Густав Климт (нем. Gustav Klimt; 14 июля 1862, Баумгартен, Австрийская империя - 6 февраля 1918, Вена, Австро-Венгрия) - широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.

Густав Климт родился в венском предместье Баумгартен в семье художника-гравёра и ювелира Эрнеста Климта, был вторым из семи детей - троих мальчиков и четырёх девочек. Отец Климта был выходцем из Богемии и гравёром по золоту, мать, Анна Климт, урождённая Финстер, пыталась, но не смогла стать музыкантом. Большую часть своего детства Климт провёл в бедности, так как экономическая ситуация в стране была тяжёлой, и его родители не имели постоянной работы. Все трое сыновей Эрнеста Климта стали художниками.

Первое время Густав учился рисовать у отца, а затем с 1876 года - в венском художественно-ремесленном училище при Австрийском музее искусства и промышленности (преподаватели Карл Граховина, Людвиг Миннигероде, Михаэль Ризер), в которое в 1877 году поступил и его брат Эрнст. Густав Климт обучался там до 1883 года и специализировался на архитектурной живописи. Образцом для него в этот период был художник исторического жанра Ганс Макарт. В отличие от многих других молодых художников, Климт согласился с принципами консервативного академического образования. С 1880 года Густав, его брат Эрнст и их друг художник Франц Мач работали вместе, украшая фресками театры в Райхенберге, Риеке и Карловых Варах (городах австро-венгерской провинции). В 1885 году они работали над оформлением венского здания «Бургтеатра» и Художественно-исторического музея. В 1888 году Климт получил награду от императора Франца Иосифа - «Золотой крест» за заслуги в искусстве. Он стал также почётным членом Мюнхенского и Венского университетов.

В 1892 году отец и брат Эрнст умерли, и на Густава легла финансовая ответственность за семью. Кроме того, эти события наложили отпечаток на его художественные взгляды, и в скором времени он начал развивать глубоко индивидуальный стиль. В начале 1890-х годов художник встретил Эмилию Флёге, которая, несмотря на его отношения с другими женщинами, оставалась его спутницей до конца дней.

Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Ver Sacrum» (Весна Священная), издаваемого группой. Он оставался в группе до 1908 года. Изначально целями Сецессиона были устройство выставок для молодых художников, пишущих в необычном стиле, привлечение лучших работ зарубежных художников в Вену, и популяризация работ членов группы путём издания журнала. У группы не было манифеста, и она не пыталась выработать единый стиль: в ней сосуществовали натуралисты, реалисты и символисты . Правительство поддержало их усилия и сдало им в аренду участок городской земли для постройки выставочного зала. Символом группы была Афина Паллада, символ правосудия, мудрости и искусства.

С начала 1890-х годов Климт ежегодно отдыхал вместе с семьёй Флёге на озере Аттерзе и написал там множество пейзажей. Пейзажный жанр был единственной нефигуративной живописью, интересовавшей Климта. По стилю пейзажи Климта похожи на его изображения фигур, они содержат те же элементы дизайна. Пейзажи Аттерзее настолько удачно вложены в плоскость полотна, что иногда предполагают, что Климт рассматривал их в телескоп.

В 1894 году Климт получил заказ на создание трёх картин для украшения потолка большого актового зала главного здания Венского университета на Рингштрассе. Аллегорические картины «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», известные как «факультетские», были закончены к 1900 году. Их резко критиковали за тематику, которую называли «порнографической». Климт преобразил традиционные аллегории и символы в новый язык, с большим ударением на эротику, и потому более раздражающий консервативных зрителей. Недовольство высказывали все круги - политические, эстетические и религиозные. В результате картины не были выставлены в главном здании университета. Это был последний публичный заказ, который художник согласился выполнить. После этого картины приобрёл меценат Август Ледерер. В 1930-е годы нацистские власти национализировали ледереровскую коллекцию работ Климта. В конце войны эти работы перевезли во дворец Иммерхоф, но в 1945 году в эту местность вошли союзнические силы, и отступающие войска СС подожгли замок. Картины погибли. Все, что сегодня имеется, - это разрозненные предварительные наброски, черно-белые снимки трёх картин плохого качества и одна цветная фотография Гигеи из «Медицины». Её сверкающие золотые и красные краски дают представление о том, сколь мощно выглядели эти три утраченные произведения искусства.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

От Masterweb

08.06.2018 16:00

Густав Климт (1862 – 1918) считался одним из самых противоречивых, но также популярнейших и одаренных художников рубежа XIX – XX веков. В его творчестве главной темой почти всегда были женские фигуры, которые нередко символизировали человеческие чувства и состояния, такие как надежда, любовь, смерть и другие. Картины Густава Климта продолжают завораживать и наших современников неоднозначным содержанием и эротической харизмой созданных им женских образов. Сегодня работы этого основоположника австрийского модернизма относятся к категории самой дорогой живописи в мире. Отражая основные этапы жизни художника, статья ознакомит с особенностями, историей картин Густава Климта и покажет, как его классическая манера постепенно преобразовывалась в совершенно индивидуальный стиль, ставший одним из главных источников последующих современных направлений.

Семья, образование раннее творчество

Он родился в Баумгартене, венском пригороде, в семье гравера Эрнста Климта. Его мать, несостоявшаяся пианистка, родила семерых детей, из которых Густав был вторым. Два его младших брата Эрнст и Георг также стали художниками. Многодетная семья всегда нуждалась в деньгах. И когда в 1876 году Густав поступил в Kunstgewerbeschule, венскую школу прикладных искусств и ремесел, то предполагалось, что он изучит лишь профессию отца. Но юноша получил стипендию, что позволило ему выбрать специальность "архитектурная живопись" и продолжить обучение до 1883 года. Его брат Эрнст поступил в ту же школу на год позже Густава, но изучал лишь специальность гравера.

Климт получил качественное консервативное образование, и его ранние работы соответствуют идеалам академизма. Среди картин 1879 – 1880 года сохранились его творческие исследования в стиле историзма. По технике и сюжетным мотивам эти работы демонстрируют тонкую детализацию и сходство с работами его соученика и коллеги Франца Матча.

1880 – 1990 гг., начало деятельности

К 1880 году Франц Матч, Густав и его брат Эрнст зарегистрировали сообщество художников Künstler-Compagnie с рабочей студией на Йозефштедтер-штрассе в Леманне. Компания начала получать заказы на оформление общественных зданий. Среди прочего группа разрабатывала занавесы и потолочные картины для театров в Райхенберге, Гермесвилле, Карлсбаде и Фиуме в 1885 году. В новом здании венского «Бургтеатра» в 1886-1888 гг. друзья создали потолочные фрески и междуколонные картины, мозаичное панно. В 1891 – 1892 годах оформляли фресками Художественно-исторический музей Вены, и также замок Пелеш в Румынии. После того как младший брат художника Георг Климт в 1888 году достиг совершеннолетия, Густав на год отправляется в творческое путешествие в Краков, Триест, Венецию и Мюнхен.

В 1888 году Климт императором Австрии награжден «Золотым орденом за заслуги». Так были отмечены фрески, написанные художником для венского «Бургтеатра». После этого Климт стал почетным членом Мюнхенского и Венского университетов.

Авторский стиль 1880 – 1990 годов

Монументальные работы Климта 1886 – 1891 годов для «Бургтеатра» и венского Художественно-исторического музея отражают присущее художнику на этом этапе античное направление и академический стиль. В работах прослеживается аналогия с творчеством британского художника Лоуренса Алма-Тадема. «Аллегории и эмблемы» - одна из успешных фресковых серий Густава Климта, разработанная в тот период. Все фрески, как и живопись того периода, тщательно детализирована и прорисована.

Из картин Густава Климта масляный холст «Сапфо» (1888-1890 гг.; 39 см × 31,6 см) можно привести как типичный пример сюжетов и техники раннего творческого этапа художника. Изображение древнегреческой поэтессы на фоне природы и античной архитектуры отражает влияние прерафаэлитов и мечтательную литературную символику Моро. Подобная композиция у Климта, построенная по консервативно-классическим канонам, присутствует в его монументальной живописи для «Бургтеатра».

Работы 1880 – 1990 годов

В этот период Климт больше занимался по своей непосредственной специальности, архитектурной живописи. Однако если компания Künstler-Compagnie была зарегистрирована по улице Йозефштадте 8, то Климт на той же улице снимал напротив театра садовый павильон для собственной студии, где написал немало работ. Из наиболее известных произведений произведений этого периода следует назвать:

1. Потолочные картины для Венского университета.
2. Мозаику Palais Stoclet в Брюсселе.
3. Fable (1883).
4. «Идиллии» (1884).
5. Фрески в «Бургтеатре» Вены (1886 – 1888).
6. «Аллегорию скульптуры» (1889).
7. Портрет Джозефа Пембауэра, пианиста и учителя (1890).
8. «Древняя Греция II» («Девочка из Танагры») (1890 – 1891).

1891 – 1900 годы, Венский Сецессион

В 1891 году Климт стал членом кооператива венских художников при Künstlerhaus, выставочном здании в центре Вены. В 1892 году в июле умер его отец, а через полгода в декабре погиб и брат Эрнст, после чего Густав принял на себя содержание матери и финансовую помощь семье брата.

24 мая 1897 года Климт ушел из Кюнстлерхауса и стал одним из основателей группы Венского Сецессиона, председателем которого был с 1897 по 1899 годы. Группа состояла из венской молодежи, представляющей разные направления искусства. Объединение не декларировало свой манифест. Его целью, в противоположность консерватизму Кюнстлерхауса, было создание выставок для молодых прогрессивных художников новых стилей.

