Биография поля гогена и описание картин художника. Поль гоген краткая биография Какую картину поль гоген считал самой лучшей

Шедевры изобразительного искусства, в частности, являются отражением пути человека, воплощением чувства, которое нельзя описать словами. Возможно, в них таится и более глубокий, фундаментальный смысл. Отыскать его попробовал Поль Гоген, охотник за тайнами и, как его называли, прославленный «создатель мифов».

Поль Гоген был той творческой личностью, которая постигает на лету новое, постоянно занимаясь самообразованием. Но то, что виделось ему, он воспринимал по - своему, подсознательно знакомил со своим художественным миром и комбинировал его с другими частями. Он создавал мир собственных фантазий и мыслей, творил собственную мифологию. Начав как художник - самоучка, Гоген испытал влияние и барбизонской школы, и импрессионистов, и символистов, и отдельных художников, с которыми его сталкивала судьба. Но, овладев необходимыми техническими навыками, он ощущал непреодолимую потребность найти собственный путь в искусстве, который позволил бы ему выразить свои мысли и идеи.

Эжен Анри Поль Гоген родился 7 июня 1848 года в Париже. Это время пришлось на годы французской революции. В 1851 году, после государственного переворота, семья переехала в Перу, где мальчика очаровала яркая неповторимая красота незнакомой страны. Его отец, либеральный журналист, умер в Панаме, а семья поселилась в Лиме.

До семи лет Поль жил в Перу с матерью. Детские «соприкосновения» с экзотической природой, с яркими национальными костюмами глубоко отложились в его памяти и сказались в постоянной тяге к перемене мест. После возвращения в 1855 году на родину он постоянно твердил, что вернется в «потерянный рай».

Детские годы, проведенные в Лиме и Орлеане, определили судьбу художника. Окончив в 1865 году гимназию, Гоген будучи молодым человеком попадает во французский торговый флот и шесть лет путешествует по миру. В 1870 - 1871 годах будущий художник принимает участие во Франко - прусской войне, в сражениях в Средиземном и Северном морях.

Вернувшись в 1871 году в Париж, Гоген проявляет себя в роли биржевого маклера под руководством своего богатого опекуна Гюстава Арозы. В то время Ароза являлся выдающимся коллекционером французской живописи, в том числе полотен современных ему импрессионистов. Именно Ароза пробудил в Гогене интерес к искусству и поддерживал его.

Заработок Гогена был весьма приличным, и в 1873 году Поль взял в жены датчанку Метте Софи Гад, служившей в Париже гувернанткой. Дом, в который молодожены поселились, Гоген начал украшать картинами, которые покупал, и коллекционированием которых он увлекся не на шутку. Поль был знаком со многими живописцами, но Камиль Писсарро, полагавший, что «можно бросить все! ради искусства» - это тот художник, который оставил самый большой эмоциональный след в его сознании.

Поль начал рисовать и, разумеется, пытался продавать свои творения. По его примеру Арозы, Гоген скупает холсты импрессионистов. В 1876 году выставляет в Салоне собственную картину. Супруга считала это ребячеством, а покупка картин - напрасной тратой денег.

В январе 1882 года рухнул французский фондовый рынок, и банк Гогена лопнул. Гоген окончательно расстался с мыслью найти работу и после мучительных раздумий, в 1883 году он сделал выбор, сказав жене, что живопись осталась единственным, чем он сможет зарабатывать на жизнь. Остолбеневшая и напуганная неожиданной новостью Метте напомнила Полю, что у них пятеро детей, а его картины никто не покупает - все напрасно! Окончательный разрыв с супругой лишил его дома. Живя впроголодь на занятые деньги под будущие гонорары Гоген не отступает. Поль упорно ищет свой путь в искусстве.

В ранних картинах Гогена первой половины 1880 - х годов, выполненных на уровне импрессионистической живописи, нет ничего необычного, ради чего стоило бы бросать даже среднеоплачиваемое место, обстоятельства вынудили его превратить свое хобби в ремесло, которое обеспечило бы его и его семью средствами к жизни.

Мыслил ли себя Гоген в это время живописцем? Копенгагенский «», написанный зимой 1884 - 1885 годов, отмечает важный поворотный момент в судьбе Гогена и является отправной точкой для формирования образа художника, который он будет создавать на протяжении всего творческого пути.

Гоген зафиксировал важный перелом в своей жизни: год назад он ушел с работы, навсегда покончив с карьерой биржевого маклера и существованием почтенного буржуа, поставив себе задачу стать великим художником.

В июне 1886 года Гоген уезжает в Понт - Авен, городок на южном побережье Бретани, где еще сохранились самобытные нравы, обычаи и старинные костюмы. Гоген писал, что Париж - «это пустыня для бедняка. [...] Я отправлюсь в Панаму и буду жить там дикарем. [...] Я возьму с собой кисти и краски и найду новые силы вдали от общества людей».

Не только бедность гнала Гогена прочь от цивилизации. Искатель приключений с мятущейся душой, он всегда стремился узнать, что находится за горизонтом. Вот почему он так любил эксперименты в искусстве. В путешествиях его привлекали экзотические культуры, и он хотел погрузиться в них в поисках новых способов визуального выражения.

Здесь он сближается с М. Дени, Э. Бернаром, Ш. Лавалем, П. Серюзье и Ш. Филиже. Художники с воодушевлением изучали природу, представляющуюся им таинственным мистическим действом. Двумя годами позже группа живописцев - последователей Гогена, объединившаяся вокруг Серюзье, получит название «Наби», что в переводе с еврейского означало «Пророки». В Понт - Авене Гоген пишет картины из жизни крестьян, в которых использует упрощенные контуры и строгую композицию. Новый живописный язык Гогена вызвал оживленные споры в среде художников.

В 1887 году он едет на Мартинику, очаровавшую его полузабытой экзотикой тропиков. Но болотная лихорадка заставила художника вернуться на родину, где он работал и долечивался в Арле. Там же в это время жил его приятель Ван Гог.

Здесь он начинает пробовать с упрощенным «детским» рисунком - без теней, но с очень броскими красками. Гоген стал прибегать к более красочному цвету, накладывать более густыми массами, с большей строгостью компоновать. Это был определяющий опыт, возгласивший о новых завоеваниях. К работам этого периода относят работы «» (1887), «» (1887).

Картины с Мартиники были выставлены в Париже в январе 1888 года. Критик Феликс Фенеон нашел в творчестве Гогена «желчность и варварский характер», хотя признается, что «эти горделивые картины» уже дают понимание о творческом характере художника. Однако, как ни был плодотворен мартиникский период, не он был переломным в творчестве Гогена.

Характерной чертой всех видов творчества Поля Гогена является желание выйти за рамки того менталитета, на основе которого определилось его «европейское» искусство, его стремление обогатить европейскую художественную традицию новыми изобразительными средствами, по - иному позволяющими взглянуть на окружающий мир, которыми проникнуты все творческие искания художника.

