 1930-х при захвате власти фашистами уехал в США при помощи американского консула. Вернулся во Францию только в 1948 году.

80x103 см
1923 год
стоимость
$14,85 млн
продана в 1990 году
на аукционе Sotheby’s

Картина «Юбилей» признана одной из лучших работ художника. В ней есть все черты его творчества: стерты физические законы мира, сохраняется ощущение сказки в декорациях мещанского быта, а в центре сюжета – любовь. Шагал не рисовал людей с натуры, а только по памяти или фантазируя. На картине «Юбилей» запечатлен сам художник с женой Бэлой. Картина продана в 1990 году и с тех пор не участвовала в торгах. Интересно, что в нью-йоркском Музее современного искусства MoMA хранится абсолютно такая же, только под названием «День рождения». Кстати, написана она раньше – в 1915 году.

проект подготовила
Татьяна Паласова
рейтинг составлен
по списку www.art-spb.ru
журнал tmn №13 (май-июнь 2013)

Содержание статьи

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ. Первые из дошедших до нас произведений американской живописи относятся к 16 в.; это зарисовки, сделанные участниками исследовательских экспедиций. Однако профессиональные художники появились в Америке только в начале 18 в.; единственным стабильным источником дохода для них был портрет; этот жанр продолжал занимать ведущее положение в американской живописи вплоть до начала 19 в.

Колониальный период.

Первая группа портретов, исполненных в технике масляной живописи, датируется второй половиной 17 в.; в это время жизнь переселенцев протекала относительно спокойно, быт стабилизировался и появились возможности для занятий искусством. Из этих работ наиболее известен портрет Миссис Фрик с дочерью Мэри (1671–1674, Массачусетс, Музей искусств в Уорстере), написанный неизвестным английским художником. К 1730-м годам в городах восточного побережья уже было несколько художников, работавших в более современной и реалистической манере: Генриетта Джонстон в Чарльстоне (1705), Юстус Энгльхардт Кюн в Аннаполисе (1708), Густав Хесселиус в Филадельфии (1712), Джон Уотсон в Перт-Эмбой в Нью Джерси (1714), Питер Пелэм (1726) и Джон Смайберт (1728) в Бостоне. Живопись двух последних оказала существенное влияние на творчество Джона Синглтона Копли (1738–1815), который считается первым крупным американским художником. По гравюрам из коллекции Пелэма молодой Копли получил представление об английском парадном портрете и живописи Годфри Неллера, ведущего английского мастера, работавшего в этом жанре в начале 18 в. В картине Мальчик с белкой (1765, Бостон, Музей изящных искусств) Копли создал замечательный реалистический портрет, нежный и удивительно точный в передаче фактуры предметов. Когда в 1765 Копли отправил эту работу в Лондон, Джошуа Рейнолдс посоветовал ему продолжить учебу в Англии. Однако Копли оставался в Америке до 1774 и продолжал писать портреты, тщательно прорабатывая в них все детали и нюансы. Затем он предпринял путешествие в Европу и в 1775 поселился в Лондоне; в его стиле появились манерность и черты идеализации, свойственные английской живописи этого времени. Среди лучших произведений, созданных Копли в Англии, – большие парадные портреты, напоминающие работы Бенджамина Уэста, в том числе картина Брук Уотсон и акула (1778, Бостон, Музей изящных искусств).

Война за независимость и начало 19 в.

В отличие от Копли и Уэста, которые навсегда остались в Лондоне, портретист Джилберт Стюарт (1755–1828) в 1792 вернулся в Америку, сделав карьеру в Лондоне и Дублине. Вскоре он стал ведущим мастером этого жанра в молодой республике; Стюарт написал портреты почти всех выдающихся политических и общественных деятелей Америки. Его работы исполнены в живой, свободной, эскизной манере, сильно отличающейся от стиля американских работ Копли.