Правительство поддержало усилия группы и предоставило аренду на общественных землях для возведения выставочного зала «Сецессиона». Его в 1897 – 1898 годах строил один из членов группы архитектор Йозеф Ольбрич. В 1898 году Сецессион организовал свою первую выставку. Климт проектировал для здания металлические двери, а для периодического издания группы «Святая Весна» (Ver Sacrum) с 1898 по 1903 годы поставлял множество иллюстраций и шаблонов. Группа стала основой, на базе которой развился вариант немецкого модерна югендштиля, названного в Австрии венским Сецессионом. Символом группы была Афина Паллада - греческая богиня справедливости, мудрости, искусства. Радикальную версию ее образа можно увидеть в картинах Густава Климта, написанных в 1898 году. Художник оставался членом Сецессиона до 1908 года.

Творчество 1891 – 1900 годов

С этого периода появляется серия женских портретов: «Молодая женщина в кресле», «Женский портрет», «Девушка у камина», «Девушка в кресле», «Портрет Сони Книпс» и другие. Одни из них прорисованы с фотографической тщательностью, другие больше напоминают манеру импрессионистов. В это же время у художника вырабатывается свой характерный стиль.

Золотой фон присутствовать в нескольких картинах художника. Густав Климт начинает впервые использовать его с середины 1890-х годов. Мастер был увлечен японским изобразительным искусством, и его работы напоминают творчество Огата Корина, живописца XVII века. С того времени применение тонкого покрытия драгоценным металлом становится характерным для произведений Климта, особенно в его «Золотой период».

Начало работы «Венского сецессиона» представляет время модерна и, вероятно, является поворотной фазой в творчестве Климта. На его работы тех лет явно повлияли такие признанные художники, как Франц фон Штук и Ян Тороп. Например, изображение в картинах Густава Климта женских волос напоминает живопись Торопа. «Джудит I», написанная Климтом в 1901 году, кажется, вдохновлена «Грехом» Франца фон Штука. Положение двух тел в «Водных змеях» Климта соответствует примерно тому, что было у Эдварда Берн-Джонса в 1887 году на картине «Глубины моря».

В конце XIX века появляется, ставший в итоге характерным для творчества Климта, образ женщины, символизирующей «обнаженную истину» (Nuda Veritas). Первое изображение Nuda Veritas Климта было иллюстрацией к мартовскому номеру журнала Ver sacrum. И прототипом для нее, вероятно, послужила собственная «Изида» художника из «Египетских изображений» (Zwickelbild Egypt) 1891 года.

Работы 1891 – 1900 годов

Климт всегда чрезвычайно много работал, постоянно пропадая в мастерской, и его творчество считается одним из самых продуктивных. Вот некоторые наиболее известные картины по номерам Густава Климта написанные в течение десятилетия:

1. 1895 - 1896 год: «Портрет леди» , «Музыка I», «Любовь», «Скульптура».
2. 1897 – 1898 год: «Трагедия», «Музыка II», «Афина Паллада», «Текущая вода», «Портрет Сони Книпс», «Кровь рыб».
3. 1899 год: «Шуберт у фортепиано»; «После дождя», «Нимфы. Серебряные рыбы», «Русалки», «Nuda Veritas», «Портрет Серены Ледерер».
4. 1899 – 1907 год: «Философия».

Скандальный заказ 1990 года

В 1894 году австрийское министерство образования Климту поручило исполнить три крупномасштабных полотна для украшения потолка в зале факультета живописи Венского университета. До 1990 года не все картины были готовы. Первую же работу - «Философия» - университетские профессора подвергли беспощадной критике. При этом «Философия», выставленная Климтом на парижской выставке 1990 года, удостоилась золотой медали. Художник изобразил обнаженную женскую натуру в аллегорической форме, однако все его работы подобного плана обладают невероятной силой эротизма. После скандала австрийская общественность еще в меньшей степени была готова к компромиссному восприятию написанных в 1991 году картин Густава Климта с названиями «Медицина» и «Юриспруденция». Признанные порнографическими изображениями, эти работы были жестоко отвергнуты университетскими, политическими, религиозными и культурными кругами.

Все три полотна художник выставлял в «Сецессионе», и относительно их содержания у Климта с Францем Матчем произошли серьезные разногласия. «Теология» Матча была принята преподавательской комиссией и все еще находится в Венском университете. Журналист Карл Краус в журнале The Torch, защищая университетский отказ от «Философии» Климта, пренебрежительно отметил, что Париж, который импортирует искусство в стиле «goût Juif» (еврейский вкус), безусловно, одобрил бы полотна для храма науки, такого как университет. После скандала Климт больше не принимал государственные заказы, посвятив себя портретной и пейзажной живописи.

«Медицина»

Все полотна приобрел за 30 000 крон австрийский промышленник Август Ледерер, коллекционер и меценат. Однако работы сгорели в 1945 году во время отступления немецких войск в Нижней Австрии. От проекта осталось несколько отдельных набросков и плохого качества черно-белые снимки. Фото картины Густава Климта «Медицина» отражает лишь часть монументальной работы. На нем изображена Гигея, которая находилась в нижней центральной части полотна. Изображение сохранилось благодаря тому, что входило в подборку работ 300 экземпляров художественных альбомов, изданных в 1914 году под личным контролем Климта. Для издания были сфотографированы лучшие произведения художника за период 1893 – 1913 годов. В тридцати первых экземплярах самые важные литографии вышли цветными. Среди этих изображений сохранился и фрагмент «Медицины», который дает представление о красочной яркости всего произведения.

Золотой период

Творческая фаза, принесшая художнику славу, достаток и наибольшее количество частных заказов, продлилась до начала 1910 годов. Используя сусальное золото для фона еще с середины 1890 годов, Климт увлекся удивительными возможностями этого материала. Никакие репродукции картин Густава Климта не передадут все великолепие золотых волос его «Водяных змей», сверкающих украшений и прозрачных складок одежд I и II «Юдифи», драгоценного дождя «Данаи».

Тончайший золотой лист, в отличие от грунта, лака и краски, устойчив к истиранию. Такая подложка создает особый эффект, просвечивая сквозь легкий слой краски. Покрыв золотой фон прозрачным или слегка подцвеченным лаком, можно различными способами получить впечатление многообразных фактур. Краску, нанесенную по золоту, можно процарапать, стереть, уже высохшей или сырой, частично убрать растворителем, получив при этом интереснейшие эффекты. Нанося драгоценный металл на красочный слой, можно достичь совершенно иных визуальных результатов. Художник надолго увлекся декоративными свойствами золота (иногда листового серебра) и создал множество захватывающих произведений. Невозможно перечислить созданные за этот период все работы по номерам Густава Климта. Картина «Поцелуй», «Адель Блох-Бауэр», «Золотые рыбки», оба полотна «Юдифь», «Даная», «Водяные змеи» считаются самыми впечатляющими.

«Поцелуй»

Эта картина 1907 – 1908 годов является не только самой знаменитой, но также знаковой для творчества Климта в такой же степени, что и «Джоконда» для да Винчи. Вся композиция, цветовое и техническое решение создают впечатление, что это полотно - икона пламенной и нежной любви.

Картину «Поцелуй» Густав Климт изобразил на идеальном квадрате холста размером 180 на 180 см. Сплетенные в объятиях мужчина и женина нарисованы у края обрыва, покрытого пестрыми цветами. Их тела почти полностью покрыты одеждами и заключены в подобие золотого ореола, что еще больше напоминает об иконах. Лицо мужской фигуры скрыто, но возникает соблазн увидеть «Поцелуй» как автобиографическое произведение, в котором художник изобразил себя. Кто мог оказаться в таком случае прототипом женской фигуры? Эту загадку решают искусствоведы много лет. Оставив недосказанность и некую двусмысленность в изображенных личностях, художник тем самым повышает привлекательность произведения. В картине «Поцелуй» Густав Климт воплощает не просто субъективное или ситуационное значение, а универсальное, вневременное видение романтической любви.

Произведение было представлено художником на венской выставке Кунстшау в 1908 году. Его сразу приобрело Министерство культуры и образования Австрии. Хранится полотно в галерее Бельведер на родине художника.

Выставки

«Золотой период» Климта отмечен наибольшим количеством выставок художника по всей Европе, что свидетельствует о его значимости на арт-сцене того времени.

1. В 1905 году Климт выставил пятнадцать работ в недавно открывшемся берлинском Сецессионе на ежегодной выставке Deutscher Künstlerbund и получил премию Villa Romana.
2. В 1906 году художник отправился в Бельгию и Англию, а к концу года был назначен почетным членом Королевской баварской академии изящных искусств в Мюнхене.
3. В 1908 году он выставлялся во Флоренции, затем в Праге и Дрездене.
4. В 1909 году отправился в Мюнхен, Париж, Мадрид и Толедо.
5. В 1910 году на IX Венецианском биеннале его работы были приняты с небывалым энтузиазмом.
6. 1911 год - выставка в Риме (первая премия за картину «Смерть и жизнь»)
7. 1912 год - снова Дрезден.
8. 1913 год - Будапешт, Мюнхен и Мангейм
9. В 1914 году Климт выставляется с австрийской ассоциацией художников в Риме и посещает Брюссель.
10. В 1916 году совместно с Шиле и Кокошкой участвует в Федеральной выставке Берлина.
11. В 1912 году Климт стал президентом Федерации австрийских художников.

Последний творческий этап

С 1900 по 1916 год Климт пребывал в основном на вилле летнего курорта на озере Аттерзее в Верхней Австрии. Здесь написано большинство его многочисленных пейзажей. Часть из них, чтобы охватить больший ракурс, написана с очень дальнего расстояния. И Климт в этих случаях пользовался своим телескопом, разглядывая нюансы цвета и теней среди выбранных деталей ландшафта. Его пейзажи очень объемные, великолепно создают впечатление пространства и воздушной среды. В начале 1910 годов совсем исчезает золото и орнаментальные мотивы в его работах. Цвет становится главным инструментом художника для передачи идей и чувств.