В его знаменитой картине «» (1888) заметно развернутое на плоскости изображение делится по вертикали на условные зоны, расположенные, как на средневековых «примитивах» или японских какэмоно, друг перед другом. На натюрморте, вытянутом по вертикали, изображение разворачивается сверху вниз. Подобие средневекового свитка построено вопреки общепринятым приемам выстраивания композиции. На сияющей белезной плоскости - фоне - подобно частоколу, цепочка бокалов разделяет верхний ярус со щенками. Это своего рода единая структура элементов старой японской гравюра японского художника Утагава Куниёси «» и «Натюрморта с луком » Поля Сезанна.

Картина «», своего рода манифестация все той же идеи сопоставления «далекого и разного», для доказательства их родства, что и в «Натюрморте с головой лошади ». Но выражена эта идея уже иным пластическим языком - с полным отказом от всякой натурной иллюзорности и правдоподобия, подчеркнутыми масштабными несоответствиями и одинаковой орнаментально - декоративной трактовкой материала. Здесь можно увидеть сопоставление «разных эпох» живописной культуры - заметно огрублено и упрощенно написанной верхней части картины, наподобие ранних форм «примитивного» искусства, и нижней части, указывающей на завершающий этап его нововременной эволюции.

Испытывая влияние японской гравюры, Гоген отказался от моделировки форм, сделав более выразительными рисунок и колорит. В своих картинах художник стал подчеркивать плоскостный характер живописной поверхности, лишь намекая на пространственные отношения и решительно отказываясь от воздушной перспективы, строя свои композиции как последовательность плоских планов.

Это вылилось в создание синтетического символизма. Выработанный новый стиль его современником и художником Эмилем Бернаром произвел на Гогена сильное впечатление. Воспринятый Гогеном клуазонизм, основой которого являлась система ярких цветовых пятен на полотне, разделенного на несколько плоскостей разного цвета с резкими и причудливыми контурными линиями, он применил в своей композиционной картине «» (1888). Пространство и перспектива из картины исчезли полностью, уступив место цветовому построению поверхности. Цвет Гогена стал смелее, более декоративным и насыщенным.

В письме к Ван Гогу 1888 года Гоген писал, что в его картине и пейзаж, и борьба Иакова с ангелом живут лишь в домыслах молящихся после проповеди. Отсюда возникает и контраст между настоящими людьми и бьющимися фигурами на фоне пейзажа, которые несоразмерны и нереальны. Несомненно, под борющимся Иаковом Гоген подразумевал самого себя, постоянно сражающегося с неблагоприятными жизненными обстоятельствами. Молящиеся бретонские женщины - безучастные к его судьбе свидетели - статисты. Эпизод борьбы представлен как воображаемая, сновидческая сцена, что соответствует наклонностям самого Иакова, которому во сне представилась лестница с ангелами.

Он создал свое полотно после работы Бернара «», но это еще не означает влияния картины на него, поскольку и общая тенденция творческой эволюции Гогена и некоторые более ранние его работы свидетельствуют о новом видении и воплощении этого видения в живописи.

Бретонские женщины Гогена отнюдь не выглядят святыми, переданы, достаточно конкретно, характеры и типажи. Но в них пробуждается состояние самопогруженности. Белые чепцы с крылатыми шлейфами уподобляют их ангелам. Художник отказался от передачи объема, от линейной перспективы, совершенно по - иному строит композицию. Все подчинено одной цели - передаче определенной мысли.

В двух названиях картины обозначены два различных мира, представленных на холсте. Гоген разграничил эти миры, композиционно разделив их мощным, толстым стволом дерева, наискосок пересекающим все полотно. Введены разные точки зрения: на ближние фигуры художник смотрит немного снизу, на пейзаж - резко сверху. Благодаря этому поверхность земли почти вертикальна, горизонт оказывается где - то за пределами полотна. Не остается никаких воспоминаний о линейной перспективе. Возникает своего рода «ныряющая», направленная сверху вниз «перспектива».

Зимой 1888 года Гоген едет в Арль и работает вместе с Ван Гогом, грезивший о создании братства художников. Совместная работа Гогена с Ван Гогом достигла своего апогея, закончившись размолвкой для обоих художников. После нападения Ван Гога на художника, для Гогена открылся экзистенциальный смысл живописи, что разрушило до основания замкнутую систему выстроенного им клуазонизма.

После вынужденного бегства в гостиницу от Ван Гога, Гоген наслаждался работой с настоящим огнем в парижской гончарной мастерской Шаплена и создал самый пронзительный диалог из жизни Винсента Ван Гога - горшок с лицом Ван Гога и отрезанным ухом вместо ручки, по которому растекаются струи красной поливы. Гоген изобразил себя как художника, преданного проклятию, как жертву творческих мук.

После Арля, где Гоген вопреки желанию Ван Гога отказался оставаться, он из Понт - Авена отправился в Ле Пульдю, где одни за другими появляются его известные полотна с бретонским распятием, а затем ищет себя в Париже, метания по которому заканчиваются отъездом в Океанию из - за прямого конфликта с Европой.

В деревне Ле Пульдю Поль Гоген написал свое живописное полотно «» (1889). Гогену хотелось ощутить, согласно его словам, «дикое, примитивное качество» крестьянской жизни, максимально возможное при уединении. Гоген не копировал природу, а использовал, чтобы с ее помощью рисовать воображаемые образы.

» является наглядным примером его метода: отвергаются и перспектива, и натуралистичное модулирование цветом, из - за чего изображение становится похожим на витражи или японские гравюры, которые вдохновляли Гогена в течение всей его жизни.

Разница между Гогеном до приезда в Арль и Гогеном после нее очевидна на примере трактовки беспритязательного и вполне четкого сюжета «». «» (1888) еще весь пронизан духом эпитафии, а античный бретонский танец, с его подчеркнутой архаичностью, неумелыми и стесненными движениями девочек, отлично ложится абсолютной неподвижностью в основание стилизованной композиции из геометрических фигур. Маленькие бретонки, - это два маленьких чуда, застыли как две статуи на берегу моря. Их Гоген написал уже в следующем, 1889 году. Они напротив, поражают композиционным принципом разомкнутости, несбалансированности, что и наполняет особой жизненной силой эти изваянные из неживого материала фигурки. Два идола, в образе маленьких бретонок, стирают грань между миром реальным и потусторонним, которыми населены последующие полотна Гогена.

В начале 1889 года в Париже в кафе «Вольтер» во время XX Всемирной выставки в Брюсселе Поль Гоген показывает семнадцать своих полотен. Экспозиция работ Гогена и художников его школы, названная критиками «Выставкой импрессионистов и синтетистов», успеха не имела, зато породила термин «синтетизм», объединивший технику клаузонизма и символизма, развивавшийся в направлении, противоположном пуантилизму.

Поля Гогена глубоко волновал образ одинокого, непонятого и страдающего за свои идеалы Христа. В понимании мастера его судьба тесно соприкасается с судьбой творческого человека. По Гогену , художник - это подвижник, святой мученик, а творчество - крестный путь. При этом образ отверженного мастера автобиографичен для Гогена, т.к. самого художника часто не понимали: публика - его произведения, семья - выбранный им путь.