Бенджамин Уэст охотно принимал в свою лондонскую мастерскую молодых американских художников; среди его учеников были Чарльз Уилсон Пил (1741–1827) и Сэмюэл Ф.Б.Морзе (1791–1872). Пил стал основателем династии живописцев и семейного художественного предприятия в Филадельфии. Он писал портреты, занимался научными исследованиями и открыл Музей естественной истории и живописи в Филадельфии (1786). Из его семнадцати детей многие стали художниками и естествоиспытателями. Морзе, более известный как изобретатель телеграфа, написал несколько прекрасных портретов и одну из наиболее грандиозных картин во всей американской живописи – Галерея Лувра . На этой работе с потрясающей точностью воспроизведены в миниатюре около 37 холстов. Это произведение, как и вся деятельность Морзе, имело целью познакомить молодую нацию с великой европейской культурой.

Вашингтон Олстон (1779–1843) был одним из первых американских художников, отдавших дань романтизму; во время своих длительных путешествий по Европе он писал морские штормы, поэтические итальянские сценки и сентиментальные портреты.

В начале 19 в. открылись первые американские академии художеств, дававшие студентам профессиональную подготовку и принимавшие самое непосредственное участие в организации выставок: Пенсильванская академия художеств в Филадельфии (1805) и Национальная академия рисунка в Нью-Йорке (1825), первым президентом которой был С.Р.Морзе. В 1820–1830-е годы Джон Трамбалл (1756–1843) и Джон Вандерлин (1775–1852) написали огромные композиции на сюжеты из американской истории, украсившие стены ротонды Капитолия в Вашингтоне.

В 1830-e годы пейзаж стал господствующим жанром американской живописи. Томас Коул (1801–1848) писал девственную природу севера (шт. Нью-Йорк). Он утверждал, что обветренные горы и яркий осенний лес – более подходящие сюжеты для американских художников, чем живописные европейские руины. Коул написал также несколько пейзажей, проникнутых этико-религиозным смыслом; среди них четыре больших картины Жизненный путь (1842, Вашингтон, Национальная галерея) – аллегорические композиции, на которых изображена спускающаяся по реке лодка, в которой сидит мальчик, затем юноша, затем мужчина и наконец старик. Многие пейзажисты последовали примеру Коула и изображали в своих работах виды американской природы; их часто объединяют в одну группу под названием «школа реки Гудзон» (что не соответствует действительности, так как они работали по всей стране и писали в разной стилистике).

Из американских жанристов наиболее известны Уильям Сидни Маунт (1807–1868), писавший сцены из жизни фермеров Лонг-Айленда, и Джордж Калеб Бинхэм (1811–1879), картины которого посвящены жизни рыбаков с берегов Миссури и выборам в маленьких провинциальных городках.

Перед Гражданской войной самым популярным художником был Фредерик Эдвин Чёрч (1826–1900), ученик Коула. Он писал работы в основном крупного формата и использовал подчас слишком натуралистические мотивы, чтобы привлечь и ошеломить публику. Чёрч путешествовал по самым экзотическим и опасным местам, собирая материал для изображения южноамериканских вулканов и айсбергов северных морей; одно из его самых известных произведений – картина Ниагарский водопад (1857, Вашингтон, галерея Коркоран).

В 1860-е годы огромные полотна Альберта Бирштадта (1830–1902) вызывали всеобщее восхищение красотой изображенных на них Скалистых гор, с их чистыми озерами, лесами и башнеподобными пиками.

Послевоенный период и рубеж веков.

После Гражданской войны стало модным учиться живописи в Европе. В Дюссельдорфе, Мюнхене и особенно в Париже можно было получить гораздо более фундаментальное образование, чем в Америке. Джеймс Макнил Уистлер (1834–1903), Мэри Кассат (1845–1926) и Джон Сингер Сарджент (1856–1925) учились в Париже, жили и работали во Франции и Англии. Уистлер был близок французским импрессионистам; в своих картинах он уделял особое внимание сочетаниям цветов и выразительной, лаконичной композиции. Мэри Кассат по приглашению Эдгара Дега принимала участие в выставках импрессионистов с 1879 по 1886. Сарджент писал портреты наиболее выдающихся людей Старого и Нового Света в смелой, порывистой, очерковой манере.