Картины сегодня

Климт всегда, на каждом творческом этапе, был востребованным художником и никогда не знал недостатка в состоятельных заказчиках. Многие его работы были куплены для музеев, но большинство приобреталось для частных коллекций.

В 2006 году пять картин, принадлежащих наследникам Бернхарда Альтмана, были выставлены в Нью-Йорке на аукционе Christie"s и проданы по ошеломляющей стоимости:

1. Первый портрет Адели Блох-Бауэр, известный как «Золотая Адель», или картина «Женщина в золотом», Густавом Климтом написана в 1907 году. Полотно приобретено за 135 миллионов долларов Рональдом Лаудером для нью-йоркской Новой галереи. В то время это была наиболее высокая цена за картину, сейчас в списке самой дорогой живописи произведение занимает восьмой пункт.
2. Второй портрет Adele Bloch-Bauer, написанный в 1912, куплен участником торгов за 87,936 млн долларов. На тот момент это была пятая по размеру стоимость за картину в мире.
3. Bauerngarten (Blumengarten) 1903 года, ушла с аукциона за 33 056 млн. долларов.
4. Apfelbaum I (1912) продана за 40,336 млн долларов.
5. Пейзаж «Дома в Унтерах-ам-Аттерзее», написанный около 1916 года, куплен за 31,376 млн долларов.

Климт является одним из важнейших художников периода Арт Нуво в Австрии, а также занимает лидирующие позиции в международном масштабе. Тем не менее его работы были частично проигнорированы немецкоязычной художественной критикой первой половины XX века или приняты как чистая декоративная живопись. Только позже его статическая символика и орнаментальная абстракция стали признанной тенденцией в развитии современной живописи. Кроме того, Климт продвигал молодых художников, таких как Эгон Шиле или Оскар Кокошка, таким образом внося еще один важный вклад в прогресс современного искусства.

Улица Киевян, 16 0016 Армения, Ереван +374 11 233 255

Имя Густава Климта (Gustav Klimt, 1862-1918) ассоциируют с «Поцелуем», «Золотой Аделью» и прочими картинами «Золотого периода», редко вспоминая о графике. Оно и понятно. В ослепительной роскоши полотен простой графитный карандаш на упаковочной бумаге теряет значимость.

А ведь Густав Климт блестящий график, хоть у его рисунков и есть отпугивающая обывателей пикантная деталь. Они на девяносто процентов состоят из порнографии, а самого художника называют вуайеристом и приписывают ему расстройства сексуального характера. Актуальная тема современности, не так ли?

Поводом для статьи послужила проходящая в выставка графики художника и его последователя Эгона Шиле. В позднем творчестве Климта неподготовленный зритель увидит лишь женщину, которая получает оргазм, мастурбирует, демонстрирует гениталии, занимается сексом и блаженно спит после достижения оргазма. У эротики и порнографии есть скрытый смысл, понять который можно лишь глубже узнав личность художника. Хоть сам он призывал обратить внимание на свои работы для этого, есть, все же, и моменты, нуждающиеся в пояснении.

Густав Климт собирался стать учителем рисования, но стал художником мирового масштаба. Из-за консервативных настроений венского общества потребовалось немало времени, прежде чем он смог прийти к собственному стилю и творить независимо от венского Дома художников. Как ни странно, в окончательном становлении ему помогли очередной государственный заказ и бунтарский дух. Знаменитое трио факультетских картин, как и сам Климт, подверглись жесткой критике со стороны профессуры и общества в целом. Новые честные интерпретации классических аллегорий наук сильно ударили по морали застрявшего в идеалистических устоях социума.

«Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» стали первыми полотнами, в которых отчетливо выражен индивидуальный стиль Климта. Именно это событие послужило развитием югендстиля в Вене. Когда столкновение интересов дошло до предела, художник принял решение отныне никогда не брать государственных заказов, сильно ограничивающих творчество. Еще и выкупил картины у государства. В противовес Дому художников появился Венский Сецессион, а идея свободы в итоге стала главным мотивом всего творческого пути Климта. Даже в одежде он демонстрировал свое отношение к устаревшим устоям, нося свободную блузу в пол на голое тело. К слову, художник оказался еще и талантливым модельером и помогал Эмилии Флеге с разработкой паттернов для платьев.

С отказом от государственных заказов художник не остался без средств к существованию. Влиятельные люди Вены, в основном евреи, всячески поддерживали Климта и заказывали ему портреты своих жен и дочерей, восхищаясь подходом художника к искусству. Эти портреты лишены открытого эротизма, но взгляд женщин на них значит в сто крат больше, чем нагое тело. Он томен, властен и притягателен. Художник хорошо понимал природу женской сексуальности и материнских инстинктов. Отсюда появились множественные изображения беременной женщины, ее трех возрастов и сексуальные сцены.

В мастерской художника всегда находились натурщицы. Многие из них были проститутками, что объясняет раскованность и позирование в зарисовках половых актов. Модели болтали и отдыхали, готовые отреагировать на жест художника и немедленно начать позировать. Климт фиксировал в блокнотах и на отдельных листах едва уловимые жесты, части тела, позы. Под его карандашом плавные линии образовывали жизнь, складывались в единую композицию, достойную независимости от общего плана картины. В поиске идеала появлялось до ста набросков к одному лишь фрагменту. Детали художник прорабатывал до мелочей, виртуозно вращая предмет этюда в трехмерном пространстве листа. Свои рисунки Климт не считал самостоятельными работами, поскольку для него они были лишь средством достижения цели. В десятках тысяч графических рисунков он мастерски фиксировал мгновения жизни своих бесчисленных натурщиц. Сохранилось из этого множества лишь чуть больше четырех тысяч эскизов. Некоторые из них находятся в галереях мира, другие - в частных коллекциях.

Творчеству австрийца характерны аллегории и символизм. На примере «Данаи» лучше всего можно разобрать замысел автора, заодно отметив претерпевший изменения первоначальный этюд. Подготовительный эскиз намного более откровенный, нежели сам холст. Раскрепощенная поза гречанки в итоге заменена скромной.

И тем не менее, сюжет остался, изменилась лишь форма: Зевс золотым дождем проникает в лоно Данаи, совершая зачатие Персея. Очевидно, что золотой дождь – это семя Зевса, черный прямоугольник – символ мужского начала, а окружности на ткани - не что иное, как начальная форма эмбриона. В дальнейшем эти символы еще не раз встретятся на картинах, намекая на биологические процессы. На одеждах влюбленных «Поцелуя», вокруг золотой Адели, на платье «Надежды II» и во многих других работах художника.

В набросках разных годов прекрасно прослеживаются изменения стиля. С уходом от академизма зарисовка приобрела иной характер. Отныне внимание фокусируется на передаче положения фигуры на холсте, ее жестах и поведении. Со временем художник отказался от ломаных линий, которым отдавал предпочтение до 1900 года. В его эскизах появилась простота, не умаляющая точность передачи послания. Методом изображения стал абрис, а предметом художественной страсти – тело человека. Вместе с этим, примерно в 1904 году, Климт сменил привычный дуэт упаковочной бумаги и черного мелка на более мягкую японскую бумагу и графитный карандаш, порой прибегая к синему и красному.

Например, рисунок «Лежащая обнаженная» (1913) полностью выполнен красным цветом, на этюде к «Юдифь II» (1908) присутствует синий, на эскизе к портрету Фридерики Марии Беер (1915-1916) губы чуть видно окрашены алым. В остальном Климт редко изменял классическому графиту. Но за всеми техническими моментами стоит главное изменение – фокус окончательно смещается на женщину и зарождающуюся в ней жизнь.

В начале ХХ века развитие медицинских и биологических наук в Вене набирало обороты. Исследования человеческого мозга привели к ряду открытий, в том числе к заложенным в нем первобытным инстинктам. Интерес к человеческому телу у Климта появился после знакомства с трудами Дарвина, а к бессознательному он пришел от Рокитанского, Мейнерта и Фрейда. Меценат и поклонник творчества Климта Эмиль Цуккеркандль неофициально учил художника биологии, посвятил его в эмбриологию и даже приглашал на вскрытия. Светские встречи в салоне его жены, Берты Цуккеркандль, поощряли диалог между учеными и художниками. К модернистам довольно быстро пришло осознание важной роли бессознательного в поведении человека. В особенности диалог с наукой повлиял на творчество Климта. Приглядевшись, можно найти в цветных узорах на полотнах и орнаментах сходство с клетками, а в графике с 1904 года все больше сексуального контекста. Через образ матери и ребенка, темы смерти, зачатия и трех возрастов женщины художник призывал общество задуматься о таинствах природы, но среди своих современников снискал лишь непонимание и осуждение.

Подводя итоги, все же скажу несколько слов о самой выставке. Коллекция рисунков в Пушкинском скромна не только по количеству экспонатов, но и по их содержанию. Даже в первую очередь по содержанию. Очевидно, общество в нашей стране все еще не готово пересмотреть творчество Климта и возвести его в ранг искусства, а не порнографии. Есть предположение, что на нашем веку самые интересные к изучению рисунки так и будут путешествовать по всему миру, минуя нашу страну. Конечно же, все работы достойны внимания, но, на мой взгляд, обсуждаемая в статье тема более интересна многим поклонникам творчества австрийского художника.

Галерея картин Густава Климта

(нем. Gustav Klimt, 14 июля 1862, Баумгартен — 6 февраля 1918, Вена) — австрийский художник. Густав Климт - один из самых ярких представителей стиля модерн.

