Гюстав курбе автопортрет с черной собакой. Картины уильяма хогарта с описаниями и названиями

Хогарт, Уильям (1697-1764) - выдающийся английский гравер, живописец и теоретик искусства. выполненные в живом реалистическом стиле, раскрывали пороки современного ему общества. Это циклы картин «Жизнь распутника», «Модный брак», «Счастливая свадьба», «Выборы». Кроме того, он написал много жанровых сцен, а также портретов. Ниже будет даны и другие картины с названиями Уильяма Хогарта. Для начала мы представим самого художника в расцвете творчества.

«Автопортрет с собакой» (1745 год). Галерея Тейт, Лондон

Кроме этой картины Уильяма Хогарта с его любимым мопсом известен также автопортрет за мольбертом в парике. Но мы остановимся именно на полотне с собакой Трампом, поскольку художник собрал в нём всё, что ему дорого и мило. Во-первых, любимый пёс, который был верным другом живописца. Во-вторых, три томика любимых книг, авторами которых были Мильтон, Шекспир и Свифт. Из произведений этих гениев черпал идеи своих картин Уильям Хогарт. Описание портрета, которое мы начали, будет продолжено ниже. Художник был очень дружен со Свифтом, который поддерживал стремление живописца сокрушить пороки общества сатирой. Художник, который считал, что в это время ему не было равных в Англии, к своему портрету подошёл с иронией. Он не возвеличивает себя, а изображает в домашней одежде: без парика, с теплой шапкой и в домашнем халате. Его лицо абсолютно спокойно. Этот волевой человек с довольно тяжеловесными чертами лица добился всего в жизни сам и законно гордится этим. Перед ним на переднем плане расположена палитра с волнистой линией, которую он назвал линией красоты. Глаза художника внимательно и открыто смотрят на зрителя. Он вглядывается в нас, изучая своих персонажей. Композиция его очень необычна: картина в картине. Стиль этого автопортрета - натюрморт с элементами барокко, так как он заключен в овал, который широко использовался до конца XVII века.

Творчество

Шесть картин и гравюр (не сохранились все картины, часть осталась только в гравюрах) составляют цикл о жизни девушки из провинции, которая в столице стала особой лёгкого поведения. Они были исполнены в 1730-1731 годах («Карьера продажной женщины»). Гравюры стали популярными. Они продавались почти в каждой книжной лавке. Основатель английской школы живописи был прославлен циклами своих картин, которые мы уже упоминали, а также портретами, впечатляющими сатирой на церковь, - «Уснувшая паства» (1728-1729 годы), на творческих людей - «Замученный поэт», и судей - «Донос» (1729 год) и «Суд» (1758 год). На последней картине просто страшно смотреть на лицо судьи, которое напоминает морду бульдога.

Такой мёртвой хваткой вцепится в подсудимого и засудит независимо от вины. Сначала художник раздражал публику и критику яркостью своих произведений. На картины Уильяма Хогарта нападали из-за яркости колорита, изысканной красоты палитры, необычной свежести тем, а он был новатором и реформатором в английской живописи. Если портреты были групповыми, то мастер выстраивал их перед нами как на сцене, рассматривая сюжеты, как писатель, обостряя изображения своих персонажей. Картины Уильяма Хогарта указывают на их вульгарность, развращенность, грубость нравов. Искусство, как считал Хогарт, должно развивать душу и ум, а не только развлекать, как это делало рококо.

«Девушка с креветками» (примерно 1760-е годы)

Невозможно пройти мимо этого холста, излучающего радость жизни. Изнутри этого портрета идёт свет. Здесь, как и в «Портретах слуг», живописец перестаёт быть сатириком. Он полон восхищения перед юной девушкой, которая, как корону, несёт на голове блюдо с креветками. Изображенная вполуоборот модель освещена солнечными лучами. Работа написана динамичными мощными мазками. В ней нет тонких цветовых переходов. Сложный колорит, который совмещает золотистые, коричневатые и розоватые тона, разложен на простые составляющие. Поэтому появляется впечатление, что картина рождается сама собой на глазах у зрителя. Это моментальное впечатление художника - рывок через столетия к импрессионизму. В этой работе проявилась любовь к простому человеку из народа. Образ продавщицы чрезвычайно обаятелен. Это - одна из самых известных картин художника, в которой он демонстрирует всем естественную основу человека, живущего без маски.

Портреты мастера

Как мужские, так и женские и детские портреты Хогарт почти никогда не писал по заказу. Его героями становятся близкие ему по духу люди. Это либо его родные, либо друзья. Поэтому они окрашены уважением и симпатией к моделям. В них мы не найдем изнеженности и жеманности рококо. Напротив, нам открывается цельность натуры изображенного человека. Также Хогарт показывает их земную полнокровность.

Примером могут послужить «Мисс Мери Эдвардс» (1740 г., частная коллекция, Нью-Йорк), «Дети семьи Грэм» (1742), «Миссис Солтер» (≈ 1741 или 1744 годы). Обе последние картины экспонируются в галерее Тейт (Лондон).

История создания сатирической серии

В 1743-1745 годах Хогарт написал цикл из шести картин. Они высмеивали высшее общество. Сын обедневшего аристократа решил жениться на дочери богатого буржуа и поправить своё Картины Хогарта «Модный брак» - это пародия на high society, которое, забыв о чести и достоинстве, из стремления к материальным благам стремилось приблизиться к ним любым путем, даже неравным браком. Каждая картина Уильяма Хогарта «Модный брак» тщательно и последовательно прослеживает его эволюцию вплоть до смерти всех главных героев. Им супружество не принесло не только счастья, но и разрушило надежды на нормальную человеческую жизнь.