Противоположную импрессионизму сторону стилистического спектра в искусстве конца 19 в. занимали художники-реалисты, писавшие иллюзионистические натюрморты: Уильям Майкл Харнетт (1848–1892), Джон Фридерик Пето (1854–1907) и Джон Хэберл (1856–1933).

Два крупных художника конца 19 – начала 20 в., Уинслоу Хомер (1836–1910) и Томас Икинс (1844–1916), не принадлежали ни к одному из модных в то время художественных направлений. Хомер начал свою творческую деятельность в 1860-е годы с иллюстрирования нью-йоркских журналов; уже в 1890-е годы он имел репутацию знаменитого художника. Его ранние картины – насыщенные ярким солнечным светом сцены деревенской жизни. Позднее Хомер стал обращаться к более сложным и драматическим образам и темам: на картине Гольфстрим (1899, Метрополитен) изображено отчаяние чернокожего моряка, лежащего на палубе шлюпки в бурном, кишащем акулами море. Томас Икинс при жизни подвергался жестокой критике за излишний объективизм и прямоту. Сейчас его произведения высоко ценятся за строгий и четкий рисунок; его кисти принадлежат изображения спортсменов и искренние, проникнутые сочувствием портретные образы.

Двадцатый век.

В начале века выше всего ценились подражания французскому импрессионизму. Общественному вкусу бросила вызов группа из восьми художников: Роберт Хенри (1865–1929), В.Дж.Глэкенс (1870–1938), Джон Слоун (1871–1951), Дж.Б.Лакс (1867–1933), Эверетт Шинн (1876–1953), А.Б.Дэвис (1862–1928), Морис Прендергаст (1859–1924) и Эрнест Лоусон (1873–1939). Критики окрестили их школой «мусорного ведра» за пристрастие к изображению трущоб и других прозаических предметов.

В 1913 на т.н. «Армори-шоу» были выставлены произведения мастеров, принадлежавших к различным направлениям постимпрессионизма. Американские художники разделились: некоторые из них обратились к исследованию возможностей цветовой и формальной абстракции, другие остались в лоне реалистической традиции. Во вторую группу входили Чарлз Берчфилд (1893–1967), Реджинальд Марш (1898–1954), Эдвард Хоппер (1882–1967), Фэрфилд Портер (1907–1975), Эндрю Уайет (р. 1917) и другие. Картины Айвэна Олбрайта (1897–1983), Джорджа Тукера (р. 1920) и Питера Блума (1906–1992) написаны в стиле «магического реализма» (сходство с натурой в их работах преувеличено, а реальность скорее напоминает сон или галлюцинацию). Другие художники, такие, как Чарлз Шилер (1883–1965), Чарлз Демут (1883–1935), Лайонел Фейнингер (1871–1956) и Джорджия О"Кифф (1887–1986), совмещали в своих произведениях элементы реализма, кубизма, экспрессионизма и других течений европейского искусства. Морские виды Джона Мэрина (1870–1953) и Марсдена Хартли (1877–1943) близки к экспрессионизму. Изображения птиц и животных на картинах Мориса Грэйвса (р. 1910) еще сохраняют связь с видимым миром, хотя формы в его работах сильно искажены и доведены до почти крайних символических обозначений.

После Второй мировой войны ведущим направлением в американском искусстве стала беспредметная живопись. Главное внимание уделялось теперь живописной поверхности самой по себе; она рассматривалась как арена взаимодействия линий, масс и цветовых пятен. Наиболее значительное место занял в эти годы абстрактный экспрессионизм. Он стал первым течением в живописи, возникшим в США и имевшим международное значение. Лидерами этого движения были Аршил Горки (1904–1948), Виллем де Коонинг (Кунинг) (1904–1997), Джексон Поллок (1912–1956), Марк Ротко (1903–1970) и Франц Клайн (1910–1962). Одним из интереснейших открытий абстрактного экспрессионизма явился художественный метод Джексона Поллока, который капал красками на холст или бросал их для получения сложного лабиринта динамичных линеарных форм. Другие художники этого направления –