Густав Климт писал символические композиции, портреты, пейзажи в стиле "модерн", подчиняя плоскостные изображения изощрённому орнаментальному ритму, дробному узору из мелких цветовых пятен. Климт - лидер Венского авангарда рубежа веков, активный участник сообщества художников-новаторов «Сецессион». Лучшие работы Густава Климта - его более поздние портреты, с их плоскими, незатененными поверхностями, прозрачными, мозаичными цветами и формами, и извилистыми, витиеватыми линиями и образцами. В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы; с одной стороны - это жажда абсолютной свободы в изображении предметов, что приводит к игре орнаментальных форм. Эти работы в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в его картинах.

Поцелуй

Музыка

Портрет пианиста Йозефа Пембауэра

Дама в шляпе и боа из перьев

Зрительный зал старого Бургтеатра в Вене

"Бетховенский фриз". Фрагмент

Любовь

Афина Паллада

Юдифь

Две девушки с олеандром

Музыка

Течение

Nuda Veritas

Три возраста женщины

Статья К. Богемской в книге "Художественный календарь 100 памятных дат", М., 1987 г.

Густав Климт — австрийский художник, один из тех, чье творчество определяло художественный климат Вены рубежа веков.

Он был сыном гравера Эрнста Климта, в юности посещал школу прикладного искусства. В молодости на него оказал влияние помпезный стиль исторической живописи Ханса Макарта. Но самого Климта отличала прежде всего склонность к декоративности. Уже в ранних его работах заимствованная у Макарта яркая красочность сочетается с орнаментальностью. Интересуется он и портретом. В 1888 году

он сделал акварель «Внутренний вид старого театра со сцены», где поместил 131 маленькое портретное изображение. Климт писал театральные декорации, делал иллюстрации для книг, вместе со своим братом и другими художниками создал цикл росписей Художественно-исторического музея в Вене.

Он уже достиг репутации известного художника, когда в начале 90-х годов его стиль изменился, приобрел ярко выраженную символистскую окраску. Распространение в Европе стиля модерн, или югендштиля, как его называли в Австрии, не просто коснулось Климта, но оказалось важнейшим фактором его развития как художника.

Вкус к символизму, выражавшийся в Англии в творчестве поздних прерафаэлитов, в графике О. Бердслея, во Франции в творчестве Г. Морю, пришелся по душе Климту, работы которого во многом перекликаются с произведениями названных художников.

В 1897 году в Вене учреждается художественное общество «Сецессион», первым председателем которого, бессменным на долгие годы, становится Густав Климт. Такого рода общества возникли тогда во многих европейских столицах, они способствовали обмену выставками между художниками разных стран, обновлению художественного языка. Они противостояли официальной политике в области искусства и личным вкусам меценатов и в целом способствовали демократизации художественной культуры.

Венский «Сецессион» устраивал по нескольку выставок в год, приглашая на них художников, представителей новых направлений искусства: в 1900 году здесь были показаны произведения шотландского архитектора Ч. Р. Макинтоша и школы Глазго, в 1902 году — скульптура Бетховена работы Макса Клингера , для окружения которой Климт сделал специальный фриз, в том же году — искусство французских лмпрессионистов и постимпрессионистов, зыставлялись здесь также работы О. Бердслея, Д. Уистлера.

Густав Климт создавал картины, которые по своей художественной концепции были близки предметам декоративно-прикладного искусства. Сами впечатления от реальности служили лишь поводом для картины, но не ее содержанием. Фигуры и предметы подвергались стилизации в духе модерна. Фон у Климта всегда был плоскостный, затканный мелким узорочьем. Контрастом к этому фону были иллюзорно, объемно трактованные части изображения — обычно лицо.

Фигуры Климт изображал удлиненными, часто прибегая к островыразительному профильному силуэту. Постановка фигур у Климта сугубо условная, статуарная; если он изображает двух людей, то это чаще всего сюжет объятия, поцелуя, если в композиции присутствует несколько фигур, то все они сливаются в одну группу, а вокруг них расстилается тот же условный орнаментальный фон.

Моделям, которых изображал Климт, всегда присуща повышенная эмоциональность: они нервозны, напряженны, чувственны, агрессивны. Это был его индивидуальный тонус восприятия действительности. Он раскрывался в подготовительных работах Климта — его рисунках. Если при жизни художника рисунки его были малоизвестны и им не придавалось большого значения, то в последние годы графическое наследие Климта привлекает большое внимание публики и коллекционеров. В Европе с успехом прошло несколько выставок, посвященных исключительно рисункам Климта.

Если в картинах и стенных росписях Климта можно найти немало «цитат* из творчества других художников, бросается в глаза эклектичность истоков его стиля, напыщенная и чрезмерная стилизация художественного языка, то в рисунках, где художник бегло фиксировал впечатления о? натуры а замыслы будущих картин, проявляются его проницательность. умение показать сущность, характер модели, лаконичными средствами создать экспрессивный художественный образ.

Непосредственность и откровенность Климта как рисовальщика объясняют историку, почему он как художественная личность имел такое огромное влияние а Вене на рубеже зеков. Климт был очень одаренным художником, но целью своего творчества он считал не раскрытие индивидуального взгляда на мир, а создание определенного стиля, общего для изобразительного и декоративного искусства. Поэтому он заимствовал и сам создавал определенные «клише» изображения и орнамента, которые постоянно применял в сзожх работах и которые делают их так похожими друг на друга. Он пытался придать своим произведениям глубокий философский и психологический подтекст. Смутность образов я ассоциаций, воплощавшаяся Климтом. как будто перекликается с психоаналитическими построениями его современника — венского врача Зигмунда Фрейда.

Затуманенность символов, которые использовал художник, подчеркнутая неоднозначность прочтения всех его композиций служили тому, что они не поддавались одной, точно устанавливаемой расшифровке, а могли толковаться каждым в зависимости от его художественного опыта. Так, многозначны могут быть варианты прочтения его композиции «Надежда», созданной в 1903 году и изображающей молодую обнаженную женщину с открытым чревом, внутри которого лежит дитя. Позади ее скелет и какие-то монстры, напоминающие о том, что продолжение человеческой жизни проходит под знаком смерти.

К числу наиболее известных работ Климта принадлежит выполненный им фриз в обеденном зале дворца Стоклет в Брюсселе, построенном Й. Хофманном. Сам дворец Стоклет по архитектуре — типичное произведение модерна, и фриз Климта соответствует стилю здания. На Климта большое впечатление произвели византийские мозаики, что особенно заметно в декорациях этого дворца. Собственно, мозаич-ность была присуща и его живописному стилю — он составлял целые поверхности в своих картинах из отдельных кусочков цвета, всякого рода завитушек и орнаментальных фрагментов. Во фризе дворца Стоклет он работает непосредственно в технике мозаики: пестрая композиция складывается из цветной эмали, стекла, керамики, металла, частично позолоченного, слоновой кости, перламутра.

Использование дорогих, экзотических материалов в этом фризе тоже вполне во вкусе модерна. По фону фриза расположены деревья со стилизованными в спирально закручивающиеся завитки ветвями, с листьями и птицами. Присутствуют также во фризе и изображения человеческих фигур — «Ожидание» в виде женской фигуры, платье которой украшено орнаментом из завитков и треугольников с изображением глаза. Лицо изображено настолько похожим на японское, что можно подумать, что оно срисовано с гравюры популярного тогда Хироеиге. Другие две фигуры слиты воедино в объятии, напоминая по композиции мотив, многократно повторяющийся в картинах Климта.

Если фриз во дворце Стоклет был уместен и сочетался с архитектурой и вкусом заказчика, то выполненные Климтом декоративные панно для зала собраний Венского университета вызвали недовольство и так и не были помещены на место, для которого они предназначались. Темы панно — «Юриспруденция*, «Философия> л «Медицина». В панно «Медицина» были изображены разные фазы человеческой жизни, здесь были и фигуры матери с ребенком, и беременной женщины, напоминающие о картине «Надежда», я старухи, срисованной с одной из скульптур Родена. Сочетание натурализма изображения со сложной умозрительной схемой обусловило господство сюжета и идеи над художественностью произведения. Это стало причиной неудачи замысла Климта.

Вообще в первые годы нашего столетия Климт неоднократно входит в конфликт с публикой, которая не принимает его произведений. В 1903 году «Сецессион» устраивает персональную выставку Климта, но после этого художник порывает с объединением, что свидетельствует о его разногласиях с коллегами.

Тем не менее, хотя Климт не был ровным художником и не всегда был понят своими современниками, он оказал большое влияние на развитие австрийского искусства начала XX века. Климт впервые внес в австрийскую живопись понятие большого стиля. Присущая ему остро индивидуальная манера рисунка стала почвой для поисков более молодых художников, будущих представителей экспрессионизма — Оскара Кокошки и Эгона Шиле.

Стиль модерн (от фр. moderne — современный, другое название: ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Отличительными особенностями стиля модерн является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. В других странах называется также: «тиффани» (по имени Л. К. Тиффани) в США, «ар-нуво» и «fin de siècle» (букв. «конец века») во Франции, «югендстиль» (точнее, «югендштиль» — нем. Jugendstil, по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала Die Jugend) в Германии, «стиль Сецессион» (Secessionsstil) в Австрии, «модерн стайл» (modern style, букв. «современный стиль») в Англии, «стиль либерти» в Италии, «модернизмо» в Испании, «Nieuwe Kunst» в Нидерландах, «еловый стиль» (style sapin) в Швейцарии.

Густав Климт. Снимок 1914 года

Густав Климт: «Моих автопортретов не существует. Я не интересуюсь своей собственной персоной как объектом для изображения. Я предпочитаю других людей, особенно женщин, и, более того, другие формы существования…».