Уильям Хогарт, «Модный брак»: описание картины

Вот как Хогарт рассказал о нравах современного ему общества.

Подводя итоги, еще раз подчеркнем, что живописец был новатором, который в духе Просвещения показывал изъяны и теневые стороны социума.

"От какого чудовища… мог произойти этот ублюдок? Под каким колпаком, на какой навозной куче, политой смесью вина, пива, ядовитой слюны и вонючей слизи, произросла эта пустозвонная и волосатая тыква, эта утроба, притворяющаяся человеком и художником, это воплощение идиотского и бессильного", - злобно писал Александр Дюма-сын по поводу картины Гюстава Курбе "Спящие" (1866). Интересно, что бы сказал великий писатель, увидев полотно "Происхождение мира" , который публике показали лишь в конце XX века - через полтора столетия после его создания? Долгое время скандальная картина находилась в частной коллекции, ныне она выставлена в музее Орсе. До сих пор к ней приставлен охранник, призванный предотвращать бурную реакцию зрителей.

Гюстав Курбе считается основателем нового художественного стиля - реализма. Рихард Мутер писал: "Его ненавидели за то, что, в совершенстве владея мастерством, он писал так же естественно, как другие едят, пьют или разговаривают". Действительно, творчество художника порождало громкие скандалы на протяжении всей его жизни.

Родился Курбе 10 июня 1819 года в Орнане, недалеко от швейцарской границы. Его отец владел виноградниками около Орнана. В 1831 году юноша начал посещать семинарию в Орнане, а в 1837 году по настоянию отца поступил в юридический колледж в Безансоне. В это время он также посещал занятия в Академии, где его учителем был Шарль-Антуан Флажуло, ученик крупнейшего французского художника-классициста Жака-Луи Давида. В 1839 году Курбе отправился в Париж, где познакомился с художественной коллекцией Лувра. Особо сильное впечатление произвели на него малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес. Юриспруденции молодой человек предпочёл занятия в художественных мастерских. В 1844 году его картина "Автопортрет с собакой" была выставлена в Парижском салоне (остальные предложенные им картины были отвергнуты жюри). В эти же годы он написал большое количество автопортретов, несколько раз посетил Орнан, путешествовал по Бельгии и Нидерландам, где устанавливал контакты с продавцами живописи. Одним из покупателей его работ был голландский художник и коллекционер, один из основателей Гаагской школы живописи Хендрик Виллем Месдаг. В Париже он познакомился с и Оноре Домье .

В конце 1840-х годов официальным направлением французской живописи всё ещё был академизм и работы художников реалистического направления периодически отвергались устроителями выставок. В 1847 году все три его работы были отвергнуты жюри. Салон также не принял полотна таких известных мастеров, как Эжен Делакруа и Теодор Руссо. В 1871 году Курбе примкнул к Парижской коммуне, управлял при ней общественными музеями и руководил низвержением Вандомской колонны (известный символ бонапартизма). После падения Коммуны он полгода отсидел в тюрьме и был приговорён к пополнению расходов по восстановлению разрушенной им колонны. Это заставило художника удалиться в Швейцарию, где он и умер в нищете 31 декабря 1877 года.

"Вечерняя Москва" предлагает вам вспомнить наиболее известные полотна Гюстава Курбе.

1. "Автопортрет с черной собакой" (1842)

Первая картина Курбе, имевшая настоящий успех, была написана в Париже. Себя художник изобразил сидящим на земле у входа в грот Плезир-Фонтен (недалеко от Орнана). Слева от него лежат трость и альбом для этюдов, справа на фоне залитого солнцем пейзажа тёмным силуэтом выделяется чёрный вислоухий спаниель. На небе и заднем плане - несколько пробных мазков, сделанных мастихином - инструментом, которым Курбе позднее пользовался с большим мастерством. В мае 1842 года Курбе писал родителям: "Я обзавелся прелестной собачкой, чистокровным английским спаниелем - её подарил мне один из друзей; все ею восторгаются, и в доме Удо ей рады гораздо больше, чем мне". Два года спустя этот автопортрет откроет Курбе двери Салона - честь, которой усиленно добиваются все начинающие. В настоящее время картина хранится в музее дю Петит Палас в Париже.

2. "Послеобеденное время в Орнане" (1849)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

Картина была задумана и частично написана до 1849 года, во время одного из приездов художника в родной город. Завершена она была уже в Париже. Филолог и романист Франсис Вей написал о своей встрече с Курбе: "Нас принял высокий молодой человек с великолепными глазами, но тощий, бледный, желтый, костлявый... Он молча кивнул мне и вновь сел на табурет перед, мольбертом, где стоял холст "Послеобеденное время в Орнане". <...> Почему вы ещё не стали знаменитым при таком редком, таком замечательном таланте? - воскликнул я. - Еще никто никогда не писал так, как вы!" - "Верно! - отозвался художник с мужицким акцентом обитателя Франш-Конте. - Я пишу как бог!".