К теме жертвенности и крестного пути художник обращался в картинах, представляющих распятие Христа и снятие его с креста, - «» (1889) и «» (1889). На полотне «» изображено деревянное полихромное «Распятие» работы средневекового мастера. У его подножия склонились и застыли в молитвенных позах три бретонские женщины.

При этом неподвижность и величественность поз придают им сходство с монументальными каменными изваяниями, а израненная фигура распятого Христа с лицом, исполненным скорби, наоборот, выглядит «живой». Доминирующее эмоциональное содержание произведения можно определить как трагически безысходное.

Картина «» развивает тему жертвенности. В ее основе - иконография пьеты. На узком высоком постаменте изображена деревянная скульптурная группа со сценой «Оплакивание Христа» - фрагмент старинного, позеленевшего от времени, средневекового памятника в Низоне. У подножия - печальная бретонка, погруженная в мрачные раздумья и придерживающая рукой черную овечку: символ смерти.

Вновь используется прием «оживления» памятника и превращения живого человека в монумент. Строгие, фронтально стоящие деревянные статуи Жен - Мироносиц, оплакивающих Спасителя, трагичный образ бретонки наделяют полотно поистине средневековым духом.

Гоген исполнил ряд автопортретов - картин, в которых отождествил себя с Мессией. Одной из таких работ является «» (1889). В нем мастер изображает себя как бы в трех видах. В центре - автопортрет, где художник выглядит мрачным и подавленным. Второй раз его черты угадываются в гротескной керамической маске дикаря на заднем плане.

В третьем случае Гоген запечатлен в образе распятого Христа. Произведение отличается символической многоплановостью - художник создает сложный, многозначный образ собственной личности. Он выступает одновременно и грешником - дикарь, звериное начало, и святым - спаситель.

В автопортрете «» (1889) - одном из своих самых трагических произведений - Гоген вновь сопоставляет себя с Христом, охваченным тягостными думами. Согбенная фигура, поникшая голова и бессильно опущенные руки выражают боль и безысходность. Гоген возвышает себя до уровня Спасителя, а Христа представляет как человека, не лишенного нравственных терзаний и сомнений.

Еще более смелым выглядит «» (1889), где мастер представляет себя в образе «синтетистского святого». Это - автопортрет - шарж, гротескная маска. Однако не все так однозначно в этом произведении. Действительно, для группы художников, сплотившихся вокруг Гогена в Ле Пульдю, он был своего рода новым Мессией, идущим по тернистому пути к идеалам подлинного искусства и свободного творчества. За безжизненной маской и наигранным весельем скрываются горечь и боль, поэтому «» воспринимается как образ осмеянного художника или святого.

В 1891 году Гоген пишет большое символическое полотно «» и с помощью друзей подготавливает свое первое путешествие на Таити. Успешная распродажа его картин в феврале 1891 года позволила ему уже в начале апреля отправиться в путь.

9 июня 1891 года Гоген прибыл в Папеэте и с головой погрузился в туземную культуру. На Таити он впервые за долгие годы почувствовал себя счастливым. Со временем он стал поборником прав местного населения и, соответственно, смутьяном в глазах колониальных властей. Что гораздо важнее, он разработал новый стиль, получивший название примитивизм, - плоский, пасторальный, зачастую чрезмерно красочный, простой и непосредственный, абсолютно самобытный.

Теперь же он использует своеобразный поворот тел, характерный для египетских росписей: сочетание прямого фасного разворота плеч с поворотом ног в одну сторону, а головы в противоположную, сочетание, при помощи которого создается определенный музыкальный ритм: «Рынок » (1892); грациозные позы таитянок, погруженных в грезы, переходят от одной цветовой зоны к другой, богатство красочных нюансов создает ощущение разлитой в природе мечты: «» (1892), «» (1894).

Своей жизнью и творчеством он реализовывал проект рая земного. В картине «» (1892) он изобразил таитянскую Еву в позе рельефов боробудурских храмов. Рядом с ней на ветке дерева вместо змеи - фантастическая черная ящерица с красными крыльями. Библейский персонаж предстал в экстравагантном языческом обличье.

На сверкающих красками полотнах, воспевающих прелесть удивительной гармонии с золотым оттенком кожи людей и экзотики первозданной природы, неизменно присутствует тринадцатилетняя спутница жизни Техура, по местным понятиям - жена. Гоген увековечил ее на многих полотнах, в том числе «Та матете » (Рынок), «», «».

Юную, хрупкую фигуру Техуры, над которой витают призраки предков, внушающие таитянам страх, он написал в картине «» (1892). В основе произведения лежали реальные события. Художник отправился в Папеэте и задержался там до вечера. Техура, молодая таитянская жена Гогена, встревожилась, подозревая, что муж опять задержался у продажных женщин. Масло в светильнике закончилось, и Техура лежала в темноте.

В картине лежащая на животе девушка списана с лежащей Техуры, а злой дух, охраняющий мертвых - тупапау, изображен в виде сидящей на заднем плане женщины. Темно - фиолетовый фон картины придает таинственную атмосферу.

Техура была моделью еще нескольких полотен. Так в картине «» (1891), она выступает в облике Мадонны с младенцем на руках, а в полотне «» (1893), она изображена в образе таитянской Евы, в руках которой плод манго заменил яблоко. Упругая линия художника очерчивает сильный торс и плечи девушки, ее приподнятые к вискам глаза, широкие крылья носа и полные губы. Таитянская Ева олицетворяет тягу к «примитивному». Ее красота связана со свободой и близостью природе, со всеми тайнами первобытного мира.

Летом 1893 Гоген сам разрушил свое счастье. Опечаленная Техура отпустила Поля в Париж показать новые работы и получить доставшееся ему небольшое наследство. Гоген начал работать в снятой мастерской. Выставка, где выставил свои новые картины художник, с треском провалилась - публика и критики снова не поняли его.

В 1894 году Гоген возвращается в Понт - Авен, но в ссоре с матросами ломает ногу, в результате чего некоторое время не может работать. Его юная спутница, танцовщица кабаре «Монмартр», оставляет художника в Бретани на больничной койке и бежит в Париж, прихватив имущество мастерской. Чтобы хоть немного заработать на отъезд, немногочисленные друзья Гогена организуют аукцион по продаже его картин. Распродажа оказалась неудачной. Но за это короткое время он успевает создать замечательную серию ксилографий в контрастной манере, в которых изображены таинственные, вызывающие страх таитянские обряды. В 1895 году Гоген покидает Францию, теперь уже навсегда, и уезжает на Таити в Пунаауиа.

Но вернувшись на Таити, его никто не ждал. Бывшая возлюбленная вышла замуж за другого, Поль попытался заменить ее тринадцатилетней Пахурой, которая родила ему двоих детей. Испытывая недостаток в любви, он искал утешения с чудесными моделями.