Ранние работы

Шуберт за клавиром. 1896 год. Масло, холст. 150200 см. Утрачена в 1945 году

Лицо музыканта передано с необыкновенной фотографической точностью. Позади него надпись Anno Domini и дата создания работы, написанная римскими цифрами, - MDCCCLXXXX. Этот прием мастер позаимствовал у художников Средневековья.
Картина помещена в широкую медную раму, изготовленную старшим братом Густава. Методом чеканки на нее нанесен стилизованный античный рисунок, в котором также встречается изображение лиры - с ее помощью мастер намекает на профессию изображенного человека.
«Венский сецессион»

Период с 1891 по 1898 год - переходный в жизни Климта. В 1892 году умерли отец и младший брат Эрнест. Со временем живописец приходит к символично-эротической трактовке образов и выбору аллегоричных сюжетов, изменяет цветовую палитру.
Их девизом стали слова Людвига Хевеши, помещенные над входом в Дом сецессиона: «Времени - его искусство, искусству - его свободу».
Климт смело экспериментировал, искал свой стиль, не боясь критики и косых взглядов современников. В его работах этого периода можно увидеть черты как символизма, так и импрессионизма.
В 1898 году прошла первая выставка сецессиона, где Климт представил публике «Афину Пал- ладу» - картину, которая получила прозвище «демон сецессиона» и стала впоследствии символом нового объединения. Для создания этой работы художник впервые использовал золото.

Афина - древнегреческая богиня мудрости, правосудия и искусства. У Климта она - уверенная в себе и в своей победе суперженщина в доспехах и с оружием в руках. На нагруднике Афины - голова Горгоны, которая показывает язык всем критикам сецессиона, за ее спиной - изображение битвы Геракла с Лернейской гидрой.
Что касается техники исполнения и мотивов, то в этой работе отразились будущие предпочтения мастера как художника-портретиста.

Зал старого дворцового театра в Вене. 1888 год. Гуашь, бумага. 91,2103 см. Музей Вены на Карлсплац (Вена, Австрия)

«Искусства, хор ангелов рая». Фигуры в этой части фрески означают радость и Божьи искры.
Климт создавал фриз с таким расчетом, чтобы произведение собственностью государства. В 1950-е годы сын Августа Эрих, эмигрировавший в Швейцарию, получил часть коллекции обратно, в том числе и «Бетховенский фриз», однако вывезти его из Австрии не смог. Частые транспортировки и неправильное хранение сделали свое дело: произведение нужно было срочно реставрировать. Австрийское правительство после долгих переговоров выкупило шедевр.

До 1985 года фриз нигде не выставлялся. С 1986-го он находится в Доме сецессиона. Лишь спустя почти 20 лет произведение отреставрировали и выставили на всеобщее обозрение в британской галерее Тейт (Ливерпуль).
К этому времени друзья совершенно разошлись во мнениях касательно работы, поэтому их дуэт распался. Однако именно этот год стал переломным, знаковым в творческой биографии Климта. Для оформления университета он создал три монументальных панно: «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция», которые стали причиной скандала, разразившегося вокруг художника и его творчества.
Климт выбрал свой путь, отличный от привычного академизма. Вместо того чтобы изобразить торжество наук в традиционной манере, мастер показал добропорядочной венской публике «настоящее» лицо каждой дисциплины:
«Философия» - обнаженная девица, которая ведет народ в никуда (написана темно-синим цветом);
«Медицина» бездушно отворачивается от толпы больных и умирающих, она больше похожа на жрицу, которая готова принести человека в жертву, а не вылечить его (выполнена красным цветом, в который синим шлейфом вплетается образ смерти);
«Юриспруденция» в лице трех фурий безжалостно обрушивается на человека-жертву (для этого панно мастер выбрал густой черный цвет).
Позже Климт так сформулировал смысл «Юриспруденции»: «Фигурная группа слева - пробуждение жизни, плодотворное бытие, исчезновение.
Композиция всех трех работ асимметрична: человеческие тела на них противопоставлены пустотам фона.
Панно вызвали всплеск негативной критики: уважаемая профессура сочла их порнографическими. Именно в этих работах впервые так ярко проявился эротизм, свойственный творчеству художника.

Работа «Золотые рыбки» (первоначальный вариант названия - «Моим критикам») была написана в ответ на острую негативную оценку факультетских картин. Откровенный ракурс рыжеволосой бестии на переднем плане говорит сам за себя. Такая смелость и свобода суждений требовали полной финансовой независимости. И Климт нашел отличный способ заручиться поддержкой влиятельных людей Вены. Он стал писать портреты их жен!
Женские образы

Теперь Климта не волновали ни общественное мнение, ни мода. Он мог себе позволить писать то, что нравилось, и так, как хотелось. Став лидером «Венского сецессиона», художник начал смело экспериментировать.
К ранним относятся портреты сестры Клары и племянницы Хелены Климт.

Обеденный зал во дворце Стокле (Брюссель). Общий вид мозаики

Ранние портреты

Хелена Климт - шестилетняя племянница художника, который после смерти брата Эрнеста стал ее опекуном. Повзрослев, Хелена начала работать в доме моды сестер Флёге и со временем (после смерти матери) стала его совладелицей.
Стрижка «под пажа», челка до бровей, узкая полоска лица. Светлое платье и фон контрастируют с темными каштановыми волосами. Как и другие ранние работы Климта, этот портрет поясной.
Некоторые портреты этого периода оставили в тайне имена моделей, которые позировали художнику. К ним относится, например, незнакомка, изображенная на картине «Дама в шляпе из боа и перьев».

Для художника зачастую важно не столько то, кого он изображал на полотнах, сколько сама возможность любоваться замечательными женскими образами. Все они написаны в своеобразной климтовской манере, основанной на смеси импрессионизма, орнаментального искусства и символизма. Более поздние образы уже совершенно другие.

в саду, что не свойственно другим портретам, где фигуры написаны в интерьере.
В 1899 году по заказу Августа Ледерера Климт написал портрет его жены Серены. Формат холста вытянут по вертикали, и стоящая фигура занимает почти все свободное пространство. Задний фон не дает представления о том, где находится модель: она словно вне времени и пространства.

«Венский сецессион» мог осуществлять свою деятельность лишь при хорошей спонсорской помощи.
В работах, созданных художником в период с 1898 по 1903 год, есть черты как символизма, так и импрессионизма.
Это первая работа, которую Климт написал в новой манере: типичный классический, а не психологический женский портрет (он не призван показать глубину внутреннего мира модели, ее переживания).
Художник наделил Соню мечтательным выражением лица. Но в то же время ей присущи некоторые надменность, равнодушие и отчужденность. Композиционно картину можно разделить по диагонали на две части: Климт противопоставляет темное и светлое, задний план и передний, пустоту и наполненность. С одной стороны, фрау Книпс реалистичная и живая, с другой - недоступная и далекая. Левой рукой она держится за подлокотник, словно хочет встать. Модель изображена
На пастельном фоне выделяются выразительное лицо в обрамлении темных волос и черные густые брови. Реализм в изображении лица и рук сочетается с воздушностью одежды: платье струится вдоль ног героини - кажется, что она «рождается» из морской пены. Эффект усиливается за счет того, что на переднем плане картины практически нет свободного пространства: Серена будто не стоит на земле.
Эрмине Галлия, урожденная Гамбургер (1870-1936). В 1893 году вышла замуж за своего дядю, Моритца Галлию, правительственного советника, который был одним из наиболее щедрых меценатов того времени.
Примечательно, что женщина изображена в платье, которое разработал сам Густав Климт. К сожалению, невозможно увидеть истинные цвета, использованные мастером, поскольку пигменты (один из компонентов краски) этой картины с течением времени претерпели значительные изменения.
Такова одна из характерных черт портретов этого периода: Климт обрезает нижний край фигуры: платье модели уходит за пределы рамы, ноги не видны, что создает впечатление парения героини. Этот эффект усиливается и за счет контраста: в портрете Серены это белое платье и темные волосы, в портрете Марии Хеннеберг - светлое платье, темные волосы и букетик фиалок.
В 1905 году Климт написал портрет Маргарет Стонборо-Витгенштейн - один из интереснейших женских образов. Эта современная и образованная девушка принадлежала к венской элите. Портрет заказал отец в качестве подарка ко дню свадьбы. Невеста известного американского врача Томаса Стонборо в белом платье на светлом фоне мечтательно смотрит вдаль. Известно, что она осталась не очень довольна работой художника.

Художник знал, как угодить мужьям: он рисовал их жен с безмятежным и мечтательным выражением на лице, придавая им напускное равнодушие, надменность, отрешенность от мира.
Вена любила именно такого Климта. В конце века умы интеллигенции занимала тема борьбы полов, господства женщины над мужчиной. В салонах не прекращались дискуссии по этому поводу, высказывались различные мнения. Богатая и привередливая публика была удовлетворена работами художника, покровители из высшего общества не отказывали в спонсорской помощи сецессиону.
Отношения Эрнеста и Хелены развивались стремительно и увенчались свадьбой. А вот Густав и Эмилия так и не поженились, хотя на протяжении всей жизни оставались близки.

Милую 13-летнюю девочку к Климту привел отец - краснодеревщик Герман Флёге (со временем разбогател и стал первым во всей империи фабрикантом курительных трубок). Видя способности дочери к рисованию, он решил отдать ее на обучение к художнику. Эмилия не стала заниматься живописью профессионально, но уроки тем не менее не прошли даром. Все сестры Флёге замечательно шили. Старшая Полина открыла школу для швей. Некоторое время там училась и Эмилия.