3. "Дробильщики камня" (1849)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

В письме к Франсису Вею Курбе описывает это полотно и рассказывает об обстоятельствах, породивших ее замысел: "Я ехал на нашей повозке в замок Сен-Дени, около Сеэн-Варе, неподалеку от Мезьера, и остановился посмотреть на двух человек - они представляли собой законченное олицетворение нищеты. Я тотчас же подумал, что передо мной сюжет новой картины, пригласил обоих к себе в мастерскую на следующее утро и с тех пор работаю над картиной... на одной стороне полотна изображен семидесятилетний старик; он согнулся над работой, молот его поднят вверх, кожа загорелая, голова затенена соломенной шляпой, штаны из грубой ткани все в заплатах, из когда-то голубых порванных носков и лопнувших снизу сабо торчат пятки. На другой стороне - молодой парень с пропыленной головой и смуглым лицом. Сквозь засаленную, изодранную рубаху видны голые бока и плечи, кожаные подтяжки поддерживают то, что некогда было штанами, на грязных кожаных башмаках со всех сторон зияют дыры. Старик стоит на коленях; парень тащит корзину со щебнем. Увы! Вот этак многие начинают и кончают жизнь". В романе "Биез из Серина" , написанном вскоре после этого, Франсис Вей почти дословно использовал фразы из письма Курбе, описывая двух дробильщиков камня у обочины дороги. Известный французский политик, философ и социолог Пьер Жозеф Прудон в 1864 году назвал Курбе первым подлинно социальным художником, а "Дробильщиков камня" - первой социальной картиной.

4. "Здравствуйте, господин Курбе!" (1854)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

В мае 1954 года Курбе совершил поездку в Монпелье по приглашению известного мецената и коллекционера Альфреда Брюйа . На картине художник изобразил себя с тростью и ранцем за спиной в тот момент, когда на дороге его встретил Брюйе, слуга и собака. Картина, написанная с предельным реализмом, произвела сенсацию на Всемирной выставке в Париже в 1855 году. Курбе был объявлен поборником нового антиинтеллектуального искусства, свободного от условностей академической живописи. Курбе писал картины на реальные сюжеты и этим, в частности, оказал серьёзное влияние на творчество импрессионистов. Говорят, что когда ему предложили дописать фигуры ангелов в картине, предназначенной для церкви, он ответил: "Я никогда не видел ангела. Покажите мне ангела, и я напишу его".

5. "Спящие" (1866)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

На картине, которая буквально взорвала буржуазную Европу, две обнажённые женщины лежат в обнимку на застеленной белой простынёй постели, в результате чего предстающая перед зрителем сцена кажется сценой лесбийской любви. Разорванное жемчужное ожерелье и пришедшая в беспорядок простыня только усиливают это ощущение. Полотно до такой степени возмутило общественность, что пресса буквально взорвалась негодующим воплем. Художественная ценность картина стала очевидной лишь годы спустя, когда скандал поутих.

Живой интерес у исследователей вызывал вопрос, почему Гюстав Курбе на протяжении 1840-х годов создал более двадцати автопортретов. Одни считали, что обладавший красивой внешностью Курбе попросту любовался своим лицом. Другие же полагали: художник считал себя самой доступной моделью, так как в то время он жил в большой нужде и даже рисовать ему порой приходилось на оберточной бумаге.

Французский живописец, график, скульптор Гюстав Курбе родился в Комб-о-Ро близ Орнана в семье богатого фермера, имевшего обширные земли. Отец мечтал, что его сын станет юристом, но юридическая карьера не увлекала Гюстава, выбравшего для себя профессию художника. В Безансоне он посещал рисовальную школу, где его учителем был Ш. А. Флажуло, ученик Ж. Л. Давида. За необыкновенные способности товарищи прозвали Курбе "королем красок".

В 1840 году будущий живописец приехал в Париж, где по желанию отца начал учиться в школе права. В свободное время Курбе приходил в Лувр и другие парижские музеи и делал там копии с картин известных мастеров. Особое восхищение у него вызывали произведения Рембрандта, Д. Веласкеса, Х. Риберы, Т. Жерико, Э. Делакруа. Посещал юноша и мастерскую Сюиса, где рисовал натурщиков.

Курбе был беден, поскольку отец, недовольный его выбором, присылал сыну мало денег. Гюстав снимал дешевую квартиру и часто голодал, чтобы выкроить средства на краски, бумагу и холсты. Он упорно писал, но его картины не пользовались спросом.

Среди самых известных работ Курбе, написанных в этот период, - знаменитый "Автопортрет с черной собакой" (1842–1845, Пти-пале, Париж). Это не просто портрет, а портрет-картина, на которой зритель видит пейзаж со скалой, фигуру сидящего на земле художника, большую черную собаку, палку и альбом для зарисовок. Так Курбе рассказывает всем не только о своей профессии, но и о любви к окружающему его миру. Человек, изображенный на полотне, смотрит на нас с чувством превосходства, он уверен в своих силах, смел и независим.

Некоторая театрализованность ощущается и в других автопортретах мастера, среди которых картина, известная под названием "Раненый" (Лувр, Париж). Здесь также есть тщательно проработанный пейзажный фон (поляна, ствол дерева, у которого сидит художник) и детали, придающие композиции повествовательность (шпага и красное пятно на рубашке модели).

