Искусство XX - XXI вв.

Живопись Как и современное искусство, современная живопись в нынешнем своем виде сформировалась в 60-70-е гг XX века. Шли поиски альтернатив модернизму, часто вводились и противоположные ему принципы. Французские философы ввели термин "постмодернизм", и к этому течению присоединились многие художники. Самыми заметными явлениями искусства 60-70х стали концептуальное искусство и минимализм. В 70е и 80е люди словно устали от концептуального искусства и понемногу вернулись к изобразительности, цвету и фигуративности. В середине 80х происходит подъем движений, использующих образы массовой культуры - кэмпизм, искусство ист-виллиджа, а также нео-поп. Расцветает фотография - всё больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения. На живописный арт-процесс большое влияние оказало развитие технологий: в 60-х - видео и аудио, затем - компьютеры, и в 90-х - интернет Работа из собрания Виктора Бондаренко

Актуальное искусство В России 90-х существовал термин «актуальное искусство», который, хотя и схож с термином "современное искусство", но не тождественен ему. Под ним подразумевалось новаторство в современном искусстве в идеях и технических средствах. Оно быстро устарело, и вопрос вхождения его в историю современного искусства 20-го или 21-го столетия открыт. Во многом актуальному искусству приписывались черты авангардизма, то есть новаторство, радикальность, новые техники и приемы. Работы из собрания Виктора Бондаренко Валерий Кошляков «Набережная» Дубосарский -Виноградов «Земля-чемпион»

Абстракционизм Абстракционизм (лат. «abstractio» - удаление, отвлечение) - направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма - достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Михаил Ларионов «Красный лучизм » Василий Кандинский « Зершёнесбильд » Малевич Казимир «Точильщик»

Кубизм (фр. Cubisme) - авангардистское направление в живописи 20 века, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Кубизм Пикассо « Авиньонские девицы» Хуан Грис «Гроздья винограда» Фернан Леже «Строители» Хуан Грис «Завтрак»

Сюрреализм Сюрреализм (фр. surréalisme - сверхреализм) - новое направление в живописи, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность - совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения. Сальвадор Дали «Искушение святого Антония» Макс Эрнст «Ангел очага или триумф сюрреализма» Рене Магритт «Сын человеческий» Войтек Сьюдмак «Мир грёз и иллюзий»

Модерн Моде́рн (от фр. moderne - современный) или ар-нуво (фр. art nouveau, буквально "новое искусство") - художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX - начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Альфонс Муха «Танец» Михаил Врубель " Царевна-Лебедь" А. Н. Бенуа «Маскарад при Людовике XIV » Михаил Врубель «Жемчужина»

Оптическое искусство Op-art – сокращенный вариант optical art –оптическое искусство) – художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Оп-арт. стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. Яков Агам «Новый пейзаж» Йозеф Альберс «Фабрика А» Бриджет Райли «Большой голубой»

Искусствознание, осмысливающее явления и исследующее процессы развития искусства 20 века , углубляющееся в их закономерности и выявляющее узловые моменты этих процессов, не в состоянии судить о них в целом по их конечным результатам. Историк искусства прошлых эпох вправе рассмотреть исследуемый им материал в свете проистекающих из него выводов и последствий и даже предварить ими основное изложение. Ничего подобного история искусства XX века не допускает. Ей противопоказаны попытки дать окончательные суждения о неоконченных процессах. Речь идет прежде всего о неосновательности неких всеобщих определений XX века как эпохи, изменившей чуть ли не всю природу искусства и учредившей навечно свой новый стиль. Обычно такие то тальные суждения выводятся из ка кой-либо одной из линий художест венного процесса, из эфемерных частных явлений, которые объявля ются началом новой эры. Примеров подобных опытов, равно как и по срамления их реальной историей искусства XX века, можно было бы привести немало. Свою роль здесь играет и то, что исследователь искусства 20 века сам погружен в его течение и наблюдает его, так ска зать, изнутри. При такой точке зре ния легко могут возникать своего рода оптические ошибки. Никто не обладает гарантией от них, а сами они в свою очередь составляют часть истории самоосознания худо жественной культуры 20 века .

Обстоятельства, в которых находится история искусства 20 века , предостерегают от соблазна сфор мулировать или кодифицировать во введении ее общие свойства. Спра ведливее будет ограничиться неко торыми историко-художественными предпосылками, на основе которых предстоит далее рассма тривать само искусство. Исходная предпосылка может быть представлена как постулат: искус ство XX века - искусство перелом ное, а не просто старый или просто ное, а не просто старый или просто новый период его истории. Непростительно наивным было бы видеть в нем либо только прямое и последовательное угасание прошлого, либо только линейное восходящее движение, все стилеобразующие начала которого уже сложились во всей несомненности, и остается лишь ждать созревания плодов или же - в наиболее сложных случаях - превращения гадкого утенка в прекрасного лебедя. Это искусство кризисное в изначальном, словарном смысле слова, выражающем наивысшую напряженность перелома. В его жизнедеятельности проявляются закономерности и умирания старого и развития нового. Это старое и новое (о том, что они означают, еще неоднократно придется вести речь ниже) не располагаются в элементарной последовательности, а действуют во взаимном пересечении, охватывающем глобальное пространство и обширное историческое время. В силу этих причин в искусстве 20 века с чрезвычайной и во многом определяющей силой распоряжаются законы, присущие именно и исключительно переломному времени. Они проявляются не только в том, что и как отражает искусство, например, в характерном для таких периодов аллегоризме как типе художественного мышления, выражающего новые идеи в старых формах, или в признании невозможности воплотить эти идеи в изобразительной форме; в развитии охранительских тенденций и новаторства, сопряженного с отрицанием прошлого, и т.п. Никак не в меньшей мере действие законов перелома сказывается в общем потрясенном состоянии, в которое приходит искусство, теряющее на великих исторических рубежах старую и обретающее новую почву для своего развития. В этих обстоятельствах с остротою, невиданной для классических эпох истории искусства, возбуждаются вопросы о том, что значит собой, для чего существует и что может искусство, а в числе ответов на них встречаются весьма примечательные для неклассического времени мифологизированное представление искусства о самом себе как о всевластной жиз-нестроительной силе и иконоборческое самоотрицание художественного творчества.