Приблизительно в одно время мастер написал два портрета юной красавицы. Гораздо позже знакомые черты появятся и в других работах мастера, а пока…
Других мужчин, кроме Климта, в жизни Эмилии просто не существовало. Когда девушка поняла, что надеяться на семейную жизнь с любимым человеком бессмысленно, она обратилась за советом к известному в то время профессионалу- психоаналитику - Зигмунду Фрейду.
Прислушавшись к совету, Эмилия вместе с Хеленой открыла Дом моды, который пришелся по вкусу буржуазной публике. Молодая женщина стала независимой, материально обеспеченной и смогла «вылечиться» от патологической любви к маэстро. Однако отношения не сошли на нет, они просто стали другими: более спокойными, дружественными. Художник называл Эмилию лучшим другом, ценил ее советы и с удовольствием проводил с ней время. Иногда они появлялись вместе на светских мероприятиях.

Портрет Эмилии Флёге в 17 лет. 1891 год.

Климт выбрал узкий вертикальный формат и изобразил Эмилию в полный рост. Решительность и уверенность передает и поза героини: левая рука упирается в бедро, голова гордо поднята, открытый взгляд устремлен на зрителя.
Художник «одел» девушку в непривычное для того времени, придуманное им самим платье: лес и поле словно выткали ковер и укутали стройную фигуру своим орнаментальным шлейфом.
Публика восприняла этот портрет как вызов. В то время в моде были платья с многочисленными рюшами и оборками, а тут такое! Даже мать художника выразила недовольство по поводу слишком глубокого декольте, выходящего, по ее мнению, за рамки приличия.
Климт и Флёге были вместе 27 лет. Несмотря на многочисленных женщин, в самые сложные моменты жизни мастера (смерть отца, брата, матери) рядом была только Эмилия. Она была с ним до конца.
На портрете 1907 года 26-летняя Адель изображена сидящей в кресле. Фигура занимает всю правую часть полотна и кажется обрезанной сверху.
Всю нижнюю треть полотна занимает подол платья модели. Адель, как и Эмилия, смотрит на зрителя. Руки сцеплены перед грудью. Холодные тона и реалистическое изображение лица и рук контрастируют с теплыми золотыми элементами композиции, выделяются на фоне орнаментов. Черные волосы и непропорционально большие красные губы еще больше приковывают взгляд к лицу дамы, изображенной в столь необычной манере.
На Адели обтягивающее платье и шаль. Все усеяно излюбленными климтовскими мотивами: спирали, «всевидящее око», вписанное в треугольник, квадраты, прямоугольники. Сложно угадать, где в этом калейдоскопе узоров кресло. Нет никаких теней, глубины пространства, изображение плоскостное, орнаментальное.
Австрия лишилась своей визитной карточки в 2006 году. Наследница (дочь брата Фердинанда Блох-Бауэра) Мария Альтман продала «Золотую Адель» Рональду Лаудеру за рекордные 135 миллионов долларов. Однако этому предшествовал затяжной семилетний судебный процесс по возвращению ей семейных ценностей (в том числе и портрета Блох- Бауэр), утраченных в годы войны.

Австрийское правительство пыталось спасти национальное достояние: велись переговоры с банками о займе денег на выкуп картины у Альтман, население собирало пожертвования. Однако все усилия были напрасны: сумма в 300 миллионов долларов (именно во столько были оценены пять картин Климта) оказалась слишком велика.

Это вызвало на родине Климта настоящую «художественную» катастрофу. Сложно представить себе Бельведер без «Золотой Адели», ведь именно репродукция этой картины украшает обложки всех австрийских путеводителей. Герберт Фроди (директор галереи) назвал случившееся «неизмеримой потерей для музейного собрания и для культурного пространства Австрии в целом». Миллионы австрийцев лишились своей иконы. Сейчас полотно находится в Новой галерее в Нью-Йорке (ее владельцем является американский предприниматель Рональд Лаудер).
Однако этот портрет Адели - вовсе не единственный.
Черноволосая красавица в огромной шляпе изображена по центру в фас, она смотрит поверх зрителя куда-то вдаль. Фон разбит на большие плоскости, орнаментально организованные в духе Климта по мотивам восточных тканей. Цвета нежные и сочные.

Любовь. 1895 год Масло, холст. 62,546,5 см. Музей истории искусств (Вена, Австрия)

В это время художник стал немного отходить от привычного обилия золота. В этом портрете, как и в других работах того времени, фигура уверенно стоит на ногах, нет больше той иллюзии полета и парения, которая создавалась за счет обрезанного платья, уходящего за пределы рамы. Чувствуется влияние Матисса.
Второй портрет Адели также покинул родную Австрию: в 2006 году он был продан за 88 миллионов долларов в частную коллекцию.
Есть и другие, более ранние работы, моделью для которых была Адели Блох-Бауэр. Ее можно без особого труда узнать в «Юдифи I», а также в «Юдифи II».

«Золотой период»
C 1903 года Климт много путешествовал: он побывал в Венеции, Равенне, Флоренции, Мадриде, Риме, Брюсселе. После этого начинается «золотой период» его творчества: новую технику художник позаимствовал у итальянских мастеров. Позолота, рельефное изображение орнаментов, декоративность - вот характерные черты работ этого времени.
В портрете Фрицы Ридлер 1906 года видны золотые поверхности фона, которые могут быть и стенами, и полом. Художник легко сочетает схематичность, эскизность изображения и точную проработку деталей. Фрица сидит в кресле, орнамент которого выполнен из павлиньих глаз. Как и в других женских портретах, в ее образе сочетаются нежность и покорность со скрытой эротичностью и страстью.
Портрет Ридлер напоминает работу Диего Веласкеса, на которой изображена инфанта Мария Тереза. Позади головы Фрицы - полукруг из прямоугольных орнаментальных элементов, очень похожий на прически, которые носили во времена инфанты.
Эта работа имела немаловажное значение в дальнейшем творчестве Климта. Именно тут впервые встретились закрытые участки фона, покрытые золотом, наметилась тенденция к геометризации, проявившейся в полную силу в портрете Адели Блох-Бауэр (1907).
Женские портреты «золотого периода», написанные с 1903 года, объединены единым стилевым решением. Все модели словно растворились в золотом орнаменте, фигуры потеряли свои очертания - они словно «плывут» в вымышленном мире Климта.
Одним из знаковых полотен этого периода является своеобразный гимн любви - «Поцелуй».

Климт утверждал, что никогда не писал автопортреты, но Жиль Нере уверен, что на картине «Поцелуй» он все же изобразил себя и Эмилию Флёге. В образе героини улавливаются похожие черты и Эмилии, и Адели Блох-Бауэр, и рыжеволосой натурщицы Хильды Рот. В лице девушки на этом полотне художник создал собирательный образ женщины.
Он - взрослый зрелый мужчина, она - юная и цветущая. Желание, страсть, напряжение. Они на грани, на краю обрыва. Одни во Вселенной. Мужчина и женщина слились в одно целое, готовы раствориться друг в друге, всепоглощающее счастье завладело их телами и разумом.
Аура полотна завораживает: от него невозможно отвести взгляд. Каждый видит в картине что-то свое: страсть, нежность, смирение или даже принуждение и покорность.
Впечатляет и обилие золота. Большая часть поверхности полотна сияет: это и одежда героев, и стебли растений, и капли на фоне. Вероятно, это тоже сказалось на высокой оценке произведения, ведь драгоценный металл всегда ассоциировался с мистикой, считался признаком материального достатка и значимости.
Не зря эту картину называют «золотой иконой югендстиля».
Несмотря на то что «Поцелуй» был написан всего на год позже «Золотой Адели», в нем отчетливо видны некоторые изменения в технике изображения фигур. Лишь на первый взгляд картины очень похожи. Так, например, Адель помещена в правую часть холста и органично включена в рисунок фона: ее одежда, распадаясь на бесконечное число квадратов, окружностей и треугольников, становится его неотъемлемой частью.
А вот в «Поцелуе» мастер поступил совершенно иначе: мужская и женская фигуры расположены в центре полотна и выделены из общего нейтрального фона. Кроме того, предельно четко обозначены границы цветочной поляны, на которую художник поместил слившуюся в объятиях пару. Еще одно существенное различие картин заключается в манере изображения женских лиц.
После того как венцы высказали восхищение «Поцелуем», Климт позволил себе более откровенный сюжет: в «Данае» женская сексуальность достигает своего апогея. По легенде, царь Аргоса Акрисий, узнав, что будет убит собственным внуком, заточил дочь Данаю в медный терем и приставил к ней служанку. Он надеялся, что таким образом надежно укрыл ее от мужчин. Однако, несмотря на такие предосторожности, Данае все же суждено было стать матерью Персея: пленившись красотой девушки, в виде золотого дождя к ней проник Зевс.
Ничуть не стесняясь, Климт написал героиню в момент любовного экстаза. Этот сюжет использовали многие мастера, например Мабюз (1527), Тициан (1545-1546, 1553-1554), Тинторетто (1580) и Рембрандт (1636-1647). Однако никто из них не изображал Данаю в столь откровенной позе.
И снова на картине нет никаких отвлекающих внимание подробностей. Искаженная перспектива, выбор необычного ракурса, золотой вычурный орнамент - все это призвано показать естественную женскую красоту. Тело Данаи является своеобразным орнаментальным шифром. Зритель как бы присутствует при очень интимном акте, но в то же время находится на расстоянии.

Густав Климт с Эмилией Флёге в саду виллы «Олеандр» близ Аттерзее

Долгое время искусствоведы не обращали должного внимания на изображения окружностей, которыми украшено покрывало в правой части холста. Лишь спустя несколько десятилетий биологи идентифицировали их как пузырек бластоцисты (ранняя стадия эмбрионального развития млекопитающих). Вероятно, подобные знания Климт почерпнул из научных лекций, которые читал в своем доме муж Берты Цукеркандль (он был известным венгерско-австрийским анатомом).