Сам образ довольно романтичен: глаза портретируемого прикрыты, на его лице застыли печаль и боль. Все эти детали говорят о том, что персонаж страдает от раны, нанесенной ему на дуэли. Но это лишь поверхностный взгляд на картину, являющуюся, по сути, в некотором роде мистификацией. Если внимательно посмотреть на полотно, можно увидеть, что героя лишь одолела усталость. На его щеках заметен легкий румянец, а во всей фигуре чувствуется скрытая сила и энергия. Оптимистичность композиции подчеркивается и характером мазка - размашистого и динамичного.

Интересен также автопортрет "Человек с кожаным поясом" (1845–1846, Лувр, Париж), свидетельствующий о глубоком интересе Курбе к мастерам эпохи Возрождения. Есть в этой картине и что-то от Рембрандта и голландских портретистов XVII столетия, хотя сам автор заявлял, что образцом для него здесь было творчество Д. Веласкеса. Несомненным остается огромное влияние на Курбе старых художников, чьи работы он копировал в Лувре. Исследователи определили, что "Человек с кожаным поясом" был написан поверх копии с картины Тициана "Портрет молодого человека с перчаткой". Автопортреты Курбе, представленные в хронологическом порядке, показывают не только то, как преображалась с годами внешность художника, но и то, как менялось его отношение к миру. В более зрелых автопортретах нет прежней энергии и оптимизма, а также повышенной эмоциональности.

Г. Курбе. "Автопортрет с черной собакой", 1842–1845, Пти-пале, Париж

Перед нами предстает возмужавший и мудрый человек. Сам Курбе признавался: "Я за свою жизнь создал немало портретов по мере того, как изменялся мой образ мышления. Одним словом, я написал свою жизнь".

С течением времени Курбе перестает так тщательно выписывать фон и все свое внимание переносит на лицо модели.

В 1840-е годы художник написал множество портретов своих родных. В числе лучших - "Жюльетт Курбе" (1844, Пти-пале, Париж). Художник изобразил свою младшую сестру Жюльетт сидящей в кресле с плетеной спинкой. Поражает явное несоответствие облика модели и фона: юная девушка, одетая в скромное платье, показана на фоне пышной драпировки, более уместной для парадного портрета XVII столетия. В этой детали сказалось стремление мастера к театрализованному, игровому началу, мистификации, характерной для его ранних автопортретов.

Курбе посылал свои портреты в Салон, но жюри каждый раз отвергало их.

Среди моделей мастера были не только родственники, но и друзья, а также люди, близкие ему по духу. Художнику позировали поэты, писатели, философы.

Одно из самых ранних полотен, показывающих представителей интеллектуальной среды столицы, - "Портрет Шарля Бодлера" (1847–1848, музей Фабра, Монпелье). Одухотворенную характеристику модели подчеркивают предметы окружающей обстановки: книги, стол с папкой, чернильница. Трудно уловить выражение подвижного лица поэта. Работая над портретом, Курбе сетовал: "Я не знаю, как закончить портрет Бодлера, каждый день его выражение меняется". Сложность натуры Бодлера обескуражила художника, стремившегося к ясности образов на своих портретах. Художник так и не положил завершающие мазки на полотно и именно таким образом передал сущность характера своей модели.

Более определенно и однозначно Курбе охарактеризовал известного критика и историка искусства на "Портрете Шанфлери" (1854, Лувр, Париж). На темном фоне выделяется лицо человека, сущность которого совершенно ясна и понятна зрителю. Шанфлери демократичен, умен и вдумчив. Такие же мысли вызывают и многие другие портреты Курбе ("Портрет Брюйаса", 1854, музей Фабра, Монпелье; "Портрет Валлеса", 1861, музей Карнавале, Париж). Люди, изображенные на полотнах, для Курбе прежде всего единомышленники, близкие ему по убеждениям.

Г. Курбе. "Жюльетт Курбе", 1844, Пти-пале, Париж

Несколько особняком стоит "Портрет Пьера-Жозефа Прудона" (1865, Пти-пале, Париж).

Курбе включил фигуру знаменитого философа в пейзаж и поместил в композицию изображения двух детей. Художник с большим уважением относился к личности Прудона и, вероятно, поэтому называл этот портрет историческим, хотя он и не являлся таковым. Курбе начал портрет уже после смерти Прудона и пользовался фотографией и прижизненным изображением философа кисти другого мастера. Возможно, вследствие этого образ Прудона, несмотря на явное внешнее сходство, получился малоубедительным и безжизненным.

В мужских портретах нет той задушевности и эмоциональности, которая присутствует в женских портретных образах ("Испанка", 1855, частное собрание, Филадельфия; "Портрет мадам Брайер", 1858, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

В то же время некоторые изображения женщин свидетельствуют о попытках мастера выразить в этих образах свое понимание красоты. Курбе любуется чувственной прелестью своих моделей, их физическим совершенством. Таков "Портрет Джо" ("Прекрасная ирландка", 1865, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; вариант - в Национальном музее, Стокгольм). На картине изображена Джоанна, возлюбленная живописца Джеймса Уистлера. Восхищенный художник передает роскошные рыжие волосы девушки, глядящейся в маленькое зеркало, ее нежное лицо. Этот образ близок по своему духу знаменитой тициановской "Венере, смотрящейся в зеркало". Среди самых известных шедевров Курбе - картина "Похороны в Орнане" (1850, Лувр, Париж), соединившая элементы двух жанров - портретного и бытового. На полотне изображены провинциальные похороны, но действие почти не ощущается, и потому зритель может внимательно рассмотреть всех персонажей композиции: родственников покойного, служек, причетников, мэра города, нотариуса, священника, могильщика и других людей, пришедших на кладбище. Интересно, что почти каждый изображенный имел свой реальный прототип. Жители Орнана толпились возле мастерской Курбе, мечтая о том, чтобы художник запечатлел их на картине.

