Импрессиони́зм (фр. impressionnisme , от impression  - впечатление) - направление в искусстве последней трети XIX - начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.

Впечатление. Восход солнца, Клод Моне, 1872

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название картины «Впечатление. Восходящее солнце» Клода Моне. Изначально этот термин носил несколько пренебрежительный характер и указывал на соответствующее отношение к художникам, писавшим в этой манере.

Специфика философии импрессионизма

Женщины в саду, Клод Моне, 1866

Французский импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого импрессионизм сосредотачивается на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения.

Как и искусство ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Вместе с тем ренессансное виденье взрывается доказанной субъективностью и относительностью человеческого восприятия, которое делает цвет и форму автономными составляющими образа. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено.

Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов.

Преимущества импрессионизма

К преимуществам импрессионизма как течения относится демократизм. По инерции, искусство и в XIX веке считалось монополией аристократов, высших слоев населения. Именно они выступали главными заказчиками на росписи, монументы, именно они - главные покупатели картин и скульптур. Сюжеты с тяжелым трудом крестьян, трагические страницы современности, позорные стороны войн, бедности, общественных неурядиц осуждались, не одобрялись, не покупались. Критика кощунственной морали общества в картинах Теодора Жерико, Франсуа Милле находила отзыв лишь у сторонников художников и немногих знатоков.

Импрессионисты в этом вопросе занимали достаточно компромиссные, промежуточные позиции. Были отброшены библейские, литературные, мифологические, исторические сюжеты, присущие официальному академизму. С другой стороны они пылко желали признания, уважения, даже наград. Показательной является деятельность Эдуара Мане, который годами добивался признания и наград от официального Салона и его администрации.

Вместо этого появилось виденье будничности и современности. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах.

Голубые танцовщицы, Эдгар Дега, 1897

Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь - это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении (ряд картин Ренуара, Мане и Клода Моне). Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской.

Бал в Мулен де ла Галетт, Ренуар, 1876

В кабачке папаши Латюиля, Эдуард Мане, 1879

Техника

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда.

Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий - разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой:

• Голубой - Оранжевый
• Красный - Зелёный
• Жёлтый - Фиолетовый

Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного.

Лягушатник, Огюст Ренуар

Затем импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала.

Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним », а «внешним » светом, отражающимся от поверхности.

Технические отличия способствовали достижению иных целей, прежде всего импрессионисты пытались уловить мимолётное впечатление, мельчайшие изменения в каждом предмете в зависимости от освещения и времени суток, наивысшим воплощением стали циклы картин Моне «Стога сена», «Руанский собор» и «Парламент Лондона».

Стога сена, Моне

В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и Берта Моризо. Однако Мане всегда называл себя «независимым художником» и никогда не участвовал в выставках, а Дега хоть и участвовал, но никогда не писал свои работы на пленэре.

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название "импрессионизм", поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
2. Перестали использовать палитры для Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
3. Прекратили рисовать черным цветом.
4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизмсуществует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.

Импрессионизм является одним из самых известных направлений французской живописи, если не самым известным. А зародилось оно еще в конце 60-х-начале 70-х годов XIX века и во многом повлияло на дальнейшее развитие искусства того времени.

Импрессионизм в живописи

Само название «импрессионизм » было придумано французским художественным критиком по имени Луи Леруа после посещения первой выставки импрессионистов в 1874 году, где он раскритиковал картину Клода Моне «Впечатление: Восходящее солнце» («впечатление» в переводе на французский звучит как «impression»).

Клод Моне, Камиль Писсарро, Эдгар Дега, Пьер Огюст Ренуар, Фредерик Базиль - основные представители импрессионизма.

Импрессионизм в живописи характеризуется быстрыми, спонтанными и свободными мазками. Ведущим принципом было реалистичное изображение световоздушной среды.

Импрессионисты стремились запечатлеть на холсте ускользающие мгновения. Если в это самое мгновение объект предстает в неестественном цвете, из-за определенного угла падения света или его отражения, то художник так его и изображает: например, если солнце красит поверхность пруда в розовый цвет, то он и будет написан в розовом.

Особенности импрессионизма

Говоря про основные черты импрессионизма, необходимо назвать следующие:

• немедленное и оптически точное изображение быстротечного момента;
• выполнение всей работы на открытом воздухе - больше никаких подготовительных эскизов и завершения работы в студии;

• использование чистого цвета на холсте, без предварительного смешивания на палитре;
• использование брызг яркой краски, мазков разной величины и степени размашистости, которые визуально складываются в одну картину, только если смотреть на нее с расстояния.