Искусство 20 века - не первая переломная, неклассическая эпоха во всеобщей истории искусств. С точки зрения классических эпох, создающих несомненные художественные ценности, гармонически соответствующие породившей их среде и эстетически полноценно решающие свои идейно-художественные социальные задачи, искусство неклассической поры выглядит во многих отношениях неудовлетворительным. Таким рисуется искусство 20 века в восприятии значительной части его современников; двусмысленно многое из того, что выдвигается как его позитивные ценности; искусство нередко проникается неудовлетворенностью самим собой и окружающей жизнью; весьма сомнительно также, всегда ли удовлетворительным образом оно выражает свою неудовлетворенность действительностью и т. д. Вместе с тем местоположение переломных эпох между эпохами, когда достигает пика подъем того или иного большого стиля или, что гораздо шире и значительнее, художественная культура целой социально-исторической формации, глубоко закономерно. И те и другие прочно связаны в единую цепь историко-художественного процесса, и обсуждение первородства классических или неклассических эпох было бы подобно спору о том, что изначаль-нее - курица или яйцо. Столь же закономерны противоречивость, неустойчивость, которые составляют специфическое качество искусства переломного времени. Изменения, переживаемые в такие эпохи, обнимают как внутреннюю структуру искусства, так практически и всю сферу его взаимоотношений с окружающим миром, в которой действуют отнюдь не только собственно художественные, стилевые, но и целый комплекс внести-левых сил. Они могут быть сгруппированы по трем крупным направлениям: идейно-художественная проблематика, вопросы социально-исторической природы искусства, особенности национального и интернационального характера. Все они отвечают истории искусства, укоренены в ней и существуют во взаимосвязанном виде. Очевидно, что такие события, как появление новых отраслей художественного творчества, перестройка жанрово-видового состава изобразительного искусства, типологии архитектурных сооружений, возникновение национальных школ, развитие международных художественных движений и многое иное, касающееся идейного строя, форм и функций искусства, никак нельзя свести только к эволюции стиля, проходящей своим собственным, относительно самостоятельным порядком. Каждой из переломных эпох свойственна своя специфика названных нами трех аспектов истории искусства и их взаимоотношений. Социально-историческую панораму искусства стран и народов мира образуют в XX веке художественные культуры самых различных типов: от первобытного по характеру творчества народов и племен, находящихся на уровне родо-племенного строя, и от средневековых по типу художественных культур до разнообразных высокоразвитых современных культур. Историко-художественные свойства всех этих разных искусств существуют на земном шаре одновременно, образуя собой неотъемлемые разделы художественной культуры 20 века .

С точки зрения национальной и интернациональной проблематики искусство 20 века выглядит многоликой панорамой национальных искусств, их региональных общностей и международных художественных движений. В своем целом они образуют систему, которую вполне можно назвать мировым искусством. В XX веке эта система охватывает собой все, что существует в художественном творчестве на географической карте мира. На ней не остается более "белых пятен", исчезают своего рода зоны молчания, в которые европоцентристская всеобщая история искусства склонна помещать художественные культуры, чуждые европейскому эстетическому опыту. Мировое искусство XX века интегрирует искусства практически всех этнических, региональных типов, какую бы социально-историческую типологию они ни представляли. Включаясь в кругооборот международной художественной жизни, каждое из национальных искусств, великое или малое, развитое или отсталое в историческом смысле, утверждается как современная эстетическая ценность, наделенная в жизни мирового искусства теми же значением и неповторимостью, какими обладают создавшие его нации, народы, страны в современном существовании всего человечества. Эта ценность не измерима путем сопоставления национальных преимуществ: теории "избранных" и "неполноценных" национальных культур служат здесь самым низким националистическим и шовинистическим, расистским целям. Историко-художественные же свойства того или иного национального искусства, напротив, предполагают вполне точные измерения. Таким образом, панорама мирового искусства 20 века , рассматриваемая в свете социальной и национальной проблематики, обнаруживает нечто, в высшей степени примечательное. Взаимоотношения образующих ее искусств, различных по социально-исторической типологии и национальному характеру, имеют двоякую природу. Диахронную, отвечающую их местоположению и роли в историческом развитии художественной культуры человечества, и синхронную, поскольку все они связаны друг с другом как современники одной и той же эпохи. То есть, совмещенные в одном хронологическом периоде, художественные культуры соотносятся друг с другом и как старое и новое, в соответствии со своим историческим генезисом, и как одновременно существующие социальные и национальные художественные силы, взаимодействие и контакты которых происходят на одном поле и сплошь и рядом заключаются в столкновении разных ответов на одни и те же вопросы. Из этих предпосылок проистекают определенные методологические выводы. Соответственно природе явления исследование искусства 20 века предполагает сочетание диахронного и синхронного подходов, их взаимную коррекцию. Оба они существенно необходимы, но каждый из них, взятый в самодовлеющем виде, может дать искаженную картину. Так, диахронный анализ, без которого немыслимо представить себе историческое развитие, выявить в нем прогресс и реакцию, склонен распределить все, что происходит в искусстве нашего времени по расположенным одна над другой ступеням последовательной эволюции, где одно плавно проистекает из другого, скрывая при этом множество реальных связей, соединяющих современные художественные явления. Как в музейной экспозиции, искусство распределяется по разным залам идеально-эволюционной анфилады, заставляющей забывать о том, что в них представлены соратники и противники, не раз преломлявшие копья в эстетических баталиях. Синхронный анализ, позволяющий уловить актуальное значение и взаимоотношения явлений современного искусства, различных по своей социально-исторической природе, национальному характеру, идейно-художественному строю, тяготеет к тому, чтобы представить их в виде статического многообразия. Как в экспозиции выставки современного искусства, здесь наглядно раскрываются сходство и различие, связи и борьба художественных сил, но из этого никак не явствует, в каких направлениях и последовательности движется развитие искусства и происходит ли оно вообще. Позволительно заметить, что сочетание диахронного и синхронного подходов играет немаловажную роль и при изучении искусства прошлых эпох. Особенно для освещения переломного времени, например для понимания ренессансных и позднесредневековых движений, существующих в одно время. Для исследования же искусства XX века такое сочетание имеет чрезвычайное значение, поскольку в это время приобретает невиданную ранее интенсивность и сложность процесс всеобщей интернационализации художественных культур. Было бы наивным объявлять какую-либо одну причину источником глобальных историко-художественных процессов XX века. История искусства нашего века переживает на основных своих рубежах целые комплексы социальных, национальных и стилевых преобразований. Эти комплексы причин определяют этапы развития истории искусства, приобретают основоположное значение ее периодизации. Первый этап завершается в 1917-1918 годах, в эпоху первой мировой войны и Октябрьской революции в России, когда мировая художественная культура пережила принципиальный перелом. Второй этап истории искусства 20 века приносит не только сложные стилевые сдвиги. За ними стоят коренные изменения социальной структуры, а также перестройка регионального деления мировой культуры 20 века . С 1917 года формируется советская художественная культура, развивающаяся на собственной социальной основе, обретающая свою политическую функцию и стилевую направленность. По этим причинам анализ и оценка искусства народов СССР, его идеологические и художественные начала, свобода и тоталитарность, закономерности и аномалии рассматриваются в "Малой истории искусств" отдельно. Кроме того, здесь лишь бегло отмечены тенденции искусства других тоталитарных режимов, распавшихся в 1945 году. То есть эти разделы истории искусства 20 века останутся за пределами этой книги. Третий этап, начало которому можно отсчитывать с 1945 года, ознаменован рождением мировой системы искусства, включающей в себя многонациональные и национальные художественные культуры, различные по социальной структуре и многообразные по стилевой ориентации. Видоизменения, которые претерпевает мировое искусство 20 века от этапа к этапу своего развития, концентрируются в стилевых, идейно-художественных явлениях и процессах. Попытка охарактеризовать все их сразу была бы явно бесплодной - этому предмету посвящена вся книга в целом. Сейчас целесообразно отметить лишь некоторые предварительные положения. А именно, не представляется возможным определить некий общий единый стиль мирового искусства в 20 веке и расположить в едином ряду стилевой эволюции все составляющие его художественные движения. Так, скажем, фовизм либо кубизм не является следствием развития реализма рубежа XIX-XX веков или же неореализм конца 40-х годов не проистекает из абстракционизма или неоклассики 30-х годов и т. д. Более того, ни один из существующих в искусстве 20 века даже самых крупных рядов стилевой эволюции не исчерпывает собой всего его развития и не охватывает это развитие в целом. Так, например, казалось бы, привычная линия движения от постимпрессионизма к абстракционизму отвечает только одной стороне истории художественного процесса XX века. За пределами развития реализма также остается немалое число весьма существенных явлений. Очевидно, стало быть, что в мировом искусстве 20 века , как это естественно для художественной культуры переломной эпохи, в которой действуют различные социально-исторические, национальные и международные силы, развитие идет несколькими рядами. Каждому из них свойственны свои закономерности, а взаимоотношение таких рядов стилевого движения соединяет в себе диахронные и синхронные начала. Лишь в своей совокупности и взаимодействиях все они образуют историю искусства 20 века .