Подавленный смертью дочери Алин, которая скончалась во Франции от воспаления легких, Гоген впадает в тяжелую депрессию. Мысль о смысле жизни, человеческой судьбе пронизывает религиозно - мистические работы этого времени, отличительной чертой которых становится пластичность классических ритмов. Художнику с каждым месяцем работать становится все труднее. Боль в ногах, приступы лихорадки, головокружение, постепенная потеря зрение лишают Гогена веры в себя, в успех личного творчества. В полном отчаянии и безнадежности Гоген в конце 1890 - х годов пишет одни из своих лучших произведений «Жена короля », «Материнство », «Королева красоты », «Больше никогда », «». Располагая на плоском цветовом фоне почти статичные фигуры, художник творит декоративные красочные панно, где находят свое отражение легенды и поверья маори. В них нищий и голодный художник воплощает свою мечту об идеальном совершенном мире.

Королева красоты. 1896. Бумага, акварель

В конце 1897 года в Пунаауиа, примерно в двух километрах от таитянского порта Папеэте, Гоген приступил к созданию своей самой большой и самой важной картины. Его кошелек был почти пуст, он был ослаблен сифилисом и изнуряющими сердечными приступами.

Большое эпическое полотно «» можно назвать сжатым философским трактатом и одновременно завещанием Гогена. «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем? » - эти предельно простые вопросы, написанные Полем Гогеном в углу его гениального таитянского холста, на самом деле являются центральными вопросами религии и философии.

Это чрезвычайно мощная по силе воздействия на зрителя картина. В аллегорических образах Гоген изобразил на ней и беды, поджидающие человека, и стремление к открытию тайн мироустройства, и жажду чувственного наслаждения, и мудрое спокойствие, умиротворение, и, конечно же, неизбежность смертного часа. Путь каждого отдельно взятого человека и путь цивилизации в целом стремился воплотить знаменитый постимпрессионист.

Гоген знал, что его время на исходе. Он полагал, что эта картина будет его последней работой. Дописав ее, он отправился в горы за Папеэте, чтобы совершить самоубийство. Он взял с собой заранее припасенную склянку с мышьяком, вероятно, не зная, как мучительна смерть от этого яда. Он рассчитывал затеряться в горах, прежде чем примет яд, чтобы его труп не был найден, а стал пищей для муравьев.

Однако попытка отравления, принесшая художнику страшные мучения, к счастью, окончилась неудачей. Гоген вернулся в Пунаауиа. И хотя его жизненные силы были на исходе, он решил не сдаваться. Чтобы выжить, он устроился клерком в Управление общественных работ и исследований в Папеэте, где ему платили шесть франков в день.

В 1901 году в поисках еще большего уединения он перебрался на небольшой живописный островок Хива - Оа на далеких Маркизских островах. Там он построил хижину. На дверной деревянной балке хижины Гоген высек надпись «Мезон де жуир» («Дом наслаждений» или «Обитель веселья») и жил с четырнадцатилетней Мари - Роз, параллельно развлекаясь с другими экзотическими красавицами.

Гоген доволен своим «Домом наслаждений» и своей независимостью. «Мне бы только два года здоровья да не слишком много денежных забот, которые меня всегда изводят…» - писал художник.

Но скромная мечта Гогена не пожелала исполниться. Не пристойный образ жизни еще больше подорвал ослабленное здоровье. Сердечные приступы продолжаются, ухудшается зрение и в ноге постоянно присутствует боль, которая не дает уснуть. Чтобы забыть и заглушить боль, Гоген потребляет алкоголь и морфий и подумывает о том, чтобы вернуться во Францию для лечения.

«Занавес» готов опуститься. В последние месяцы не дает покоя Гогену главный полицейский жандарм, обвиняя негра, живущего в долине, в убийстве женщины. Художник защищает негра и противостоит обвинениям, обвиняя жандарма в злоупотреблении властью. Таитянский судья выносит решение трехмесячного заключения Гогена за оскорбление жандарма и штрафу в тысячу франков. Обжаловать приговор можно только в Папеэте, но на поездку у Гогена нет денег.

Измученный физическими страданиями, доведенный до отчаяния отсутствием денег, Гоген не может сконцентрироваться для продолжения работы. Лишь два человека ему близки и верны: протестантский священник Вернье и сосед Тиока.

Сознание Гогена все чаще теряется. Он уже с трудом находит нужные слова, путает день с ночью. Рано утром, 8 мая 1903 года, художника навестил Вернье. Тяжелое состояние художника в это утро длилось недолго. Дождавшись, когда другу станет лучше, Вернье ушел, а в одиннадцать часов Гоген умер, лежащим на кровати. Эжен Анри Поль Гоген был похоронен на католическом кладбище Хива - Оа. Скончавшись от сердечной недостаточности, на работы Гогена практически сразу в Европе вспыхнула безумная мода. Цены на живопись взлетели за облака...

Гоген завоевал свое место на Олимпе искусства ценою своего благополучия и своей жизни. Художник остался чужим собственной семье, парижскому обществу, чужим своей эпохе.

Гоген обладал тяжелым, медлительным, но могучим темпераментом и колоссальной энергией. Только благодаря им он смог в нечеловеческих трудных условиях до самой смерти вести жесточайшую борьбу с жизнью за жизнь. Всю жизнь он провел в непрекращающихся тяжких усилиях, чтобы выжить и сохранить себя как личность. Он пришел слишком поздно и слишком рано, в этом и был трагизм универсального гогеновского гения.

Поль Гоген закончил картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», взял коробочку с ядом и пошел в горы, чтобы умереть

Картина «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» имеет одну особенность: она «читается» не слева направо, а справа налево, как каббалистические тексты, которыми интересовался Гоген.

1. Спящий ребенок символизирует человеческую душу до ее земного воплощения. По словам искусствоведа Марины Прокофьевой, «Гоген был мистиком, увлеченным теософией, и считал, что человеческие души до нисхождения в материальный мир пребывают в младенческом блаженстве на небесах».

2. Собака - символ бед, которые поджидают человека на земле.

3. Три женщины символизируют первую стадию пребывания человеческой души в телесной оболочке до открытия в ней стремления к самопознанию. «Эти женщины не вязнут в самокопании, не мучаются сомнениями, а бездумно отдаются счастью материального бытия», - говорит Марина Прокофьева.

4. Мужчина, срывающий плод с древа добра и зла , - символ пробуждения в человеке стремления к постижению тайн мироздания.
Как теософ, Гоген полагал, что влечение к открытию тайн мироустройства заложено в человеке изначально. Но в ком-то оно пробуждается, а в ком-то нет.

5. Фигура с рукой на голове олицетворяет вторую стадию развития человеческой души, когда она приходит в отчаяние от невозможности найти ответы на «проклятые вопросы» бытия.

6. Две фигуры в красном . «На картине Гогена, - рассказывает Марина Прокофьева, - они олицетворяют третью ступень душевного развития, когда человек приобретает способность анализировать. Это два мудреца, поверяющие друг другу свои мысли».

7. Птица - символ духовного пути, взятый Гогеном из древнеегипетского искусства.