Русский импрессионизм

Эталонным портретом в этом стиле считают один из шедевров русской живописи - «Девочку с персиками» авторства Александра Серова, для которого импрессионизм, тем не менее, стал всего лишь периодом увлечения. К русскому импрессионизму также относят написанные в конце XIX-начале XX веков работы Константина Коровина, Абрама Архипова, Филиппа Малявина, Игоря Грабаря и других художников.

Эта принадлежность скорее условная, поскольку русский и классический французский импрессионизм имеют свою специфику. Русский импрессионизм был ближе к материальности, предметности произведений, тяготел к художественному смыслу, в то время как французский импрессионизм, как было сказано выше, просто стремился изобразить моменты жизни, без лишней философии.

По сути, русский импрессионизм перенял от французов только внешнюю сторону стиля, приемы его живописи, но так и не усвоил само живописное мышление, вложенное в импрессионизм.

Современный импрессионизм продолжает традиции классического французского импрессионизма. В современной живописи XXI века немало художников работает в этом направлении, например, Лоран Парселье, Карен Тарлтон, Диана Леонард и другие.

Шедевры в стиле импрессионизм

«Терраса в Сент-Адресс» (1867), Клод Моне

Эту картину можно назвать первым шедевром Моне. Она до сих пор является самой популярной картиной раннего импрессионизма. Здесь тоже присутствует любимая тема художника — цветы и море. На полотне изображены несколько человек, отдыхающих на террасе в солнечный день. На стульях, спиной к зрителям, изображены родственники самого Моне.

Вся картина залита ярким солнечным светом. Четкие границы между землей, небом и морем разделяются, упорядочивая композицию по вертикали с помощью двух флагштоков, однако при этом четкого центра композиция не имеет. Цвета флагов сочетаются с окружающей природой, подчеркивая разнообразие и насыщенность красок.

«Бал в Мулен де ла Галетт» (1876), Пьер Огюст Ренуар

Эта картина изображает типичный воскресный день в Париже XIX века, в Мулен де ла Галетт - кафе с открытой танцевальной площадкой, чье название соответствует названию мельницы, которая находится поблизости и является символом Монмартра. Рядом с этим кафе был расположен дом Ренуара; он часто посещал дневные воскресные танцы и любил наблюдать за счастливыми парами.

Ренуар демонстрирует настоящий талант и объединяет искусство группового портрета, натюрморта и пейзажной живописи в одной картине. Использование света в этой композиции и плавность мазков наилучшим образом представляют широкому зрителю стиль импрессионизм . Эта картина стала одной из самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах.

«Бульвар Монмартр ночью» (1897), Камиль Писсарро

Несмотря на то, что Писсарро славится своими картинами с изображением сельской жизни, он также написал большое количество прекрасных городских сюжетов XIX века в Париже. Он любил писать город из-за игры света днем и вечером, из-за дорог, освещенных как солнечным светом, так и уличными фонарями.

В 1897 году он арендовал комнату на бульваре Монмартр и изобразил его в разное время суток, причем эта работа стала единственной работой из серии, запечатленной уже после того, как наступила ночь. Полотно наполнено густым синим цветом и яркими желтыми пятнами городских огоньков. Во всех картинах «бульварного» цикла основным стержнем композиции является уходящая вдаль дорога.

Сейчас картина находится в Национальной галерее Лондона, но при жизни Писсарро она никогда нигде не выставлялась.

Посмотреть видеофильм об истории и условиях творчества основных представителей импрессионизма можно здесь:

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)

Эдуард Мане. Автопортрет с палитрой. 1878 г. Частная коллекция

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863 г. , Париж

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847 г. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia.commons.org

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874 г. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikipedia.org

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840-1926 гг.)

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886 г. Частная коллекция

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873 г. (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье

3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)

Пьер-Огюст Ренуар. Автопортрет. 1875 г. Институт искусства Стерлинга и Франсин Кларк, Массачусетс, США. Pinterest.ru

Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881 гг. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia.commons.org

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875 г. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876 г. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье

4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)

Эдгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон, Португалия. Cultured.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870 г. Музей д’Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878 гг. Музей д’Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье

5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)

Эдуард Мане. Портрет Берты Моризо. 1873 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880 г. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Берта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881 г. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881 г. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж. Wikipedia.org

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869 г. Музей д’Орсе, Париж

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873 г. Музей д’Орсе, Париж

Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Импрессиони́зм (фр. impressionnisme, от impression - впечатление) - направление в искусстве последней трети XIX - начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

1. Освобождение от традиций реализма (никаких мифологических, библейских и исторических картин, только современная жизнь).