Можно отметить также разный характер таких стилевых движений, новых и традиционных, возрастающих и угасающих, локальных и общезначимых, глубоких и поверхностных, строго соответствующих социальным или национальным условиям, в которых они развивались, или формализованных, допускающих наполнение различным социальным содержанием и различную национальную интерпретацию. Надо быть готовым и к тому, что реальная история искусства 20 века покажет, как одни из художественных движений, возникнув взрывоподобным образом, быстро исчерпывают себя, как, например, кубизм, другие же устойчиво существуют на протяжении всех десятилетий XX века, лишь видоизменяясь на тех или иных этапах и в различных социальных и национальных условиях, как, например, неоклассика. В силу этих обстоятельств момент, когда возникает то или иное движение, далеко не всегда определяет его место в истории и художественных процессах XX века. Нередко более важную роль играет длительность жизни таких движений. Все это опять-таки составляет предмет конкретного изучения истории искусства 20 века , понимание которой сопряжено также с понятиями, имеющими гораздо более общее значение, чем свойства какого-либо художественного направления. Таким образом, надлежит вновь и вновь отдать себе отчет в историчной природе социальных, национальных, стилевых сил мирового искусства 20 века . Каждая из них и все они в совокупности являются именно историчными, а не вечными, конечными, абсолютными. Мы видим, как возникают и распадаются идейно-художественные системы 20 века, претендующие на высшее, исчерпывающее значение. В своем самообольщении они противопоставляют себя глобальным историко-художественным процессам, вычленяются из них, считают себя венцом всего социального, национального и стилевого мирового опыта искусства. С этими предостережениями мы обратимся далее к многосложному искусству 20 века .

В апреле 2016 г. на ВДНХ (в пав-не №66 «Культура») состоялось открытие выставки «Всегда современное. Искусство XX–XXI вв.», которая знакомит зрителей с самыми знаковыми художественными произведениями отечественных мастеров изобразительного искусства, среди которых и признанные классики начала ХХ в., и культовые современники наших дней.

Несмотря на тот факт, что вошедшие в экспозицию полотна написаны в разные годы истории нашей страны и принадлежат к разным стилистическим художественным направлениям, организаторы проекта подчеркивают, что картины не то что не противоречат друг другу, а даже напротив - они как бы вступают в диалог.

Выставка разделена на три части, в центре внимания каждой из которых - различные художественные решения и стилевые поиски, запросы времени и ответы на них самих авторов.

Искусство первой половины ХХ в. русского авангарда

В этом разделе вниманию аудитории представлены художественные произведения русского авангарда, совершившие настоящую революцию в представлении о задачах изобразительного искусства. Здесь можно увидеть картины Г. Носкова, И. Клюна, А. Грищенко, М. Ле-Дантю, И. Малютина и других в стиле неоимпрессионизма, кубизма, сезаннизма, кубофутуризма, супрематизма и прочих направлений.

Русское искусство 1960-80-х гг.

Данный раздел выставки рассказывает о художественных произведениях 1960-80-х гг. В советском изобразительном искусстве тех годов одновременно с соцреализмом существовали и различные его стилистические модификации - к примеру, так называемый «суровый стиль». Также здесь вниманию зрителей представлены и такие направления живописного искусства, как экспрессионизм, фотореализм, сюрреализм, фантастический реализм и др. В этом разделе посетители познакомятся с творчеством О. Булгаковой, А. Ситникова, Н. Нестеровой, Л. Нагеля, Л. Семейко, Т. Салахова и мн. др.

Творчество наших современников

Этот раздел знакомит зрителя с работами современных художников периода конца ХХ – ХХI вв. Вошедшие в экспозицию работы демонстрируют, как в наши дни различные стили в живописи стали настоящими инструментами художественного языка, а сами мастера, формируя его, цитируют известнейшие работы своих предшественников и используют в своей творческой деятельности уже узнаваемые приемы. В данном разделе выставки собраны произведения таких известных художников современности, как И. Макаревич, Э. Булатов, И. Нахова, Г. Гурьянов и др.

Реферат по учебной дисциплине "Культурология"

на тему: "Русская живопись XX-XXI веков".

План

1. Введение.

2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.

3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.

4. Живопись России XXI века.

5. Заключение.

6. Список литературы.

1. Введение.

Русская живопись ХХ - XXI веков - чрезвычайно сложное явление, в котором переплелись различные направления, жанры, имена, события, объединения. Всё вместе это составляет довольно пёструю картину, отражающую все те перемены и тенденции, которые происходили в российском обществе.

Отечественная живопись - это целая панорама, несущая в себе не только внешнее эстетическое изображение, но и внутреннее духовному богатству. Каждый из значимых представителей отечественной живописи заслуживает своего зрителя и своего исследователя. И даже картины соцреализма, которые сегодня ввиду перемены идеологии могут показаться чуждыми современному человеку, не должны исключаться из изучения и эстетической программы по нескольким причинам. Они оказываются свидетелем и воплощением исторических событий недавнего прошлого. Но также эти полотна ценны и по своим художественным качествам. Этого нельзя отрицать и перечёркивать.