8. Женщина в черном символизирует душу на высшей стадии развития, когда она постигает смысл своего земного воплощения. Он заключается в том, что душе необходимо закалиться в страданиях. «Женщина в черном скорбна, но спокойна, - замечает Прокофьева, - поскольку ей открыто, что за страданиями, на которые обречены в этом мире люди, выбравшие духовный путь, следует загробное воздаяние - радостный покой».

9. Источник - символ вечности.

10. Статуя божества олицетворяет надежду на воскресение на небесах освобожденной души.

11. Фигура подростка символизирует зачаточный уровень развития души у тех, в ком стремление к самопостижению так и не раскрылось и кому знакома только жизнь тела.

12. Коза, котенок и щенок - это, по словам Гогена, символы беспечного существования, в котором пребывает царство материальной природы, не знающее мук духовного поиска.

13. Обнаженная - символ чувственного наслаждения, за которым гонятся те, кто живет по законам материального мира.

14. Старуха символизирует обреченность тела на смерть. «Ее не развившаяся душа, - говорит Марина Прокофьева, - будет обречена на аморфное существование, не знающее мук, но и не знающее радости».

15. Птица с ящерицей в когтях - это, по словам Гогена, символ неизбежности смертного часа.

16. Название картины на французском - D’ou venons nous? Que sommes nous? Ou allons nous? Сегодня картина находится в коллекции Музея изящных искусств (Бостон, США).

Жизнь Гогена - это бегство. Маниакальное бегство от цивилизации. Поль родился в Париже, но до семи лет воспитывался в перуанском поместье у дяди и навсегда полюбил экзотическую природу, размеренную жизнь и простоту человеческих отношений. Франция, куда он вернулся с матерью в 1855 году, так и не стала ему домом. Поэтому художник любил путешествовать по дальним странам. А когда ему исполнилось сорок семь (в 1895 году), решил навсегда перебраться в Полинезию, на Таити, где уже бывал.

Однако на этот раз жизнь на острове не заладилась. Гоген поссорился с новой колониальной администрацией и поэтому никак не мог устроиться на работу. Накопленные деньги быстро закончились. Оставалось только писать картины и отсылать их во Францию в надежде на продажу. Но меценаты не особо интересовались гогеновским творчеством, и художник погряз в долгах. К тому же у него начались серьезные проблемы со здоровьем: воспалились ноги, болело сердце, мучила экзема, не отпускали приступы кровохарканья. Не давали работать конъюнктивит и головокружения.

«У меня нет даже куска хлеба, - писал Поль приятелю Даниелю Монфреду осенью 1897 года, - чтобы восстановить силы. Поддерживаю себя водой, иногда плодами гуавы и манго, которые сейчас поспели, да еще пресноводными креветками». Гогена душила депрессия, и он решил покончить жизнь самоубийством. Но перед смертью ему хотелось написать последнюю картину, которая стала бы духовным завещанием.

«Я думаю, - обращался художник к Монфреду, - что это полотно… превзойдет все предыдущие… Я вложил в него… всю свою энергию, всю страстность». К концу декабря 1897 года работа «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» была готова. А в первых числах января 1898-го Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы. Там он решил умереть.

Однако художник переусердствовал - он принял слишком большую дозу яда, которая спровоцировала безостановочную рвоту. Благодаря ей Гоген спасся. Несостоявшийся самоубийца промучился всю ночь, но остался жив. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. Психологам известны случаи, когда неудачная попытка суицида снимала депрессию.

В 1898 году судьба сжалилась над Гогеном: картины потихоньку стали продаваться, ему удалось устроиться на работу делопроизводителем в Управление общественных работ, конъюнктивит прошел - все свободное время художник проводил за мольбертом. Начался новый этап творчества: Гоген создал цикл картин, тематически близких к «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», но в иной, солнечной палитре.

Эже́н Анри́ Поль Гоге́н (фр. Eugène Henri Paul Gauguin [øˈʒɛn ãˈʁi ˌpol ɡoˈɡɛ̃]; 7 июня 1848 - 8 мая 1903) - французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма . В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом . С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена при жизни не находили спроса, художник был беден. Картина Гогена «Когда свадьба?» - одна из самых дорогих проданных картин.

Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года. Его отец, Кловис Гоген (1814-1849), был журналистом в отделе политической хроники журнала Тьера и Армана Мара «Насьональ», одержимым радикальными республиканскими идеями; мать, Алина Мария (1825-1867), была родом из Перу из богатой креольской семьи. Её матерью была известная Флора Тристан (1803-1844), разделявшая идеи утопического социализма и опубликовавшая в 1838 году автобиографическую книгу «Скитания парии».

В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, Кловис, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку Кловис умер от сердечного приступа.

Таким образом, до семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. Впечатления детства, экзотическая природа, яркие национальные костюмы, беззаботная жизнь в поместье дяди в Лиме остались в его памяти на всю жизнь, сказавшись в неуемной жажде путешествий, в тяге к тропикам.

В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию, чтобы получить от дяди по отцовской линии наследство, и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро учится французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В 1861 году Алина открывает швейную мастерскую в Париже, а её сын готовится к поступлению в Мореходное училище. Но он не выдерживает конкурса и в декабре 1865 года нанимается в плавание в качестве «курсанта», или ученика лоцмана. До 1871 года он почти непрерывно будет находиться в плавании по всему свету: в Южной Америке, в Средиземном море, в северных морях. Будучи в Индии, он узнаёт о смерти матери, которая в своём завещании рекомендует ему «сделать карьеру, так как он совершенно не способен вызвать к себе расположение друзей семьи и может вскоре оказаться очень одиноким». Однако, прибыв в Париж в 1872 году, получает поддержку знакомого ему с детства друга матери Гюстава Арозы, биржевого дельца, фотографа и коллекционера современной живописи. Благодаря его рекомендациям Гоген получает должность биржевого брокера.

В 1873 году Гоген женится на молодой датчанке Мэтте-Софи Гад, вхожей в семью Ароза. Гоген становится и отцом: в 1874 году рождается сын Эмиль, в 1877 году - дочь Алина, в 1879 году - дочь Кловис, в 1881 году - сын Жан-Рене, в 1883 году - сын Поль. В последующие десять лет положение Гогена в обществе укреплялось. Его семья занимает все более комфортабельные квартиры, где особое внимание уделяется мастерской художника. Гоген, как и его опекун Ароза, «коллекционирует» картины, особенно импрессионистов, и понемногу пишет их сам.