2. Наблюдение и изучение окружающей действительности. Не то, что видит, а как видит с позиции воспринимаемого «зрительная сущность вещей»

3. Повседневная жизнь современного города. Психология горожанина. Динамика жизни. Темп, ритм жизни.

4. «Эффект растянутого мгновения»

5. Поиск новых форм. Небольшие размеры работ (этюды, кадрирование). Не типичное, а случайное.

6. Серийность картин (Моне «Стога»)

7. Новизна живописной системы. Открытый чистый цвет. Рельефность, богатейшая коллекция рефлексов, трепетность.

8. Смешение жанров.

Эдуард Мане – новатор. От глухих плотных тонов к светлой живописи. Фрагментальность композиций.

«Олимпия»- опирается на Тициана, Джорджоне, Гойя. Позировала Виктория Мюран. Венеру изображает современной кокоткой. В ногах черная кошка. Негритянка преподносит букет. Фон темный, теплый тон тела женщины как жемчужина на голубых простынях. Нарушается объем. Светотеневой моделировки нет.

«Завтрак на траве» - натурщица и два художника + пейзаж + натюрморт. Черные сюртуки образуют контраст с обнаженным телом.

«Флейтист» - впечатление от музыки.

«Бар Фоли-Бержер» - девушка – барменша. Трепетность подсмотренного момента. Одиночество бурлящего города. Призрачность счастья. Поставил ее во весь холст (недоступная в своих мыслях, но доступная клиентам бара). Полный зал посетителей – образ мира.

Клод Моне – отказался от традиционной последовательность (подмолевок, лессировка и т.д.) - аля-прима

«Впечатление. Восходящее солнца» - фиерия желтого, оранжевого, зеленого цвета. Лодка – зрительный акцент. Неуловимый, незаконченный пейзаж, нет контуров. Изменчивость световоздушной среды. Лучи света изменяют видение.

«Завтрак на траве» - опушка леса, впечатление от пикника, темно-зеленая гамма с вкраплением коричневого и черного. Листва получается влажная. Одежда женщины и скатерть освещены, наполнены воздухом, свет сквозь листву.

«Бульвар Капуцинок в Париже» - фрагментальная. Срезает двух человек, которые смотрят на бульвар с балкона. Толпа людей – жизнь города. Половина в свете от заходящего солнца, а половина в тени от здания. Нет зрительного центра, мгновенное впечатление.

«Скалы в Бель-Иль » - господствует подвижная масса воды(густые мазки). Радужные оттенки энергично нанесенные. Скалы отражаются в воде, а вода в скалах. Ощущение мощи стихии, кипение зелено- синей воды. Композиция с высоким горизонтом.

«Вокзал Сен-Лазар» - показан интерьер вокзала, но больше интересует паровоз и пар, который везде (увлечение туманом, сиреневым маревом).

Пьер Огюст Ренуар - художник радости, известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности.

«Качели» - пронизана теплым колоритом, показана молодость, девчушка под впечатлением.

«Бал в Мулен де ла Галлетт» - жанровая сцена. День. Молодые люди, студенты, продавщицы идр. За столиками под деревьями акаций, площадка для танцев. Световые переливы (солнечные зайчики на спинах).

«Портрет Жанны Самари» - женщины-цветы. Обаятельная, женственная, грациозная, трогательная, непосредственная актриса. Глубокие глаза, легкая солнечная улыбка.

«Портрет мадам Шарпантье с детьми» - элегантная светская женщина в черном со шлейфом платье и две девочки в голубом. Гобелены столик, собака, паркет – все говорит о богатстве семьи.

Эдгар Дега – не писал на пленере, культ линии и рисунка. Композиции по диагонали (от нижнего к верхнему)); S-образные, спиралевидные фигуры + окно из которого освещение + освещение от софитов. Масло, затем постель.

«Балетницы», «Танцовщицы» - вторгается в жизни балерин. Штрихи соединяют рисунок и живопись. Постоянный ритм тренировок.

«Голубые танцовщицы» - нет индивидуальности - единый венок из тел. В одном углу еще свет от рамп, а в другом тень кулис. Момент еще актрис и простых людей. Выразительные силуэты, васильковые платья. Фрагментальность – персонажи не смотрят на зрителя.