Интересно, что «Даная» - первая аллегорическая картина, для создания которой художник отказался от вытянутого вертикального формата, отдав предпочтение квадрату. Слева в нижней части полотна можно отыскать небольшой черный прямоугольник - символ мужского начала (его изображение встречается и в других работах мастера, например в «Поцелуе», где черные и белые прямоугольники на плаще мужчины резко контрастируют с окружностями на одежде его возлюбленной, противопоставляются им).
В 1909 году Климт отправился в Париж, где открыл для себя Анри де Тулуз-Лотрека, познакомился с произведениями Винсента Ван Гога, Поля Гогена и Пабло Пикассо, а также лидера течения фовизма Анри Матисса. Его работы впоследствии оказали большое влияние на творчество австрийского «мастера золотой кисти» (это отчетливо видно в картине «Дева», где желтые, зеленые, красные, синие и фиолетовые цвета становятся своеобразным символом жизни, побеждающей безмятежность сна).

Наследники Стокле пока не решили, что делать со зданием, поэтому для туристов, к сожалению, вход внутрь закрыт, во дворце уже много лет никто не живет.

Последняя монументальная работа Климта - фриз для обеденного зала в брюссельском дворце. Художник создал эскизы мозаичного панно, а Леопольд Форстнер выполнил работу в материале.
Мозаики расположены на трех стенах: две крупные фигурные секции установлены друг напротив друга, между ними - небольшая декоративная вставка. Они сложены из различных материалов: мрамора, керамики, позолоченных плиток и эмали, украшены жемчугом и полудрагоценными камнями.

Для реализации задуманного Хоффман привлек команду профессионалов, в числе которых был и Климт. Увлеченный идеей «тотального произведения искусства» и не ограниченный в денежных средствах, архитектор создал нечто совершенно новое, не имеющее аналогов, но породившее впоследствии множество подражаний.
Пейзажи
Отдельную часть наследия Климта составляют пейзажи. Его непреодолимо манили кристальные озера, высокие горы и густые леса. Особенно любил он окрестности озера Аттерзее на севере области, где часто отдыхал с Эмилией Флёге. Там он написал многочисленные пейзажи.
Это не заказные работы: мастер создавал их в моменты отдыха. В отличие от большинства портретов и декоративных полотен, выполненных на вытянутых вертикальных холстах, практически для всех пейзажей выбран квадратный формат. По мнению Климта, квадрат - самая стабильная форма, статичная и завершенная.
Особенность этих работ заключается в том, что при детальном рассмотрении они словно распадаются на сотни и тысячи мозаичных фрагментов. Некоторые исследователи творчества художника предполагают, что он предварительно рассматривал в телескоп то, что собирался написать.
В манере изображения воды прослеживается творческое влияние импрессионистов: передача бликов на воде, светотени и мерцания света, а также четкое разделение мазков, использование светлых оттенков красок. Особенно заметно это в картинах «Болото» и «Остров на Аттерзее».

В этих работах художник уделял внимание не только тщательной прорисовке водной глади, но и архитектурным деталям старинного замка, построенного в XIII веке.
К слову, Каммер и его живописные окрестности мастер изображал неоднократно. Одна из первых работ датируется 1908 годом.
По мнению исследователей творчества Климта, в этой работе отчетливо прослеживается влияние Ван Гога: это и выбор цветовой палитры, и рельефные мазки. Практически вертикально устремленные вверх ветви символизируют внешнюю упорядоченность и гармонию природы.
Одной из наиболее известных работ считается «Замок Мальчезине на острове Гарда» (художник отдыхал там вместе с Эмилией в 1913 году). Центральное место на полотне занимает средневековый замок Скалигеров - мощное оборонительное сооружение, вокруг которого со временем и вырос городок Мальчезине. К сожалению, картина была утрачена в 1945 году.
Единственной сохранившейся работой с изображением Гарды является «Церковь в Кассоне» (другое название - «Пейзаж с кипарисами»). Курортный городок написан из лодки. На полотне нет неба: композиционным центром становятся здания. Большую часть картины занимает старинная церковь.

Пышные кроны шарообразных деревьев и темные кипарисы уравновешивают светлые постройки.
Судьба картины сложилась непросто. Изначально она принадлежала Виктору и Пауле Цукеркандль.
Несколько десятилетий судьба картины была неизвестна, однако в 1962 году она была выставлена в Австрии с пометкой «Из частной коллекции». После сделки, заключенной между неназванным владельцем пейзажа и ее законным хозяином, сыном Матильды Редлих, в 2010-м «Церковь в Кассоне» была продана на аукционе Sotheby’s более чем за 43 миллиона долларов. Это один из самых дорогих пейзажей Климта.

Группа художников, основавших «Венский сецессион» (Климт сидит на троне).

Для ранних пейзажей Климта было нехарактерно использование темных красок. А вот поздние работы написаны в более насыщенных тонах, что придает им загадочность.
К 1901 году относится «Берег озера с березами»: сверкающая водная гладь, правую часть холста пересекают два гибких ствола. Эту картину отличают неожиданный ракурс, контрасты форм, одновременно единство и запутанность композиции. Так, деревья справа написаны с очень близкого расстояния, а противоположный берег слева изображен в обратной перспективе. Вытянувшиеся березы пересекают треугольный кусочек озера, форму которого повторяет отражающийся в нем куст. Серебристо-белые стволы на переднем плане контрастируют с темными деревьями вдали, пышная зеленая трава и россыпь желтых цветов - с голубой гладью озера.
Интересно, что об этой картине прославленного австрийца стало известно совсем недавно. В 1902 году пара из Нидерландов приобрела ее на выставке в Дюссельдорфе.

Климту (хотя художник, как правило, не делал эскизов для пейзажей). Кроме того, был обнаружен ранее неизвестный снимок с выставки, проходившей в 1902 году в Доме сецессиона. На одной из стен отчетливо виден «Берег озера с березами».

На нем отчетливо выделяются бело-серые стволы с черными пятнами. Совершенно невероятным образом всего лишь с помощью нескольких цветов Климт добивается потрясающей реалистичности в изображении ландшафтов.
Верхний край всех лесных полотен обрезан, поэтому на них становятся многократно повторяющиеся стволы деревьев. Такая вертикальность делает их похожими на тканые гобелены («Сосновый лес», «Буковая роща», «Березовый лес»).
В «Буковой роще» большая с часть холста отведена пестрому фону - ковру из опавших листьев практически отсутствует свободное пространство, которое так не нравилось художнику (исключение составляет «Буковая роща», где вверху между стволами кое-где виднеется небо). В этих работах нет даже намека на присутствие человека или животного, однако изображение природы не лишено жизни: все ландшафты дышат, грустят, радуются. Осень наполняет их не только красками, но и шелестом опавшей листвы, ее прелым ароматом.
Несмотря на то что художник воспроизводил увиденное «здесь и сейчас» (при работе над пейзажами он, как правило, даже не делал карандашных набросков), эти картины нельзя отнести к импрессионистическим. В отличие от представителей данного направления, «мастера золотой кисти» интересовало не простое созерцание ландшафтов и их воспроизведение на холсте.
Особняком стоит пейзаж с тополем, где художник передал необычное состояние природы: надвигающуюся грозу в сумерках. От картины веет беспокойством, таинственностью. Композиционно большая часть холста отдана небу:
облака причудливой формы сгущаются над тополем-исполином. Силуэт дерева, возвышающегося позади маленькой часовни, похож на смерч, который вот-вот поглотит все, что попадется ему на пути. В изображении кроны Климт использует приемы пуантилистов: пишет мелкими мазками, почти точечно.
Такая же живописная манера характерна и для более поздних работ, где, кроме этого, наблюдается еще асимметрия, разрыв плоскостей и интенсивная цветовая гамма. Их отличительной особенностью является довольно богатая цветовая палитра и мелкие, дробные мазки. Именно благодаря этим приемам мастеру удавалось четко структурировать композицию. Исключением является работа 1898 года - «Фруктовый сад», где использовано всего несколько красок.

Работы с изображениями цветов (например, «Цветочный сад», «Поле маков», «Цветущая нива») напоминают пестрый узор на ситцевой ткани: они словно составлены из многократно повторяющихся мозаичных кусочков.
В отличие от импрессионистов, мастер не увлекался передачей света и тени: его цветочные пейзажи довольно схематичны, предельно декоративны и детализированы (в этом прослеживается типичное для модерна влияние Востока).
«Поле маков» - одна из наиболее обманчивых картин Климта. Примечательно, что в данной работе (впрочем, это относится и к «Цветущей ниве», написанной двумя годами позже) есть намек на перспективу: размеры маков и деревьев по мере приближения к горизонту становятся меньше.
Эротическая и натуралистическая графика

Густав Климт был выдающимся рисовальщиком. Прежде чем приступить к созданию картины, он делал множество набросков и зарисовок.
Многие рисунки Климта являются самостоятельными произведениями искусства, которые раскрывают секреты творческой манеры художника и его видение мира. В живописных полотнах необузданная сексуальность моделей частично скрыта яркими декоративными одеждами и орнаментами фона. А вот рисунки открывают совсем другого Климта.
Отдельная часть наследия, оставленного мастером, - откровенно эротические произведения (некоторые из них критики относят к числу лучших работ Климта). В них он показывает женщину в самые интимные моменты: на пике наивысшего наслаждения, в момент безудержной страсти или безмятежного сна после любовных ласк (к ним, например, относятся «Лежа на животе», «Лежащая обнаженная», а также подготовительный эскиз к «Данае»). Художник любуется ими и восхищается, делится своими эмоциями со зрителями. Женщины на его рисунках сексуально раскрепощены и необыкновенно сверхчувственны.
Некоторые графические работы отличаются невероятной реалистичностью. К их числу относится «Обнаженная II»: с поразительной точностью, используя лишь черный мел и белый карандаш, мастер изображает обнаженную женскую натуру.