Всплеск интересных явлений в живописи 70 - 80 гг. свидетельствует о том, что в отечественное искусство таило в себе немалый потенциал, который, несмотря на все препоны и запреты, сумел прорваться наружу.

Всеобщий упадок 90-х годов тоже не стал полным препятствием для развития живописи. Множество наносного и бездарного со временем начало уходить, а 2000-е, благодаря коренному перелому, получили возрождённые меценатские и духовные традиции. Сегодня для развития живописи есть все условия: отсутствие запретов, множество учебных заведений, возобновлённая практика частных заказов, огромное количество галерей, в которых можно выставляться. Главное слово у новой российской живописи ещё впереди.

2. Основные направления в живописи XX века и яркие их представители.
Закат Российской империи сопровождался - в широком смысле - противодействием светлого и тёмного начал. Культура, являясь своеобразным индикатором на перемены в обществе, немедленно откликнулась на происходящее в стране.

Вместе с произведениями эпохи Серебряного века, которые обладали несомненной эстетической и художественной значимостью, было немалое количество ничего не значащих картин. Очень часто эксперименты в области живописи буквально переходили грань, за которой терялись нравственные ориентиры и создавались произведения, по сути своей враждебные человеку.

Во избежание путаницы в многочисленных модных тенденциях, возникших в начале ХХ века, их разделили на два основных направления - авангард и модернизм.

Начало ХХ века - это торжество Серебряного века, наступление которого ознаменовалось рождением художественного объединения «Мир искусства». В него вошла элита того времени, лучшие критики, публицисты, музыканты и, конечно, художники этого периода: А.Н. Бенуа (1870 - 1960), М.В. Добужинский (1857 - 1957), Л.С. Бакст (1866 - 1924), К.А. Сомов (1869 - 1939), Е.Е. Лансере (1875 - 1946) и другие - каждый из них привносил в эту группу единомышленников что-то своё. Их стали называть «мирискусниками», подчёркивая и принадлежность к содружеству, в котором они состоялись, и одновременно отдавая им должное как создателям феерии бесконечных фантазий, стилизаций импровизаций.

Деятельность «мирискусников» была направлена против творчества передвижников. Они считали их традиции отжившими. К главным фигурам объединения принадлежал и С.П. Дягилев (1872 - 1929), несмотря на то, что он не был художником. Однако благодаря именно ему организовывались регулярные выставки участников «Мира искусств», а позже начал издаваться и одноимённый журнал, каждый номер из который можно назвать шедевром. Концепция «Мира искусства» - это соединение старых дворянских традиций и культуры разночинцев. Диапазон их деятельности был широк, он включал в себя и иконопись, и современную живопись.

Другой гранью русского искусства начала ХХ века был символизм. Художники этого содружества были объединены в группу, носившую название «Голубая роза» - по названию своей выставки в 1907 году. Свою цель символисты видели в напоминании людям о другой жизни - высокой, недоступной, той, что находится в горнем мире. Задачей символистов было приобщение своих зрителей к этой жизни, олицетворяющей прекрасное. Участниками содружества были С.Ю. Судейкин (1882 - 1964), Н.П. Феофилактов (1878 - 1941), М.А. Борисов-Мусатов (1870 - 1905), М.А. Врубель (1856 - 1910), М.С. Сарьян (1880 - 1972) и другие.

Ещё одним крупным художественным явлением следует назвать содружество «Бубновый валет». Представители объединения - московские художники - объединились вместе для того, чтобы осуществить поиски истинного искусства, заключавшегося, по их мнению, в постимпрессионистском пути. При этом они допускали и поддерживали и другие направления в искусстве - фовизм, кубизм, примитивное народное искусство, в том числе, и русский лубок. Организатором «Бубнового валета» следует назвать М.П. Ларионова (1881 - 1964), а самыми выдающимися участниками - П.П. Кончаловского (1876 - 1956), А.В. Куприна (1880 - 1960), братьев Бурлюков, И.И. Машкова (1881 - 1964), Р.Р. Фалька (1856 - 1958), А.В. Лентулова (1882 - 1943).

Вызов всем направлениям бросили авангардисты, которые стремились к отказу от всех предыдущих правил и норм. Цвет русской авангардной живописи - это М. Ларионов, Н. Гончарова, В. Кандинский, К. Малевич, П. Филонов. Провозгласив новое свободное искусство, они с энтузиазмом устраивали шумные встречи в московском Политехническом музее, где происходили их горячие дискуссии по поводу искусства.

Представители авангардизма каждый по-своему создавали сложный калейдоскоп из цветовых пятен, распадавшихся на углы, линии, яркие точки фигур, всё дальше уходя от реального мира и узнаваемого изображения. Парящие над городом люди на картинах М. Шагала, кубистские настроения Р. Фалька, конструирующие свои портреты и натюрморты на объёмных, преломлённых на плоскости форм; карта Северного полушария под потолком Исаакиевского собора П. Филонова - все эти опыты свидетельствовали об отказе от привычных изображений, стремлении к беспредметности [Соловьёв; 606 - 607].

Несмотря на все эти яркие проявления новых стилей и направлений, нельзя сказать, что реализм остановился в своём развитии. В начале века всё ещё продолжали творить И.Е. Репин (1844 - 1930), В.А. Серов (1865 - 1911). Уникальнейшими мастерами того времени, навсегда вошедших в историю искусства, являются М.А. Врубель (1856 - 1910), в картинах которого магическим образом переданы красота мира, тайна жизни человека и величие его духа; К.А. Коровин (1861 - 1939), сумевший на своих полотнах мастерски передать неуловимое, мгновенно промелькнувшее и ускользающее впечатление игры и света; В.Э. Борисов-Мусатов (1870 - 1905) - представитель символизма и певец созерцательности, мягкой грусти и поэтичности.

Корифеем русской живописи является Б.М. Кустодиев (1878 - 1927), на картинах которого навеки запечатлён быт российской провинции и роковые последствия революционных событий. Со вкусом и сочностью написанные сцены из жизни купцов и мещан производят невероятное впечатление своей свежестью и праздничностью.

Значительный вклад в развитие живописи внесло объединение под названием «Союз русских художников», в состав которого входили А.Е. Архипов (1862 - 1930), К.А. Коровин (1861 - 1939), Л.В. Туржанский (1875 - 1945), С.А. Виноградов (1869 - 1938), К.Ф. Юон (1875 - 1958), С.Ю. Жуковский (1873 - 1944) и другие. Участники этого объединения предпочтение отдавали пейзажу, органично продолжая традиции этого жанра, тянущиеся из XIX века.