Г. Курбе. "Автопортрет с трубкой", 1846–1847, музей Фабра, Монпелье

В каждом своем герое живописец стремится показать индивидуальные черты характера. Зритель видит разных людей: хитрых, умных, волевых, лицемерных. И в то же время у всех них есть что-то похожее, типичное. В лицах приземленных и практичных орнанцев нет одухотворенности. Представляя каждую модель в отдельности, Курбе создал общий портрет французской провинции с ее косностью, отсталостью мышления. Авторскую мысль подчеркивает сдержанная цветовая гамма, тяготеющая к черным и белым оттенкам, и плотная фактура картины.

Еще одно значительное произведение Курбе в портретном жанре - "Ателье" (1855, Лувр, Париж), ставшее художественным воплощением творческого кредо живописца. В центре картины мы видим самого Курбе, вокруг него располагаются его единомышленники, чьи портретные образы превращены в аллегории. Так, Бодлер олицетворяет Поэзию, Шанфлери - Прозу, Прудон - Философию и т. д.

Курбе был великолепным портретистом. При этом он сам часто выступал в роли натурщика для своих полотен.

В начале 1840хгг. Курбенаписал«Автопортретсчерной собакой» - только что подаренным ему спаниелем. Он изобразил себя в Орнане на фоне скал около грота Плезирр Фонтен. Его глаза затенены полями черной шляпы, по плечам струятся длинные вьющиеся волосы, рядомлежитальбомдлянабросков.Силуэт чернойсобакидополняетромантический образмолодогохудожника.

Всередине 1840хгг.он появляетсярядомс однойиз своихмоделейвкартине«Счастливые влюбленные».

Вконце 1840х гг. он еще раз предстает на фоне природы в виде лежащего под деревом юноши, раненного на дуэли

«Раненый»

А в Салоне 1849 г. был выставлен«Человек с кожаным поясом» - опираясь локтем на альбомы и рисунки, Курбе грустно смотрелна зрителя. Казалось,страдание, мечта, отвлеченность отпрозы жизни сталиосновнойлиниейегоискусства.Однако кконцу десятилетияперед зрителями предстаетновыйКурбе-тот,когоможно называть реалистом.

В1848-1850гг.Курбепишетогромные полотна,темойкоторыхстановитсяжизнь егосовременников.Вкартине«Послеобеденное время в Орнане» он изображает себя, своего отца и двоих друзей перед камином на кухне своегодома.Настолестоят неубранные бутылки вина, под стулом спит бульдог. Картина, выставленная в Салоне 1849 г., поразилазрителейсвоейнеобычностью. Во-первых,на смену сюжетам классицизма изисторииДревнегоРима,средневековья, восточным, литературным мотивам романтиковпришлисамыепрозаическиесцены изобыденнойжизни.Во-вторых,никогда ещениодин художник не писал жанровых картин такого большого размера, - человеческие фигуры у Курбе были изображены в натуральную величину. Звучание жанровой живописибыло поднятодоуровня монументальной.КартинаполучилавСалоне вторую золотую медаль и была куплена государством. Это ставило художника вне конкурса: теперь жюри не имелоправа отвергать егокартины (хотяна практикеэто не всегда соблюдалось).

Послеобеденное время в Орнане

В 1847 году Курбе посетил Голландию. После этой поездки произошел перелом в творчестве художника. Под влиянием голландского искусства он порвал с романтизмом, по крайней мере, с его стилевыми приемами.

автопортрет с трубкой

Сегодня одной из самой воспроизводимой его работой оказывается «Здравствуйте, господин Курбе» из Музея Фабра в Монпелье - не зря в ней так много общего и с народными эстампами, и с традицией, восходящей к Ренессансу. Карикатуристы пародировали картину с особым тщанием, но потомкам оказалось важнее дружелюбие встречи буржуа и художника, мечтавшего о прямом обращении к публике и согласного ради этого на роль странника и дикаря. Однако, критики дали ей более красноречивое название - «Богатство склоняется перед гением».

В мае 1854 года Курбе совершил поездку в Монпелье по приглашению Альфреда Брюйа, известного мецената и коллекционера. Курбе представил самого себя с тростью и ранцем за спиной в тот самый момент, когда по дороге в Монпелье его встретили Брюйа, его слуга и собака. Выбор подобного сюжета, написанного с прямолинейным реализмом и правдивостью, произвел сенсацию на Всемирной выставке в Париже в 1855 году.

"Здравствуйте, господин Курбе"

Социалистические убеждения не помешали Курбе изобразить почтительного камердинера без тени иронии. Его взгляд выражает убеждение, будто он считает себя недостойным присутствовать при встрече.

Курбе и Брюйа были масонами, о чём свидетельствуют их жесты, характерные для масонского ритуала встречи. Белые перчатки - также обязательная деталь масонского костюма.

Голова Курбе высоко поднята, лицо выражает искреннюю радость. Непринуждённо держит себя Брюйа. Торчащая борода художника впоследствии стала любимой мишенью для карикатуристов.