С 1873-1874 года появляются его первые пейзажи, один из них будет выставлен в Салоне 1876 года. Гоген знакомится с художником-импрессионистом Камилем Писсарро до 1874 года, но их дружеские отношения завязываются с 1878 года. Гогена приглашают участвовать в выставках импрессионистов с начала 1879 года: коллекционера постепенно воспринимают всерьёз и как художника. Он проводит лето 1879 года у Писсарро в Понтуазе, где пишет сады и сельские пейзажи, похожие на пейзажи «мэтра», как и всё то, что он будет писать вплоть до 1885 года. Писсарро знакомит Гогена с Эдгаром Дега , который всегда будет поддерживать Гогена, покупая его картины и убеждая это делать Дюрана-Рюэля, торговца картинами импрессионистов. Дега станет владельцем около 10 полотен Гогена, в том числе «Прекрасная Анжела», «Женщина с плодом манго», или «Хина тефатоу»

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Вначале своей биографии Поль Гоген был моряком, позже успешным биржевым брокером в Париже. В 1874 году он начал рисовать, вначале по выходным. К 35 годам при поддержке Камиля Писсаро Гоген полностью посвятил себя искусству, оставив свой образ жизни, удалившись от жены и пятерых детей. Установив связь с импрессионистами, Гоген выставлял с ними свои работы с 1879 по 1886 год. В следующем же году он уехал в Панаму и Маритинику. Борясь с «болезнью» цивилизации, Гоген решил жить по принципам первобытного человека. Однако физические болезни заставили его вернуться во Францию. Следующие годы в своей биографии Поль Гоген провел в Париже, Бретани, совершив короткую, но трагическую остановку в Арле вместе с ван Гогом.

В 1888 году Гоген и Эмиль Бернар выдвинули синтетическую теорию искусства (символизм), придавая особое значение плоскостям и отражению света, неприродным цветам в соединении с символическими или примитивными объектами. Картина Гогена «The Yellow Christ» (галерея Олбрайт, Буффало) является характерной работой для того периода. В 1891 Гоген продал 30 полотен, а затем на вырученную сумму отправился на Таити. Там он провел два года, живя бедно, нарисовал некоторые из последних своих работ, а также написал «Noa Noa» – автобиографическую новеллу.

В 1893 году в биографии Гогена состоялось возвращение во Францию. Он представил несколько своих работ. Этим художник возобновил интерес публики, но заработал очень мало денег. Сломленный духом, больной сифилисом, который причинял ему боль уже много лет, Гоген снова переезжает к южным морям, в Океанию. Там были проведены последние годы жизни Гогена, там же он безнадежно, физически страдал. В 1897 году Гоген пытался совершить самоубийство, но не смог. Затем еще пять лет провел в рисовании. Он умер на острове Хива-Оа (Маркизские острова).

Сегодня Гоген считается художником, оказавшим чрезвычайно большое влияние на современное искусство. Он отказался от традиционного западного натурализма, используя природу, как исходную точку к абстрактным фигурам и символам. Он выделял линейные образцы, поразительные цветовые гармонии, которые пропитывали его картины сильным чувством таинственности. За свою биографию Гоген оживил искусство ксилографии, выполнив свободные, дерзкие работы ножом, а также выразительные, не отвечающие нормам формы, сильные контрасты. Кроме того Гоген создал несколько прекрасных литографий, гончарных работ.

В США представлено множество работ Гогена, включая «The Day of the God» (институт искусств, Чикаго), «Ia Orana Maria» (1891, музей Метрополитен), «By the Sea» (1892, национальная галерея, Вашингтон), «Where do we come from? What are we? Where are we going?» (1897, музей художественных искусств, Бостон). Произведение Уильяма Сомерсета Моэма «Луна и грош» (Moon and Sixpence, 1919), построенная на событиях жизни Гогена, много сделала по продвижению легенды художника, которая возникла вскоре после его смерти.

"Автопортрет" 1888

Гоген Поль (Gauguin Paul) (1848–1903), французский живописец. В юности служил моряком, в 1871–1883 – биржевым маклером в Париже. В 1870-е годы Поль Гоген начал заниматься живописью, принимал участие в выставках импрессионистов, пользовался советами Камиля Писсаро. С 1883 всецело посвятил себя искусству, что привело Гогена к нищете, разрыву с семьей, скитаниям. В 1886 Гоген жил в Понт-Авене (Бретань), в 1887 – в Панаме и на острове Мартиника, в 1888 вместе с Винсентом ван Гогом работал в Арле, в 1889–1891 - в Ле-Пульдю (Бретань). Неприятие современного ему общества пробудило у Гогена интерес к традиционному укладу жизни, к искусству архаической Греции, стран Древнего Востока, первобытным культурам. В 1891 Гоген уехал на остров Таити (Океания) и после кратковременного (1893–1895) возвращения во Францию поселился на островах навсегда (сначала на Таити, с 1901 – на острове Хива-Оа). Еще во Франции поиски обобщенных образов, таинственного смысла явлений (“Видение после проповеди”, 1888, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург; “Желтый Христос”, 1889, Галерея Олбрайта, Буффало) сблизили Гогена с символизмом и привели его и группу работавших под его влиянием молодых художников к созданию своеобразной живописной системы – “синтетизма”, в которой светотеневая моделировка объемов, световоздушная и линейная перспективы замещаются ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета, целиком заполнявшего формы предметов и играющего ведущую роль в создании эмоционального и психологического строя картины (“Кафе в Арле”, 1888, ГМИИ, Москва). Эта система получила дальнейшее развитие в картинах, написанных Гогеном на островах Океании. Изображая сочную полнокровную красоту тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, художник стремился воплотить утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой (“А, ты ревнуешь?”, 1892; “Жена короля”, 1896; “Сбор плодов”, 1899, – все картины в ГМИИ, Москва; “Женщина, держащая плод”, 1893, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

"Таитянский пейзаж" 1891, Музей д"Орсе, Париж

"Две девушки" 1899, Метрополитен, Нью-Йорк

"Бретонский пейзаж" 1894, Музей д"Орсе, Париж

"Портрет Мадлен Бернар" 1888, Музей искусств, Гренобль

"Бретонская деревня в снегу" 1888, Музей искусств, Гетеборг

"Пробуждение духа мертвых" 1892, Галерея Нокс, Буффало

Полотна Гогена, по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщенности стилизованного рисунка подобные панно, несли многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн, оказали влияние на творческие поиски мастеров группы “Наби” и других живописцев начала XX века. Гоген работал также в области скульптуры и графики.

"Tahitian Women on the Beach" 1891

"А ты ревнуешь?" 1892

"Женщины Таити" 1892

"На побережье" 1892

"Большие деревья" 1891

"Никогда (О, Таити)" 1897

"День святых" 1894

"Вайрумати" 1897

"Когда же замуж?" 1892

"У моря" 1892

"Одна" 1893

"Таитянские пасторали" 1892

"Contes barbares" (Варварские сказания)

"Mask of Tehura" 1892, pua wood

"Merahi metua no Teha"amana (Ancestors of Teha"amana)" 1893

"Madame Mette Gauguin in Evening Dress"

Летом в конце 80-х годов прошлого века многие французские художники съехались в Понт-Авен (Бретань, Франция). Съехались и почти сразу же разделились на две враждебные группировки. К одной относились художники, вставшие на путь искания и объединенные общим для всех названием "импрессионисты". По мнению второй группы, которую возглавлял Поль Гоген, это название было ругательным. П. Гогену в то время было уже под сорок. Окруженный таинственным ореолом путешественника, изведавшего чужие края, он имел большой жизненный опыт и поклонников, и подражателей его творчества.