Логичным было появление и объединения, являющегося порождением эпохи. В 1922 году была образована АХРР - Ассоциация художников революционной России. Назначение своё они видели, согласно декларации, в живописном документировании процесса становления и формирования Советской России в реалистическом ключе. Ассоциация отвергала авангардные и иные изыскания. В Ассоциацию входили П.А. Радимов (1887 - 1967), Е.А. Кацман (1890 - 1976), Г.К. Савицкий (1887 - 1949), Е.М. Чепцов (1874 - 1950), И.И. Бродский (1884 - 1939), Ф.С. Богородский (1895 - 1959), А.М. Герасимов (1881 - 1963) и другие.

В дальнейшем это направление станет главенствующим на долгие годы. Ассоциация просуществовала до 1929 года, но её распад не означал окончание «документирования» советской жизни, а напротив, её активное продолжение. В 30-х гг. ХХ века укоренился соцреализм. О неофициальных течениях в живописи уже не было и речи. Более того, искусство теперь проходило отбор и по идейно-идеологическим критериям. Главным в нём стало не стиль, манера, художественный язык, а партийность и выражение социалистической идеи построения общества.

В этот период выдвигаются такие художники, как А.А. Дейнека (1899 - 1969), Б.В. Иогансон (1893 - 1973), Ю.И. Пименов (1903 - 1977). Среди направлений главенствующим делается станковая и монументальная живопись. Однако отвоёвывает себе место и исторический жанр (С. Герасимов), и народная тема (А. Пластов), и бытовой жанр (Ю.И. Пименов), и портретный (П.П. Кончаловский, М.В. Нестеров, П.Д. Корин). Однако по-прежнему в русской живописи остаются уникальные мастера, находящиеся в непрерывном поиске (К.С. Петров-Водкин, 1878 - 1939).

В 40-е годы развитие живописи, как и других видов искусств, подчинено основному трагическому событию этого времени - Великой Отечественной войны. В этот период развивается не только живопись на героическую тематику, но и карикатура, плакат (ярчайшие представители - Кукрыниксы), а также художники, вошедшие в студию военных художников имени М.Б. Грекова (1882 - 1934). Батальная живопись находит в их работах достойное воплощение (А.А. Дейнека, А.А. Пластов, К.Ф. Юон, П.Д. Корин, А.П. Бубнов).

В 1930-х. гг. развитие соцреализма продолжается. Наиболее крупные художники этого периода предпочитают исторические темы, вследствие чего на первый план выходит историко-революционный жанр. Прошедшая война обострила патриотические чувства художников, чем и объясняется их интерес к истории отечества и её сюжетам.

Находит своё отражение ленинская тема (В.А. Серов «Ходоки у Ленина»; коллективная работа под руководством Б. Иогансона «Выступление В.И. Ленина на III съезде комсомола»).

Отмечается интересный синтез бытового и исторического жанров (Б.М. Неменский, Ю.М. Непринцев, А.И. Лактионов). Как особое проявление жизни советских людей, переживших войну и отвоевавших победу, возникает тема мирного труда и мирной жизни. Эти полотна наполнены светом, счастьем, тихой радостью. Таковы картины А.А. Пластова, Т.Н. Яблонской, С.А. Чуйкова.

Установление мирной жизни позволило вновь обратиться к радостям жизни, красоте родной природы, вследствие чего приобретает своё первоначальное значение пейзажный жанр в своём лирическом прочтении (в противовес фоновой функции на батальных полотнах времён Великой Отечественной войны). В этом плане талантливо проявляют себя Г.Г. Нисский, Н.М. Ромадин, В.В. Мешков. В портретном жанре по-прежнему лидирует П. Корин. Период 40-х гг. знаменателен ещё и тем, что на живописном поприще практически не появляются, и все достижения базируются на опыте и мастерстве уже устоявшихся художников.

50 - 60-е гг. - это формирование новых тенденций в живописи. Художники с прогрессивными взглядами стремятся к новизне, идеологических оков, парадности, помпезности. Целью мастеров нового поколения становится адекватная передача действительности, однако не в грубой и прямой форме, а посредством через гражданственно-романтический флёр. Им важно было передать свои идеи через индивидуально-образное воплощение.

На живописной арене совместно действовали как молодые художники, стремящиеся к импрессионистскому началу в своих работах, ярко выраженной непосредственности, так и старые мастера, проявившие себя в предыдущие десятилетия. Среди новшеств 60-х гг. - появление т.н. «сурового стиля», представители которого в своём творчестве отражали суровую действительность, но опять-таки через романтическую призму. Таковы полотна А. и П. Смолиных («Полярники», «Стачка»), П.Ф. Никонова («Стачка»), Н. Андронов «Плотогоны».

Не остаётся без внимания и портретный жанр. В этом плане примечательны имена Т.Т. Салахова, И.А. Серебряного, Д.Д. Жилинского и, конечно, П.Д. Корина.

Историческая тема в 60-е годы начинает звучать в современном воплощении. Здесь крупнейшим художником оказывается Г.М. Коржев (1925 - 2012), творчеству которого присущи обострённость чувств и драматизм.

Примечательно творчество В.Е. Попкова (1932 - 1974), который отличался не только особым, гражданственным настроем своих картин, но и постоянными творческими поисками («Двое», «Ой, как всех мужей побрали на войну», «Мой день»).

Деревенская тема расцветает в творчестве В.И. Иванова (р.1924), гармонично соединившего в своих произведениях тонкий лиризм и композиционную чёткость. Тема деревни находит своё продолжение и в живописи 70-х гг., как и монументальное направление в живописи, которое было свойственно и шестидесятым и семидесятым годам. Без монументальной живописи невозможно было себе представить различные новые постройки, комплексы и другие урбанистические объекты.

70 - 80-е гг. - время выхода на авангардные позиции искусства ряда новых мастеров, среди которых выделяется имя Т.Г. Назаренко (р. 1944), которая вошла в советское искусство вслед за такими крупными живописцами, как Виктор Попков, Гелий Коржев, Виктор Иванов. Назаренко продолжила развитие современной тенденции реализма в изобразительном искусстве. В широком спектре разнообразных творческих устремлении живописцев этого периода заметна её тяготение к традициям прошлого и особенно к живописи раннего Возрождения и фольклору. Среди новых имён 70-х - А.Н. Волков, О.В. Булгакова, А.Г. Ситников, Н.И. Нестерова, В.С. Орлов.

В живописи 70 - 80-гг. наблюдается разностилье, тяготение к символистическому выражению, отказ от строгих правил и канонов, размывание жанровых границ. Интересным проявлением этих годов является развитие неофициального искусства, андеграунда. Работы представителей этого жанра зачастую экспонировались за рубежом. Это искусство не признавалось властями, подвергалось преследованию со стороны официальных кругов.

Неофициальное искусство в основу свою положило сложный художественный язык. От зрителя требовались интеллектуальные усилия, чтобы понять такое искусство. Ярким носителем такой альтернативной культуры явилось течение под названием соц-арт, представителями которого традиционно считаются В.А. Комар, А.Д. Меламид, В.С. Орлов, Л.П. Соков, А.С. Косолапов, Д.А. Пригов.