Об огромном влиянии картины на современников говорит уже то, что впоследствии в той или иной форме ее цитировали в своих работах многие художники, из которых назовем хотя бы того же Поля Гогена и его «Здравствуйте, господин Гоген» (1889).

Вскоре после написания этой картины Курбе был объявлен поборником нового антиинтеллектуального типа искусства, свободного от условностей академической живописи на исторические и религиозные сюжеты. Отказавшись от литературных сюжетов в пользу реального мира, окружавшего художника, Курбе оказал серьезное влияние на Эдуарда Мане и импрессионистов. Говорят, что когда его попросили дописать в картине, предназначенной для церкви, фигуры ангелов, он ответил: "Я никогда не видел ангелов. Покажите мне ангела, и я напишу его"

Курбе любил наблюдать игру света на воде. Он написал целый рад морских пейзажей. На полотне «Морской пляж в Палавасе» (1854) изображён сам художник, приветствующий, Средиземное море.

Автопортрет «Человек с трубкой» (1873-1874) имел успех в салоне. Его приобрёл Луи Наполеон.

В части автопортретов, написанных очень сдержанно, прослеживается влияние старых испанских и голландских мастеров, чьи работы Курбе прилежно изучал во время посещения Лувра.

Шарж, нарисованный в 1859 году другом Курбе критиком Жюлем Шамфлери

Уильям Хогарт (1697-1764) — английский художник, гравёр, иллюстратор, сатирик.

Автопортрет с собакой. 1745 год.

Портреты весьма почитались в Англии XVIII века, они висели в парадных залах родовых поместий и аристократических клубах. Благотворительные приюты заказывали изображения своих покровителей, актеры любили, чтобы их запечатлевали в какой-либо роли. Художники писали портреты чаще, чем композиции на темы библейской и античной истории, хотя этот вид живописи, называвшейся исторической, считался наиболее возвышенным.

Англия - островная страна. В ней все иначе, чем на Европейском континенте. И художественная жизнь не была исключением. Во Франции начала XVIII века, передовой стране в области искусства в то время, складывается новый стиль - рококо. Появляется мода создавать парки с регулярной планировкой. Образцом служит величественный Версаль с остриженными боскетными кустами, прямыми аллеями и широким зеркалом водной глади с фонтанами. Англия же идет в искусстве своим путем. Здесь поклоняются античности и строят дворцы в классическом духе. Возникает свой национальный вариант парка - пейзажный. Это природа, облагороженная руками садовника; деревья, заслоняющие красивый вид, убираются, русло ручейка немного отводится в сторону, насыпаются холмики, с которых можно обозревать зеленые лужайки с сочной травой. Именно в таких парках художники любили представлять изящных светских дам и кавалеров. Однако в портретном жанре начала XVIII века Англия еще не имела высоких достижений Франции.

Все изменилось с появлением Уильяма Хогарта. Его знают как гравера и карикатуриста, забывая заслуги художника в портрете. Одной из распространенных разновидностей портрета были сцены собеседования. В парке или интерьере изображались члены какой-либо семьи, персонажи, занятые карточной игрой, разговором, чаепитием. Именно с такого рода картин начинает Хогарт свое портретное творчество, выявляя социальную принадлежность и характер персонажей. Он раскрывает содержание произведения через жесты героев, окружающие предметы и создает своего рода миниатюрные театральные сценки. Между изображенными людьми возникает драматическая и психологическая взаимосвязь. Таков портрет детей Грахём.

На картине - четыре персонажа. Девочки напоминают маленьких дам, которых развлекает кавалер-мальчик, играющий на шарманке. Они не обмениваются взглядами, но чувствуется, что их объединяет искренняя симпатия друг к другу.

Немного позже Хогарт создает знаменитый «Автопортрет с собакой». Ему 45 лет. Художник предстает в скромном обличье, без парика, в простой одежде. Перед нами прямой, открытый человек, трезво оценивающий себя и окружающих. В картине много «говорящих» деталей: книги английских классиков Свифта, Шекспира и Мильтона, резец, палитра с надписью - «линия красоты». Тут же Хогарт изобразил любимую собаку, морда которой напоминает лицо хозяина. Такой прием уподобления человека и животного имеет давнюю традицию, так, Микеланджело сравнивался с драконом, а Леонардо со львом.

Развитие английского искусства в XVIII веке связано с общим подъемом культуры после буржуазной революции 1640-1660 годов. Художники обращались непосредственно к окружающей действительности и искали новые средства выражения. Они создали кружок, члены которого собирались в кофейне Слотера. Кроме Хогарта, в это общество входили скульптор Рубильяк, французский гравер и иллюстратор Гравело, писатель Фильдинг и актер Гаррик. Того же года, что и автопортрет, портрет Гаррика в роли Ричарда III. Эта роль сделала актера знаменитым и ознаменовала новые приемы театральной игры.

Слуги Хогарта. 1760-е годы.

В конце жизни Хогарт написал два, пожалуй, самых лучших портрета: «Слуги Хогарта» и «Девушка с креветками». В обоих главная задача состояла в том, чтобы раскрыть характеры людей.

Девушка с креветками. 1750-е годы.

«Девушка с креветками» напоминает по быстроте и легкости исполнения живописный этюд. Хогарт создает полнокровные реалистические образы простых людей. Доминирующие в колорите холодные цвета естественно соединяются с теплыми - розового и коричневого оттенков. Мгновенность впечатления от натуры передана мастером подвижными, гибкими, широкими мазками, которые делают его полотна необычайно живыми и непосредственными.