Оба лагеря разделялись и по преимуществу своего положения. Если импрессионисты жили в мансардах или на чердаках, то другие художники занимали лучшие комнаты гостиницы "Глоанек", обедали в большом и самом хорошем зале ресторана, куда члены первой группы не допускались. Однако стычки между группировками не только не мешали П. Гогену работать, наоборот, - в какой-то мере помогали ему осознать те черты, которые вызывали у него бурный протест. Отказ от аналитического метода импрессионистов был проявлением полного переосмысления им задач живописи. Стремление импрессионистов запечатлевать все увиденное, сам их художественный принцип - придавать своим картинам видимость случайно подсмотренного - не соответствовали властной и энергичной натуре П. Гогена.

Еще меньше удовлетворяли его теоретические и художественные изыскания Ж. Сера, который стремился свести живопись к холодному, рассудочному использованию научных формул и рецептов. Пуантилистическая техника Ж. Сера, его методическое накладывание краски перекрестными ударами кисти и точками раздражали Поля Гогена своим однообразием.

Пребывание художника на Мартинике среди природы, показавшейся ему роскошным, сказочным ковром, окончательно убедило П. Гогена использовать в картинах только неразложенный цвет. Вместе с ним разделявшие его мысли художники провозгласили своим принципом "Синтез" - то есть синтетическое упрощение линий, формы и красок. Цель такого упрощения заключалась в том, чтобы передать впечатление максимальной интенсивности цвета и опустить все, что ослабляет такое впечатление. Такая техника составляла основу старой декоративной живописи фресок и витража.

Вопрос о соотношении цвета и красок очень занимал П. Гогена. Он и в живописи своей старался выразить не случайное и не поверхностное, а пребывающее и существенное. Для него законом была только творческая воля художника, и свою художественную задачу он видел в выражении внутренней гармонии, которую он понимал как синтез откровенности природы и настроения встревоженной этой откровенностью души художника. Сам П. Гоген говорил об этом так: "Я не считаюсь с правдой природы, видимой внешне... Исправляйте эту ложную перспективу, которая искажает предмет в силу своей правдивости... Следует избегать динамичности. Пусть у вас дышит все покоем и миром души, избегайте поз в движении... Каждый из персонажей должен быть в статичном положении". И он сокращал перспективу своих картин, приближал ее к плоскости, развертывая фигуры во фронтальном положении и избегая ракурсов. Потому и неподвижны на картинах изображенные П. Гогеном люди: они подобны статуям, изваянным крупным резцом без излишних деталей.

Период зрелого творчества Поля Гогена начался на Таити, именно здесь проблема художественного синтеза получила у него свое полное развитие. На Таити художник отрешился от многого, чего знал: в тропиках формы ясны и определенны, тени тяжелы и жарки, а контрасты особенно резки. Здесь все задачи, поставленные им в Понт-Авене, разрешились сами собой. Краски П. Гогена становятся чисты, без мазков. Его таитянские картины производят впечатление восточных ковров или фресок, настолько краски в них гармонично приведены к определенному тону.

"Кто мы? Откуда мы? Куда мы идём?"

Творчество П. Гогена этого периода (имеется в виду первый приезд художника на Таити) представляется чудесной сказкой, которую он пережил среди первобытной, экзотической природы далекой Полинезии. В районе Матайе он находит небольшую деревушку, покупает себе хижину, с одной стороны которой плещется океан, а с другой видна гора с огромной расщелиной. Европейцы сюда еще не добрались, и жизнь казалась П. Гогену настоящим земным раем. Он подчиняется медлительному ритму таитянской жизни, впитывает в себя яркие краски синего моря, изредка покрывающегося зелеными волнами, с шумом разбивающимися о коралловые рифы.

С таитянами у художника с первых дней установились простые, человеческие отношения. Работа начинает все больше и больше захватывать П. Гогена. Он делает многочисленные наброски и зарисовки с натуры, при любом случае старается запечатлеть на полотне, бумаге или дереве характерные лица таитян, их фигуры и позы - в процессе труда или во время отдыха. В этот период он создает ставшие всемирно известными картины "Дух мертвых бодрствует", "А, ты ревнуешь?", "Беседа", "Таитянские пасторали".

Но если в 1891 году путь на Таити казался ему лучезарным (он ехал сюда после некоторых художественных побед во Франции), то во второй раз он ехал на любимый остров больным человеком, утратившим большинство своих иллюзий. Все его в пути раздражало: вынужденные остановки, бесполезные траты, дорожные неудобства, таможенные придирки, навязчивые попутчики...

Всего два года не был он на Таити, а так много здесь изменилось. Европейский налет уничтожил самобытную жизнь туземцев, все кажется П. Гогену невыносимой мешаниной: и электрическое освещение в Папеэте - столице острова, и несносные карусели рядом с королевским замком, и нарушающие былую тишину звуки фонографа.

На этот раз художник останавливается в районе Пуноауйа, на западном побережье Таити, на арендованном участке земли строит дом с видом на море и горы. Рассчитывая прочно обосноваться на острове и создать условия для работы, он не жалеет средств на устройство своего жилища и вскоре, как это часто водится, остается без денег. П. Гоген рассчитывал на друзей, которые перед отъездом художника из Франции взяли у него в долг в общей сложности 4000 франков, но те не спешили возвращать их. Несмотря на то, что он слал им многочисленные напоминания о долге, жаловался на судьбу и крайне бедственное положение...

К весне 1896 года художник оказывается в тисках самой жестокой нужды. К этому присоединяется боль в сломанной ноге, которая покрывается язвами и причиняет ему невыносимые страдания, лишая сна и энергии. Мысль о бесплодности усилий в борьбе за существование, о провале всех художественных планов заставляет его все чаще и чаще думать о самоубийстве. Но стоит только П. Гогену почувствовать малейшее облегчение, как натура художника одерживает в нем верх, а пессимизм рассеивается перед радостью жизни и творчества.

Однако то были редкие моменты, а несчастия следовали одно за другим с катастрофической регулярностью. И самым страшным было для него известие из Франции о смерти его любимой дочери Алины. Не в силах пережить утрату, П. Гоген взял огромную дозу мышьяка и ушел в горы, чтобы никто не мог помешать ему. Попытка самоубийства привела к тому, что он провел ночь в страшных мучениях, без всякой помощи и в полном одиночестве.

Долгое время художник находился в полной прострации, не мог держать кисть в руках. Единственным его утешением было огромное полотно (450 х170 см), написанное им перед попыткой самоубийства. Он назвал картину "Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?" и в одном из писем писал: "Я вложил в нее, прежде чем умереть, всю мою энергию, такую скорбную страсть в моих ужасающих обстоятельствах, и видение настолько ясное, без исправлений, что следы спешки исчезли и в нем видна вся жизнь".

П. Гоген работал над картиной в страшном напряжении, хотя замысел ее в своем воображении он вынашивал уже давно, он и сам не мог точно сказать, когда же впервые зародилась мысль об этом полотне. Отдельные фрагменты этого монументального произведения писались им в разные годы и в других произведениях. Например, женская фигура из "Таитянских пасторалей" повторяется в этой картине рядом с идолом, центральная фигура сборщика фруктов встречалась в золотистом этюде "Мужчина, собирающий плоды с дерева"...