Во второй половине 80-х гг. противостояние официальной и альтернативной культур достигает своего пика. Несмотря на эти тенденции, продолжают своё активное развитие традиционных жанров: портрета, пейзажа, натюрморта. Крупнейшими мастерами портретного жанра являются И.Я. Глазунов (р. 1930), который, впрочем, проявил себя и в историческом и других жанрах; А.М. Шилов (р. 1943).

Эти же имена продолжают звучать и в живописи 90-х гг. В этот период происходит смена ориентиров практически на официальном уровне. Общественная проблематика, тема труда и деревни уходят в прошлое. На их реалистического направления и свойственных ему жанров: натюрморта, пейзажа, бытовых изображений, портреты. Начинает возрождаться живопись на заказ, в том числе, и частный. В этом контексте особенно активно проявляет себя Н.С. Сафронов (р. 1956).

Можно отметить и возвращение на полотна в качестве героев «запрещённых» исторических личностей - царской семьи, святых, различных исторических деятелей, представителей русской православной церкви, генералов-белогвардейцев.

Открываются новые галереи, в том числе, и частные (например, галерея М. Гельмана). В этих учреждениях получают возможность выставляться как молодые художники, так и уникальные коллекции, собираемые веками.

Таким образом, можно сказать, что русская живопись ХХ века совершила своеобразный круговорот: от разнообразия стилей, имён, жанров и противоречий она прошла сквозь официоз советского периода для того, чтобы в конце ХХ - начале XXI века вернуться к спорам, противоречиям и поискам.

3. История создания ГМИИ А. С. Пушкина.

ГМИИ А.С. Пушкина - это осуществление всероссийской мечты об общедоступном музее. Его история началась в 1886 году с момента объявления о конкурсе на лучший проект здания, предназначенного для музея изящных искусств. Важнейшая заслуга в задумке и осуществлению этого проекта принадлежит И.В. Цветаеву (1847 - 1913). Первой премии конкурса был удостоен Г.Д. Гримм (1865 - 1942).

Строительство здания музея осуществлялось по новейшим достижениям техники в этой области. Было решено придать будущему музею облик античного храма. Кроме того, музей этот, по концепции И.В. Цветаева, должен был нести не только эстетическую, но и познавательную функцию.

Музей изящных искусств был открыт в 1912 году. Дата открытия была рассчитана специально, ведь в этом году отмечалось столетие Отечественной войны 1812 года. Рождение «цветаевского» музея вывело важность русских музеев на совершенно иной - социальный уровень. Кроме того, дело Цветаева содержало в себе важнейшее нравственное и идейное начало, ведь музей был создан не по личной прихоти, а на основе научной мысли, с расчётом на будущие поколения. На открытии музея присутствовала императорская чета.

Цветаев сам подготовил и руководителей музея в лице своих учеников - Н.И. Романова (1867 - 1948) и В.К. Мальберга (1860 - 1921), которые не изменяли научной концепции своего учителя и развивали учреждение именно в этом ключе. В 20-х гг. именно Романов осуществил реорганизацию музея, способствующую его преобразованию из университетского собрания коллекций в музей мирового уровня.

Ещё с университетских времён, когда музей ещё существовал на основе Кабинета изящных искусств, в его собрании имелась великолепная коллекция античных предметов: монеты, скульптуры, вазы и т.д. Приход Цветаева способствовал тому, что кабинетная коллекция выросла до уровня музея изящных искусств. До определённого момента музей базировался именно на античном искусстве, коллекция которого активно пополнялась Цветаевым, которые заказывал слепки с оригиналов из разных стран мира.

Параллельно с этим шёл и другой важный процесс - формирование коллекции из произведений живописи, графики, скульптуры, декоративного искусства. Во многом её пополнение происходило за счёт частный коллекций (В.С. Голенищева, М.С. Щёкина, С.С. Пенского, А.А. Бобринского, Д.А. Хомякова и даже великой княгини Елизаветы Фёдоровны).

Благодаря этим дарителям, коллекция музея обогатилась экспонатами различных жанров, принадлежащих европейскому и русскому искусству. Пополнение коллекций происходило параллельно с расширением и реконструкцией здания музея. Благотворителями проекта выступали крупнейшие меценаты, предприниматели и коллекционеры.

Музей изящных искусств среди других выделяло принципиальное новшество, а именно - чтение курса по истории искусств, связанное с содержанием музейных коллекций. Впоследствии кафедра истории искусств Московского университета превратилась отделение искусств, а сам предмет приобрёл самостоятельность.

Музей стал очень популярным у публики практически с первых дней открытия. Примечательно, что И.В. Цветаев оставался директором музея вплоть до своей смерти в 1911 году. В период его правления музей процветал.

С приходом советской власти музея коснулись ожидаемые перемены. Влияние новой идеологии не обошло ни одно из учреждений культуры. Произошло перераспределение ценностей, в том числе и из других музеев (например, из ликвидируемого Румянцевского музея). Частные коллекции Д.И. Щукина, Г.А. Брокара активно вливались в фонды цветаевского музея. На этой основе Н.И. Романов и создал новую экспозицию музея, базирующуюся на научных принципах. 10 ноября 1924 года состоялось открытие первых залов.

При этом процесс передачи в галерею экспроприированных и национализированных коллекций продолжался до 1930 года. Поступали экспонаты и из других музеев - Третьяковки, Исторического, Эрмитажа и других. Таким образом, собралась великолепная и практически не имеющая аналогов коллекция. В 1932 году произошло новое переименование музея, который стал Государственным музеем изобразительных искусств, а в 1937 году ему было добавлено имя А.С. Пушкина.

В период Великой Отечественной войны экспонаты музея большей частью были перевезены в Новосибирск. К сожалению, само здание было частично разрушено бомбёжками, и в 1944 году начались работы по его восстановлению. После войны сотрудники музея продолжили научную деятельность, начатую его основателями. Они вели работу по популяризации искусства, и археологические раскопки. В 50-е гг. фонды музея пополнялись во многом за счёт археологических находок.

В 1949 году был закрыт ГМНЗИ, и его экспонаты были направлены в фонд Пушкинского музея. Это больше восьмисот скульптурных работ мастеров Западной Европы и США, а также больше трёхсот живописных полотен художников различных стран. Это обстоятельство ещё более укрупнило статус музея. Однако широкий зритель получил возможность увидеть эту уникальную коллекцию лишь в 1974. В период с 1949 по 1953 гг. большая часть залов была занята подарками И.В. Сталину. После смерти вождя постоянная экспозиция, значительно обновившись, вновь стала открытой для посетителей. С этого момента начинают проводиться одна за другой выставки отечественного и зарубежного искусства.