Е. Гагарина Журнал «ЮХ»

Произведения Хогарта - настоящие книги… Другие картины мы рассматриваем - его картины мы читаем . Чарльз Лэм («О гении и характере Хогарта»).

Жизнь Уильяма Хогарта - знаменитого английского живописца, графика и теоретика искусства XVIII века - была неразрывно связана с Лондоном. Этот город с колыбели был частью его души, здесь будущий художник, сын перебравшегося в столицу сельского учителя, в 17 лет приобщился к искусству, поступив учеником к граверу по серебру. Урывками посещал школу художников Вандербенка и Шерона, а затем входившего тогда в славу Торнхилла. Здесь нашел личное счастье, женившись на дочери последнего, которую романтически похитил в 1729 году из отчего дома

И Лондон же, город, в котором как в капле воды отражалась вся Англия первой половины XVIII века с ее небывалым экономическим подъемом и расцветом культуры, глубокими социальными противоречиями и разительными контрастами роскоши и нищеты, служил для Хогарта неисчерпаемым источником сюжетов его произведений…

Зима 1728 года. Лондонская публика, словно забыв о триумфах Королевского театра Друри Лейн, валом валила в Линколнс Инн Филдс, где 29 января с потрясающим успехом состоялась премьера «Оперы нищего» Джона Гэя. В первом же сезоне пьеса прошла шестьдесят два раза. Огромной популярностью спектакль был обязан не столько блестящей игре актеров, сколько тому, что был довольно прозрачной сатирой на английские правящие круги. Опера изображала эпизоды из жизни бродяг, проходимцев, бандитов, но в действующих лицах нетрудно было различить черты многих высокопоставленных особ, а в ситуациях пьесы - связь с английской реальностью.

«Опера нищего» VI. 1729-1731 годы.

Хогарт любил театр, дружил с актерами, писал их портреты. «Опера нищего» покорила художника сразу. С 1728 по 1731 год он пишет шесть вариантов картины на этот сюжет. Последний вариант сцены из III акта «Оперы нищего» наиболее удачный. Динамичность композиции, умение передать сильное душевное движение главных героев пьесы, превосходная живопись делают картину лучшей из ранних произведений Хогарта.

В это же время Хогарт пишет довольно много небольших по размеру групповых семейных портретов, так называемых «разговорных сцен», и достигает известности. Но это занятие он скоро оставил. «Я обратился, - вспоминал впоследствии художник, - к совсем новому жанру, а именно: к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы - области, еще вовсе не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена».

Так появилась знаменитая сатирическая серия «История шлюхи» (1732). В шести сценах Хогарт запечатлел основные эпизоды из жизни приехавшей в Лондон деревенской девушки некой Мэри Хэкабаут. Совершенно не подготовленная к тому, чтобы противостоять искушениям большого города, она попадает в руки старой сводни, становится содержанкой и оканчивает свою жизнь среди обитателе лондонского «дна». Эти полотна погибли от пожара в 1755 году, но история Мэри дошла до нас в собственоручных гравюрах Хогарта.

Он пирует. История распутника III. Около 1733 года.

Вскоре художник пишет и гравирует новую серию из восьми картин. Это «История распутника» - повествование о беспечно прожитом наследстве. Жизнеописание распутника звучат менее убедительно, чем история шлюхи. Но картина «Он пирует» - подлинный шедевр. Сцена ночного разнузданного пиршества героя серии Тома Рэйкуэлла «при всей ее безоттарности исполнена с художественным изяществом, она артистична, просто красива».

Так, вместе с писателями-просветителями первой половины XVIII века Хогарт высказал идеи Просвещения, вступил в борьбу за искоренение пороков современного ему общества.

В конце 30-х годов мастер создает замечательную серию картин «Четыре времени суток», рисующую британскую столицу в конкретный момент состояния природы, освещения. Бремени года и дня. Особенно впечатляет картина «Утро», изображающая на заре, в легком зимнем тумане Ковент-Гарден - эту никогда не затихающую и не засыпающую площадь. Через пятнадцать лет Хогарт покажет жизнь других лондонских улиц; он нарисует жуткую картину «Переулок Джина» - ужасающее пьянство, беспросветную нищету и задавленность до потери человеческого образа его обитателей.

Капитан Корэм. 1740 год.

1740-е годы - период творческой зрелости Хогарта. В это время он создает свои лучшие произведения и как портретист, и как сатирик. Галерею портретов открывает знаменитый портрет капитана Томаса Корэма, близкого друга и единомышленника художника, мореплавателя и филантропа, прославившегося учреждением в Лондоне так называемого Дома найденышей (сиротского приюта). Хогарт повторяет здесь схему парадного портрета, но делает это лишь для того, чтобы создать полотно, воплощающее общественное признание заслуг человека из «средних классов». Написанное с подлинной симпатией, открытое, такое «домашнее» лицо старого капитана, отнюдь не аристократическое, мало соответствует нарядному окружению.

Мэри Эдвардс. 1742 год.

Особое место в творчестве Хогарта занимают женские портреты. Прежде всего это глубоко психологический и художественно совершенный портрет Мэри Эдвардс, которая была поклонницей таланта художника и едва ли не единственным человеком, по-настоящему ему помогавшим. Хогарт не льстит модели, но восхищается ею. Уверенной кистью пишет нервное, своеобразное лицо портретируемой, в котором странным образом соединились миловидность и неправильность черт. С не меньшим мастерством написано изящное платье и драгоценное украшение на груди.