Мечтая расширить возможности живописи, Поль Гоген стремился придать своей картине характер фрески. С этой целью он оставляет два верхних угла (один - с названием картины, другой - с подписью художника) желтыми и не заполненными живописью - "подобно фреске, поврежденной по углам и наложенной на золотую стену".

Весной 1898 года он послал картину в Париж, а в письме критику А. Фонтена сообщал, что ставил своей целью "не создание сложной цепи хитроумных аллегорий, которые нужно было бы разгадывать. Напротив, аллегорическое содержание картины чрезвычайно просто - но не в смысле ответа на поставленные вопросы, а в смысле самой постановки этих вопросов". Поль Гоген и не собирался отвечать на вопросы, вынесенные им в название картины, ибо считал, что они есть и будут жуткой и самой сладкой загадкой для человеческого сознания. Поэтому суть аллегорий, изображенных на этом полотне, заключается в чисто живописном воплощении этой таящейся в природе загадки, священного ужаса перед бессмертием и перед тайной бытия.

В первый свой приезд на Таити П. Гоген взглянул на мир восторженными глазами большого ребенка-народа, для которого мир еще не утратил своей новизны и пышной самоцветности. Его детски экзальтированному взору открылись в природе незримые для других краски: изумрудные травы, сапфировое небо, аметистовая солнечная тень, рубиновые цветы и червонное золото кожи маори. Таитянские картины П. Гогена этого периода пламенеют благородным золотым заревом, как витражи готических соборов, отливают царственным великолепием византийских мозаик, благоухают сочными разливами красок.

Одиночество и глубокое отчаяние, владевшие им во второй приезд на Таити, заставили П. Гогена видеть все только в черном цвете. Однако природное чутье мастера и его глаз колориста не позволили художнику окончательно утратить вкус к жизни и ее краскам, хотя он и создал полотно мрачное, писал его в состоянии мистического ужаса.

Так что же все-таки таит в себе эта картина? Подобно восточным рукописям, которые следует читать справа налево, содержание картины разворачивается в том же направлении: шаг за шагом раскрывается течение человеческой жизни - от ее зарождения до смерти, несущей страх небытия.

Перед зрителем на большом, вытянутом по горизонтали холсте изображен берег лесного ручья, в темных водах которого отражаются таинственные, неопределенные тени. На другом берегу - густая, пышная тропическая растительность, изумрудные травы, густо-зеленые кусты, диковинные синие деревья, "растущие словно не на земле, но в раю".

Стволы деревьев странно извиваются, переплетаются, образуя кружевную сеть, сквозь которую вдалеке виднеется море с белыми гребнями прибрежных волн, темно-фиолетовая гора на соседнем острове, голубое небо - "зрелище девственной природы, которая могла бы быть раем".

На ближайшем плане картины на земле, свободной от всяких растений, расположилась вокруг каменного изваяния божества группа людей. Персонажи не объединены каким-либо одним событием или общим действием, каждый занят своим и погружен в себя. Покой спящего младенца охраняет большой черный пес; "три женщины, присевшие на корточки, будто прислушиваются к себе, замерев в ожидании какой-то нечаянной радости. Стоящий в центре юноша двумя руками срывает с дерева плод... Одна фигура, нарочито огромная вопреки законам перспективы... поднимает руку, с удивлением глядя на двух персонажей, осмеливающихся думать о своей судьбе".

Рядом со статуей одинокая женщина, будто машинально, идет в сторону, погруженная в состояние напряженного, сосредоточенного размышления. Навстречу ей по земле движется птица. В левой стороне холста сидящий на земле ребенок подносит ко рту плод, кошка лакает из миски... И зритель спрашивает себя: "Что все это значит?"

На первый взгляд, это как будто повседневная жизнь, но, помимо прямого смысла, каждый образ несет в себе поэтическое иносказание, намек на возможность переносного истолкования. Так, например, мотив лесного ручья или бьющей из земли ключевой воды - это любимая гогеновская метафора источника жизни, таинственного начала бытия. Спящий младенец олицетворяет целомудрие рассвета человеческой жизни. Срывающий с дерева плод юноша и сидящие на земле справа женщины воплощают идею органического единения человека с природой, естественности его существования в ней.

Человек с поднятой рукой, с удивлением глядящий на подруг, - это первый проблеск беспокойства, начальный порыв к постижению тайн мира и бытия. Другие раскрывают дерзость и страдание человеческого разума, тайну и трагедию духа, которые заключены в неизбежности познания человеком своего смертного удела, краткости земного существования и неотвратимости конца.

Многие пояснения дал сам Поль Гоген, однако он предостерегал от стремления видеть в его картине общепринятые символы, слишком прямолинейно расшифровывать образы, а тем более искать ответы. Некоторые искусствоведы считают, что подавленное состояние художника, приведшее его к попытке самоубийства, выразилось в строгом, лаконичном художественном языке. Они отмечают, что картина перегружена мелкими деталями, которые общего замысла не проясняют, а только запутывают зрителя. Даже пояснения в письмах мастера не могут рассеять тот мистический туман, который он вложил в эти детали.

Сам П. Гоген расценивал свое произведение как духовное завещание, может быть, поэтому картина и стала живописной поэмой, в которой конкретные образы претворились в возвышенную идею, а материя - в дух. В сюжете полотна преобладает поэтическое настроение, богатое неуловимыми оттенками и внутренним смыслом. Однако настроение покоя и благодати уже подернуто смутным беспокойством соприкосновения с миром таинственного, рождает ощущение скрытой тревоги, мучительной неразрешимости сокровенных загадок бытия, тайны прихода в мир человека и тайны его исчезновения. На картине счастье омрачнено страданием, духовная мука омыта сладостью физического существования - "золотой ужас, прикрытый радостью". Все нераздельно, как в жизни.

П. Гоген сознательно не исправляет неправильные пропорции, стремясь во что бы то ни стало сохранить свою эскизную манеру. Эту эскизность, незаконченность он ценил особенно высоко, считая, что именно она вносит в полотно живую струю и сообщает картине особую поэзию, не свойственную вещам отделанным и чрезмерно законченным.

"Натюрморт"

"Борьба Иакова с ангелом" 1888

"Потеря девственности"

"Таинственный источник" (Pape moe)

"Рождение Христа Сына Божьего (Te tamari no atua)"

"Жёлтый Христос"

"Месяц Марии"

"Женщина, держащая плод" 1893

“Кафе в Арле”, 1888, ГМИИ, Москва

"Жена короля" 1896

"Желтый Христос"

"Белая лошадь"

"Идол" 1898 Эрмитаж

"Мечта" (Te rerioa)

"Poиmes barbares (Варварские стихи)"

"Добрый день, господин Гоген"

"Автопортрет" ок. 1890-1899

"Автопортрет с палитрой" Частное собрание 1894

"Автопортрет" 1896

"Автопортрет На Голгофе" 1896