«Апсент» - мужчина и женщина сидят в кафе. Пепельная гамма. Мужчина с трубкой смотрит в одну сторону, а пьяная женщина с отрешенным взглядом - щемящее одиночество.

Камиль Писсарро – увлекается пейзажами, включая в них людей, повозки. Мотив дороги с идущими. Любил весну и осень.

«Въезд в деревню Вуазен » - неяркий, мягкий ландшафт, деревья вдоль дороги – обрамляют въезд, их ветки смешиваются, растворяясь в небе. Неспешно, спокойно идет лошадь. Дома не просто архитектурные объекты, а жилища для людей (теплые гнезда).

«Оперный проезд в Париже» (серия) – серенький облачный день. Крыши слегка припорошины снегом, мокрая мостовая, здания тонут в пелене снега, прохожие с зонтиками превращаются в тени. Окраска влажного воздуха обволакивает. Сиренево-голубые, оливковые тона. Мелкие мазки.

Альфред Сислей – стремился подметить красоту природы, эпическое спокойствие, присущ сельский пейзаж.

«Мороз в Лувесьенне» - утро, свежее состояниепредметы купаются в свете (слияние). Нет теней (тончайшие нюансы), желто-оранжевые цвета. Спокойный уголок, а не торопливый город. Ощущение чистоты, хрупкости, любви к этому местечку

В России импрессионизм. развивается в более позднее время и в ускоренных темпах, чем во Франции

В.А.Серов – равнодушен к академическому рисунку хочет показать красоту природы в цвете.

«Девочка с персиками » - портрет Верочки Мамонтовой. Все естественно и непринужденно, каждая деталь связана одна с другой. Прелесть девичьего лица, поэзия жизненного образа, светонасыщенная красочная живопись. Прелесть и свежесть этюда, органически соединились две тенденции, две силы, образовавшие единую форму живописного видения. Все кажется таким простым и естественным, но сколько в этой простоте глубины и цельности!! С предельной выразительностью В. Серов передал свет, льющийся серебристым потоком из окна и наполняющий комнату. Девочка сидит за столом и ничем не занята, словно действительно на миг присела, машинально взяла в руки персик и держит его, глядя на вас просто и откровенно. Но покой этот только минутный, и через него проглядывает страсть к резвому движению.

«Дети» - показывает духовный мир детей (сыновья). Старший смотрит на закат, а младший обращен к зрителю. Разный жизненный взгляд.

«Мика Морозов» - сидит в кресле, но скатывается на зрителя. Передается детская взволнованность.

«Хористка» - этюдность. Пишет сочными ударами кисти, широкие мазки в листве, мазки то вертикальные, то горизонтальные и различные по фактуре ⇒ динамичность, воздух и свет. Соединение природы и девушки, свежесть, непосредственность.

«Париж. Бульвар Капуцинок» - пестрый калейдоскоп цветов. Искусственная освещенность - зрелищность, декоративность театральность.

И.Э.Грабарь – волевое, эмоциональное начало.

«Февральская лазурь» - увидел березу с уровня земли и был потрясен. Перезвоны радуги объединены лазурью неба. Береза монументальна (во все полотно).

«Мартовский снег» - девушка несет ведра на коромысле, тень от дерева на подтаявшем снегу.

Импрессионизм открыл новое искусство - важно как видит художник, новые формы и способы подачи. У них мгновение, у нас – растянутость во времени; у нас меньше динамики, больше романтизма.

Мане Завтрак на траве мане олимпия

Мане «Бар Фоли-Бержер Мане Флейтист»

Моне «Впечатление. Восходящее солнца Моне «Завтрак на траве» - «Бульвар Капуцинок в Париже»

Моне «Скалы в Бель-Иль » Моне «Вокзал Сен-Лазар

Моне «Бульвар Капуцинок в Париже Ренуар «Качели»

Ренуар «Бал в Мулен де ла Галлетт» Ренуар «Портрет Жанны Самари»

Ренуар «Портрет мадам Шарпантье с детьми»

Дега «Голубые танцовщицы» Дега «Апсент»

Писсарро – «Оперный проезд в Париже» (серия) Писсарро «Въезд в деревню Вуазен »

Сислей «Мороз в Лувесьенне» Серов «Девочка с персиками»

Серов «Дети» Серов «Мика Морозов»

Коровин «Хористка» Коровин «Париж. Бульвар Капуцинок»

Грабарь «Февральская лазурь» Грабарь «Мартовский снег»