Весьма крупными событиями, произошедшими в Пушкинском музее во второй половине ХХ века, считаются экспозиция спасённых полотен Дрезденской галереи и выставка П.Д. Корина, а также создание Отдела личных коллекций (по инициативе И.А. Антоновой).

Сегодня в музее имени А.С. Пушкина существует четыре основных вида экспозиций: слепков, античности, эпохи Средних веков и Возрождения - первый; оригиналы древнего искусства - второй; непосредственно картинная галерея, включающая полотна XVIII - ХХ веков, ровно, как и скульптуру - третий; и личные коллекции - четвёртый.

Музей ведёт активную просветительскую и учебную работу, в том числе, для детей и юношества; содержит в себе библиотеку. Всего в этом культурно-просветительском заведении насчитывается больше шестисот семидесяти тысяч произведений искусства. Это предметы живописи, графики, декоративного искусства, скульптуры, нумизматики, археологических памятников, художественной фотографии. Сегодня ГМИИ им. А.С. Пушкина включён в число особо значимых и ценных культурных объектов.

4. Живопись России XXI века .

О современной живописи XXI века ещё рано делать заключения и подводить итоги. Можно отметить одну общую тенденцию - современная живопись активно развивается по регионам, и практически в каждой области есть когорта мастеров, представляющих интерес для искусства.

Живописные направления представлены во всём своём многообразии. Помимо традиционных направлений, появились совсем новые, связанные с развитием компьютерных технологий или с другими проявлениями современности. Имеются в виду такие новаторские проявления, как фантастический реализм, минимал-арт, фотореализм, различные ответвления абстракционизма, стакизм, оптическая живопись, метафизическая живопись, наивное искусство.

Трудность заключается в том, что времена строгого отбора прошли. Сегодня не образование, не исключительный талант являются гарантией пропуска в мир искусства, а эпатаж и вызов. Зачастую за картинами современных художников, во главу угла ставящих именно эти принципы, ничего не стоит (ситуация напоминает противоречия Серебряного века).

Живопись XXI века содержит в себе очень много имён - представителей перечисленных направлений, но их значимость ещё предстоит оценить.

5. Заключение.

На основании всего вышесказанного можно сделать ряд заключений. Начало ХХ века ещё охватывает Серебряный век - последний пышный расцвет русской культуры перед мрачным засильем революционной идеологии. Серебряный век дарует искусству живописи множество гениальных имён, направлений, активное развитие жанров.

Начало советского период делит живопись на два конфликтующих лагеря - авангард и соцреализм. Последний период выходит из этой борьбы победителем и на долгие годы остаётся им. Однако назвать этот лагерь однородным нельзя. Входящие в Ассоциацию художников революционной России живописцы были очень талантливы и оставили после себя достойное наследие. То же самое можно сказать и о советских художниках-живописцах. При этом среди представителей соцреализма было немало и противоположных примеров.

В дальнейшем каждый исторический этап влиял на живопись и её развитие. 30-е гг. - это время воспевания социалистического строя; 40-е - отражение героической борьбы советского народа, развитие исторического и батального жанров; 50 - 60-е гг. характеризуются активизацией художественной жизни, воспеванием мирной жизни и труда. 70 - 80-е гг. - период обострения конфликта между официальной и неофициальной живописи, активизация неформальных художников-авангардистов, желающих сказать своё слово в искусстве, несмотря на запреты.

90 - 2000-е гг. отличаются как множеством событий и перемен, так и кризисным состоянием, наступившим в живописи. На сегодняшний момент наблюдается переизбыток имён, среди которых есть и талантливые представители и конъюнктурщики. Но история показала, что потенциал отечественного искусства неисчерпаем, и оно способно развиваться в любых условиях. Следовательно, история российской живописи ещё не дописана до конца.

6. Список литературы .

1. Гордеева М. Художественное объединение «Бубновый валет». Т.94./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

2. Гордеева М. Художественное объединение «Голубая роза». Т.95./М. Гордеева. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

3. Гришина Е. Союз художников России. Т.100/Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

4. Гришина Е. Художественное объединение «Мир искусства». Т.92/ Е. Гришина. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

5. История русского искусства: В 2-х томах. - М.: Белый город, 2007. - 889 с.

6. История русского искусства. В 2-х т./ Под ред. М.Г. Неклюдовой. - М.: Изобразительное искусство, 1980. - 634 с.

7. Каган Ю.М. И.В. Цветаев. Жизнь, деятельность, личность/Ю.М. Каган. - М.: Наука, 1987. - 192 с.

8. Кравченко А.Н. Культурология /А.Н Кравченко. - М.: Академический Проект; Трикста, 2003. - 496 с.

9. Морозов А.И. Татьяна Назаренко/А.И. Морозов. - Л.: Аврора, 1988. - 69 с.

10. Перова Д. Ассоциация художников революционной России. Т.97/Д. Перова. - М.: Директ-Медиа, 2011. - 48 с.

11. Соловьёв В.М. Русская культура. С древнейших времён до наших дней/В.М. Соловьёв. - М.: Белый город, 2004. - 736 с.

12. 50 лет советского искусства. Живопись. - М.: Советский художник, 1967. - 474 с.

Основные понятия и термины по теме: модерн, модернизм, фовизм, кубизм, сюрреализм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, инсталляция, эклектизм, кинематограф, телевидение, массовое и элитарное искусство.

План изучения темы:

1.Новые виды искусства, художественные направления и стили.

Краткое изложение теоретических вопросов:

ХХ век - век торжества науки и человеческого интеллекта, век парадоксов и потрясений. Он подвел определенный итог развития мировой культуры. В это столетие культура разорвала узы региональной или национальной замкнутости и стала интернациональной. Мировая художественная культура интегрирует культурные ценности практически всех наций.

Характерным явлением для ХХ века стало заметное ослабление тех социальных механизмов - механизмов преемственности в культуре. Отдельной индивид стремится стать самостоятельным, не зависимым от культурных традиций, обычаев, установленных правил этикета, поведения, общения. При этом внутренняя свобода все больше заменяется свободой внешней, самостоятельность духа – самостоятельностью тела, что постепенно приводит к снижению духовности, уровня культуры.

Образную характеристику искусству ХХ века дал Ф. Ницше, утверждая, что «искусство нам дано, чтобы не умереть от истины».

Модернизм (новый, новейший, современный ) - совокупность эстетических школ конца XIX и начала XX столетия, которые характеризуются разрывом с традициями реализма.

К этому понятию близок авангард . Он объединяет наиболее радикальные разновидности модернизма. Эти понятия часто воспринимаются как синонимы. В нашей стране модернизм и авангард резко критиковались - в противовес «социалистическому реализму». Обычно эти понятия трактовались как показатель кризиса буржуазной культуры. Однако эта классовая точка зрения не выдерживает никакой критики. Модернистские и авангардистские тенденции – отличительная черта современного искусства.