Деревенский сад с подсолнухами. 1906 год. Масло, холст. 110110 см. Галерея Бельведер (Вена, Австрия)

Последние годы жизни. Поздние произведения
Работы, созданные Климтом в период с 1910-1911 по 1917-1918 годы, можно отнести к поздним. В них прослеживаются черты, отличные от предыдущего «золотого» этапа творчества: исчезает обилие позолоты, а в образах появляется экспрессия, наблюдается сочетание символизма и экспрессионизма.
С полотен исчезают таинственные и коварные обольстительницы. На смену им приходят ласковые и нежные женщины («Дама в черной шляпе»). Фигуры вытягиваются, их контуры выглядят более округло. Художник использует более яркую цветовую палитру, мазки становятся свободнее, а мелкий геометрический узор вытесняют цветочные мотивы в восточном стиле.
«Мать с детьми» - одна из немногих поздних работ мастера, где присутствуют черты экспрессионизма.
И мать, и ребенок, и младенец - все изображены с закрытыми глазами; кажется, будто они мирно спят. Однако на самом деле у Климта изображение сна всегда было приближено к смерти. На это намекают и достаточно темные тона картины. Хотя такой выбор цветовой гаммы может символизировать и бедственное положение семьи: нищету, скитания, лишения.

Картина «Девушка» - своеобразная история превращения юной красавицы в женщину. Главная героиня - молодая девушка. Она лежит, мечтательно закрыв глаза и раскинув руки - невинно и вместе с тем откровенно сексуально. Ее окружают полуобнаженные женщины, более опытные и искушенные.

Зритель невольно становится свидетелем только-только пробуждающихся чувств. Климт изобразил скопление людей, пестрый водопад тел и ярких одежд. Они слились в причудливых позах, перемешавшись с декоративными элементами фона. Как всегда, тела написаны реалистично, в нежных оттенках розового, а ткани - грубо, стилизованно, яркими красками.
Семья жила в Моравии, поэтому первые наброски мастер выполнял на расстоянии. Когда же начались сеансы в студии в Вене, девочке разрешено было двигаться по мастерской, играть с китайскими тканями, которых вокруг было множество, сбрасывать из окна на головы прохожим бумажные шарики: ей было всего девять лет, поэтому долго находиться без движения она попросту не могла.

Художнику пришлось создать множество этюдов, прежде чем выбрать окончательный вариант позы: Меда стоит прямо, правая рука упирается в бедро, взгляд устремлен прямо на зрителя. Ее фигура в светлом платье резко выделяется на фоне однотонной фиолетовой стены.
В 1913-м Климт написал портрет матери Меды, актрисы Евгении Примавези, на ярко-желтом цветочном фоне.

Незадолго до смерти художник создал серию замечательных портретов (баронессы Элизабет Бахофен Эхт, Фредерики Марии Беер), в которых прослеживается влияние японского искусства. Создается впечатление, что женщины написаны на фоне стены, завешенной гобеленами с изображением человеческих фигур. Платья также несут отпечаток восточных традиций.
Элизабет Бахофен Эхт - дочь богатого еврейского промышленника Августа Ледерера. Хрупкость девушки уравновешивает треугольный орнамент на стене, который защищает ее, словно волшебный плащ.
Фредерика Мария Беер - богатая наследница и тонкий знаток искусства. Примечательно, что она была единственной женщиной, которую написали два крупнейших австрийских художника той эпохи: Густав Климт и его ученик Эгон Шиле, который, кстати, опередил учителя на два года.
На первый взгляд, изображения Элизабет Бахофен Эхт и Фредерики Марии Беер довольно похожи и по технике, и по манере исполнения. А вот на портрете светской дамы и щедрой покровительницы Фредерики Марии Беер они уже значительно крупнее, их мечи и копья скрещиваются прямо за ее спиной. Из-за этого противопоставления динамичной битвы хладнокровному спокойствию модели в картине чувствуется определенное напряжение. Некоторые исследователи творчества мастера склонны полагать, что одной из причин создания такого фона послужило время написания картины, пришедшееся на разгар Первой мировой войны.
Кульминацией этого периода стала «Танцовщица» - девушка с желтыми лилиями в руках. По одной из версий, это доработанный (вернее, переработанный) портрет Рии Мунк II, который не понравился матери девушки. Особенность этой картины заключается в невероятном количестве цветов: они занимают значительную часть фона, теснятся в пышном букете на столе. Кроме того, их стилизованные изображения присутствуют даже на халате героини: кажется, будто он усыпан распустившимися цветами.
Несмотря на это, фигура танцовщицы не растворяется в таком обилии ярких красок.
В 1916 году Климт закончил работу над картиной «Подруги». К сожалению, она не сохранилась (утрачена во время пожара в 1945 году). Совершенно безо всякого стеснения художник рассказывает о лесбийской любви. Героини изображены с невероятной теплотой, которая подчеркнута мягкими тонами, нежными тканями и сказочными птицами на спокойном однотонном фоне. Длинная шея девушки на переднем плане и ее обернутая тюрбаном голова придают работе оттенок классического величия.

Амалия Цукеркандль - еще одна героиня Климта, близкая родственница известной журналистки и художественного критика Берты Цукеркандль, с которой художника связывали дружеские отношения. Берта посвятила творчеству мастера-новатора множество своих публикаций в прессе.
Портрет Амалии остался незавершенным: дописаны лишь голова и плечи. А вот роскошное бальное платье, в котором она позировала, практически не готово. Его великолепие угадывается лишь по предварительному рисунку углем.
На картине «Адам и Ева» снова появляется сияющая белизной кожи женщина-обольстительница. Шкура хищного зверя у ее ног символично намекает на истинную сущность. За спиной Евы - мужчина. Его фигура значительно темнее, он изображен с закрытыми глазами. Очень похожий прием, позаимствованный из античной живописи, Климт использовал в «Поцелуе». Мужская фигура введена практически как фон, чтобы показать все прелести истинной героини - женщины.

«Младенец» на первый взгляд напоминает всего лишь фрагмент картины, а не самостоятельную работу. Это полотно Климт написал специально для выставки в Стокгольме, проходившей в 1917 году. Малыш, изображенный на нем, - словно царь. Не важно, что сейчас он такой крошечный (видна лишь голова, все остальное пространство занимает огромное лоскутное одеяло). Он царь, весь мир у его ног - Климт сознательно не помещает малыша в центр картины, а «поднимает» его наверх почти к самому краю.

Цветущая нива. 1909 год. Масло, холст. 110110 см. Музей искусств Карнеги (Питтсбург, США)

На трех поздних полотнах художника изображена девушка по имени Рия Мунк - дочь богатого еврейского промышленника. В 1911 году в возрасте 24 лет она покончила с собой из-за несчастной любви. Мать, Аранка Мунк, заказала Климту портрет девушки. Из трех вариантов ей понравился лишь последний, который, увы, остался незавершенным. Два других она сочла неудачными. Кстати, до сих пор доподлинно неизвестно, как выглядел второй вариант полотна.
Интересна в заключительном варианте и манера письма: художник изображает девушку вполоборота, на ее устах играет загадочная безмятежная улыбка. Он окутывает героиню декоративными фонами в восточном стиле. Лицо и окружающие детали дописаны, чего нельзя сказать о платье.
Аранка Мунк трагически погибла в концлагере. Третий вариант портрета находился на ее вилле, где его обнаружили сотрудники гестапо. В 1950 году картину передали музею города Линц, а в 2009-м возвратили во владение Мункам, которые вскоре продали ее примерно за 253 миллиона долларов.
Одна из последних картин Климта - «Невеста» - так и осталась незавершенной. Она полна тайн и загадок и имеет много общего с «Девой». Одетую в синее невесту, помещенную в центр холста, окружают ее фантазии, возможно, страхи и предчувствия. Среди фигур в левой части полотна угадывается лицо жениха, окруженного женщинами (вероятно, с которыми у него была связь ранее).
Недосказанность сюжета создает некоторую напряженность и двоякость трактовки происходящего - именно в этом и заключается сила данной картины. Примечательно, что ее незавершенность дает все основания полагать, что изначально Климт рисовал своих героинь обнаженными и лишь затем «одевал» их.
В январе 1918 года Климт перенес инсульт и впал в кому, из которой так и не вышел. Великий австриец умер 6 февраля в возрасте 55 лет от пневмонии. Многие картины остались незаконченными, поскольку он одновременно работал над несколькими произведениями.
Рухнула великая Австро-Венгерская империя, а вместе с ней - огромный пласт культуры, символом которой был необыкновенно талантливый и до конца не разгаданный Густав Климт.
Новаторство гениального художника югендстиля признали еще при жизни: в 1917 году незадолго до смерти он стал почетным членом Венской и Мюнхенской академий изящных искусств. Климта считали «Фрейдом живописи», «мастером золотой кисти», несомненно талантливым, оригинальным, ярким и завораживающим художником своего времени, чье искусство не потускнело со временем, как и золото на его полотнах.

Густав Климт австрийский художник основоположник модерна

Афина Паллада. 1898 год. Масло, холст. 7575 см. Музей Вены на Карлсплац (Вена, Австрия) Болото. 1900 год. Масло, холст. 8080 см. Частное собрание Группа художников, основавших «Венский сецессион» (Климт сидит на троне).