Элизабет Солтер. 1744 год.

Один из самых знаменитых портретов 40-х годов - «Портрет Лавинии Фентон». Хогарт писал ее ранее в роли главной героини «Оперы нищего». Запечатленный более’ чем десять лет спустя, образ этой красивой, жизнерадостной молодой женщины замечателен по выразительности и психологической проникновенности, от него исходит какое-то тайное, постепенно раскрывающееся обаяние.

В 1745 году Хогарт пишет «Автопортрет». С овального холста на нас смотрит художник, по-домашнему одетый в халат, без парика, в теплой охотничьей шапке. Лицо с яркими синими глазами и шишковатым лбом передано с необычайной силой и глубиной. На переднем плане изображены палитра со ставшей позднее знаменитой змеевидной «линией красоты», его любимый пес Трамп и книги - Шекспир, Милтон, Свифт.

Выбор книг показателен. Свифт был особенно родствен Хогарту по природе своего дарования. Классика Милтона вдохновляла Хогарта на «высокую живопись», на создание таких картин, как «Сатана, Грех и Смерть», в которой впервые сказалось романтическое видение художника. Пьесы же Шекспира рождали у Хогарта желание «трактовать сюжеты как драматический писатель».

Свальба Стивена Бекингема с Мэри Хокс. 1740-е годы.

Сходство картин Хогарта с драматическими произведениями особенно ярко выражено в третьей, самой знаменитой сатирической серии, его шедевре «Брак a la mode». Здесь с особым блеском проявилась острая наблюдательность Хогарта. его смелое новаторство - способность показать драматические конфликты в самых «верхах» английского общества, талант рисовальшика и колориста, многому научившегося у французских мастеров.

Модный брак. 1745 год. Гравюра.

Сюжет серии, состоящей из шести картин, - брак по расчету. Разорившийся аристократ женит недоросля-сына на дочери богатого буржуа, который стремится попасть в знать - явление весьма обычное для Англии того времени. О том. как происходит этот обдуманный мезальянс, Хогарт рассказал в полотне «Брачный контракт» - первой картине серии.

Вскоре после свадьбы. Около 1743 года.

Утро в доме молодых. Из серии модный брак. 1743-1745 годы. Гравюра.

История, начавшаяся с заключения сделки, кончается трагической развязкой: смертью графа, заколотого любовником графини, попадающим за это на виселицу, и самоубийством графини.

Сатирическая живописная серия «Парламентские выборы» (1754) - еще один шедевр Хогарта. Вряд ли можно видеть в ней прямое осуждение политической системы Англии. Художник лишь обнажает уродливые стороны английского парламентаризма. Попойка во имя привлечения симпатий избирателей; подкуп; самый фарс выборов; мутный триумф избранных в парламент - вот четыре акта политической драмы, сыгранной на хогартовских холстах.

Серия «Выборов в парламент», итог современных нравственных сюжетов», стоит в ряду других высших достижений позднего Хогарта - «Портретом слуг» и «Девушкой с креветками». Эти портреты свидетельствуют об искусстве Хогарта видеть прекрасное в окружающей действительности, его ярко выраженных симпатиях и уважении к простым людям.

Сказанное прежде всего относится к «Девушке с креветками». Это вершина творчества художника. Написанный с необычайным блеском, свободными и стремительными мазками, жидкой, почти прозрачной краской, портрет сочетает в себе черты и натурного этюда, и законченной картины. В одну общую гамму сливаются коричневые, серые и розовые тона, и из хаоса мазков возникает на полотне удивительно нежное, чуть обветренное улыбчивое лицо с сияющими глазами. И этот образ продавщицы креветок, полный трепетной жизненности и выразительности, воспринимается как частица шумной лондонской толпы.

Деятельность Хогарта многогранна: он выпустил в свет трактат «Анализ красоты», где изложил свои взгляды на искусство; поддерживаемый другими художниками, добился реализации Парламентского акта о защите авторского права; стал инициатором первых общественных художественных выставок, руководил крупнейшей художественной школой.

Яркое самобытное искусство Хогарта во многом определило характер английской национальной школы. Его сатирические картины, демократичность подхода к сюжетам, ясный и понятный язык проложили путь к широкому распространению жанрово-бы-товой живописи и бурному расцвету английской карикатуры конца XVIII века. И не случайно, что искусство Хогарта нашло достойную оценку у великих его современников Свифта и Филдинга, а также Диккенса и Теккерея. Величайшим английским художником назвал Хогарта Уистлер. Искусство «великого Хогарта» изучал замечательный русский художник Федотов…

Англичане ценят свое культурное наследие, чтут имена тех, кто умножал его славу и составляет его гордость. Среди этих имен в ряду первых стоит имя Уильяма Хогарта.

На старой, заложенной еще в середине XVII века, любимой Хогартом Лейстер Филдс (ныне Лейстер Сквер), среди расположенных на площади роскошных кинотеатров, театральных залов, ресторанов и кафе мы видим галерею скульптур выдающихся деятелей науки и культуры Англии. Одна из них - памятник-бюст Хогарту. На высоком постаменте надпись: «Уильям Хогарт. Художник. 1697-1764. Придворный живописец короля Георга II. Жил на восточной стороне этой площади».

Б. Кудрявцев. Журнал «ЮХ»