Выступая против норм и традиций предшествующей эстетики, стремясь к новаторству любой ценой, модернизм в крайних своих проявлениях разрушает осмысленность художественного творчества и зачастую - шокирует. Но в своих лучших образцах модернизм значительно обогатил художественную культура человечества.

Ортега-и-Гассет: «Новые художники наложили табу на любые попытки привить искусству «человеческое». Личность отвергается новым искусством более всего. Со всех сторон мы приходим к одному и тому же – бегству от человека».

Именно Ортега - автор наиболее любопытной гипотезы об общем законе развития мирового искусства. Он считал, что искусство вслед за философией изменялось в зависимости от изменения точки зрения художника на окружающий мир – от вещественно-конкретного видения мира, через его субъективное восприятие – к господству чистых идей и абстракций.

Искусство всегда борется за то, чтобы человечество через все перипетии истории все же пронесло свое главное завоевание – духовность. Ибо с поражением и гибелью духовности поражен и гибнет, не имея более отличия от животных, и сам человек. В этом ракурсе и следует рассматривать то, что произошло с искусством ХХ века.

В ХХ веке произошел отход от традиций, в определенном смысле и слом традиций в искусстве. Но это не означает, что реализм и реалистические принципы изображения были отменены этим веком.

Авангард – пестрое созвездие школ, направлений, течений, которое ошеломляет каскадом красок и пестротой образов. Впечатление хаоса, обусловленного быстрой сменой вкуса. Любое Формула «Если так еще никогда не делалось, то это необходимо сделать».

Фовизм. Одними из первых представители фовизма определили переход от подготовки авангарда к собственно авангарду.

Главное – добиваться максимальной энергии краски.

А. Матисс - французский художник, основатель фовизма, стремился к обновлению декоративного искусства, ясность и радостная уравновешенность которого должны были, по его мнению, передаваться зрителю.

Светлое, жизнерадостное искусство Матисса. Наиболее известные произведения Матисса – «Танец» и «Музыка» (панно, написанные им в 1908 году по заказу С.И. Щукина) для декорации московского особняка известного мецената (ныне перенесены в Эрмитаж).

Экспрессионизм - «искусство кричать. Картина «Крик» Э. Мунка. «Никогда не было такого времени, потрясенного таким ужасом, таким смертельным страхом. Никогда мир не был так мертвенно нем. Никогда человек не был так мал. Никогда он не был так робок. Никогда радость не была столь мертва. Нужда вопит, человек зовет свою душу, время становится воплем нужды. Искусство присоединяет свой вопль в темноте, оно вопит о помощи, оно зовет дух. Это и есть экспрессионизм» (В. Турчин).

Экспрессионизм: от живописи до политики, от философии до музыки, от архитектуры до кинематографа, от театра до скульптуры.

Кубизм – творчество форм. Стремление геометризировать предмет, делая его форму архитектурной. Начало кубизма в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо.

Представители кубизма в России: К. Малевич, Л. Попова, Д. Бурлюк (общества «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и др.).

П. Пикассо - универсальный художественный гений. Испанский художник, скульптор - величайший творец ХХ столетия. 15 тысяч картин, основатель кубизма.

«Герника» – шедевр живописи Пикассо, трудная для восприятия и анализа картина, где реальность выражена языком сложных субъективных ассоциаций.

Один из самых знаменитых рисунков Пикассо – «Голубь мира»,

Несовместимые крайности (реализм и модернизм) в творчестве Пикассо.

Абстрактное искусство. Первая абстрактная картина: А. Альфонс «Девушки под снегом» – чистая бумага, прикрепленная к картонному планшету. Традиционное абстрактное искусство начинается с 1910 года (с появлением первых изобразительных акварелей В. Кандинского).

В термине абстрактное искусство - глубокая двойственность, когда есть намек и на искусство, и на некую альтернативу. Это беспредметное искусство, основанное на абстрагировании изобразительных образов от конкретных объектов. Произведения абстракционистов представляют собой сочетание геометрических форм, цветовых пятен, линий. Для абстрактного искусства характерны две тенденции: абстрагирование образов от натуры до такой степени, что они перестают отражать действительность; чистые художественные формы, не имеющие связи с реальностью.

Первым художником-абстракционистом был В. Кандинский. Среди художников и скульпторов, развивавших это направление: П. Мондриан, К. Малевич, К. Брынкуши и др.

Сюрреализм (сверхреализм) как направление в искусстве сформировался во Франции в 20-е годы ХХ века. Это творчество – вне контроля разума. Французский поэт Андре Бретон издал «Манифест сюрреализма».

Согласно принципам сюрреализма, художник должен опираться на бессознательное, связанное со сновидениями, галлюцинациями, бредом, воспоминаниями младенческого возраста. А задача художника состоит в том, чтобы с помощью художественных средств достичь бесконечного и вечного. Свои произведения сюрреалисты строят как нечто алогичное, парадоксальное, неожиданное, как особую ирреальность.

Крупнейшим представителем сюрреализма был Сальвадор Дали.

Дали стремился создать фотографию бессознательного, достоверно запечатлеть свои сновидения, так как именно эта, не контролируемая извне спонтанная жизнь человеческого «Я» представлялась художнику подлинной реальностью. Он создает обобщенные художественные образы, выстраивает сложные, строго продуманные композиции «хаоса» болезненных видений.

Для воссоздания такого образа мира, где все разъединено разложением, необходима огромная сила трезвого ума, чтобы хоть как-то организовать этот бессмысленный абсурдный поток бытия. «Единственная разница между мною и сумасшедшим заключается в том, что я – не сумасшедший», – скажет однажды Дали.

Поп-арт - искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, легко распространяемое и массово производимое, отдающее большим бизнесом. Поп-арт – это своеобразное «искусство вне искусства». В композициях поп-арта часто используют реальные бытовые предметы (консервные банки, старые вещи, газеты) и их механические копии (фотографии, муляжи, вырезки из комиксов). Случайное их сочетание возводится в ранг искусства.

Художников поп-арта привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным, зачастую бездуховным. Они уничтожили иерархию образов и сюжетов. У них могли одинаково цениться и Леонардо да Винчи, и Микки Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.

У поп-арта всегда есть дух массовости и вовлекаемости. Поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Это преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и т.д.

Лабораторные работы – не предусмотрено.

Практические занятия – не предусмотрено.

Задания для самостоятельного выполнения:

1. Подготовить сообщение «Разнообразие стилей и направлений в искусстве начала 20 века».

2. Подготовить фотогалерею репродукций с художественными примерами фовизма, кубизма, сюрреализма, абстракционизма, супрематизма.

Форма контроля самостоятельной работы:

- устный опрос,

Проверка конспекта, сообщения, фотогалереи.

Вопросы для самоконтроля